LA GRAMINOLA – NÚMERO 6 – 4 DE ENERO DE 2018


LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA

Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.

Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso a las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas habrá distintas secciones a cada cual más ecomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro, desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Espero que todos estos cambios os gusten y, como siempre, estoy abierto a vuestras sugerencias y críticas. Un abrazo a todos los graminoleños. Ah, por cierto, feliz 2018 para todos.

 

NUESTRA PORTADA

 

 

Damos la bienvenida al 2018 con la primera lista graminoleña del año que viene con un tema de reggaetón y otro de música electrónica para bailar. Empezamos el nuevo año con las mismas pautas que han marcado el que acabamos de cerrar.

 

 

 

La sección que dedicamos a los pioneros viene hoy cargada de mucha nostalgia. Abordamos el jazz más asequible, el que emana del swing, y para ello disfrutaremos de la música de tres grandes orquestas frente a las cuales se encuentran tres auténticos monstruos de este estilo. Para no perdérsela bajo ningún concepto.

 

 

 

La página dedicada a los años 60 está protagonizada en exclusiva por un dúo de referencia para la música española de aquella época, Juan y Junior. Juntos seguían triunfando tras cerrar su etapa en Los Brincos.

 

 

La lista de los años 70 venía con un nuevo número uno debajo del brazo, de la mano de una canción que iba a crear una nueva manera de hacer música: el medley. Junto a ella una única entrada con una de las composiciones más sensuales de la historia de la música que llegaba a nuestro país con bastantes años de retraso. Imprescindibles ambas.

 

 

 

Nuestro póster de hoy, como simempre de lujo. En esta oportunidad protagonizado por el álbum definitivo en la carrera de Bryan Adams, esa joya publicada en el año 1984 y titulada “Reckless”.

 

 

 

 

No abandonamos en la siguiente página la época ochentera aunque bastante más avanzada. La lista de esa década nos presentaría las novedades del debut de un jovéncisimo británico que nos puso a bailar con su vozarrón y del Boss más meláncolico. Dos contrastes a cada cual mejor.

 

 

 

La sección dedicada a la lista de los años 90 por estas fechas está protagonizada en exclusiva por uno de los grupos más grandes de esa década: Oasis. Antes de acabar como el rosario de la aurora fueron capaces de incluir en nuestro ranking canciones tan espectaculares como este “Stand Bye Me”.

 

 

 

La lista del cambio de siglo nos da la oportunidad de disfrutar de dos mujeres espectaculares. Guapas y con unas voces maravillosas, cada una den su estilo. Mujeres al poder. El nuevo milenio hoy nos acaricia los oídos con Alicia Keys & Kylie Minogue.

 

 

 

La sección más divertida y variada, la de la otra manera de hacer música, tiene como estrellas indiscutibles a un dúo que hizo en su día las delicias de los más pequeños, Enrique & Ana. Junto a ellos un trío de grandísimos cantautores y un trío de auténticos cachondos. Tendréis que leer y escuchar para salir de dudas, pero fijo que una sonrisa (o dos) se os escapará, de eso no me queda ninguna duda.

 

 

 

Todo lo que empieza tiene que acabar y nuestra contraportada sirve para despedirnos pero solamente hasta dentro de siete días. Como siempre las últimas noticias, alguna efeméride y la mejor música en directo se hacen un hueco para cerrar capítulo.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Comenzamos la revista de hoy como siempre con la lista de actualidad, con la que contiene las canciones que más suenan en las radios de nuestro país. Es lo que hay. Ya os he dicho muchas veces que el reggaetón y la música electrónica lo llenan todo casi al cien por cien y las dos novedades que presenta la lista que se renovó el pasado 31 de diciembre muestran bien a las claras esta circunstancia. Así pues, vamos hoy con un ritmo latino y otro dance para iniciar el nuevo año.

Además, como no puede ser de otra manera, cada una de las dos canciones cuenta con más de un artista al frente de ellas, las habituales colaboraciones. Vamos, lo de chupar del mismo bote dos o, como en el primero de los casos, tres cantantes. Lo sé, soy muy repetitivo, pero es que no me gusta lo más mínimo. Para mí esto no es otra cosa que una falta total y rotunda de inspiración.

La entrada latina de la semana viene de la mano de Bad Bunny, un joven portorriqueño que se dio a conocer a través de una maqueta mientras trabajaba de empaquetador en un supermercado. Poco a poco se ha ido abriendo paso en el mundo de la música latina y en esta ocasión nos ofrece “Sensualidad”, una canción con el ritmo de siempre en la que cuenta con la participación del norteamericano Prince Royce y de uno de los artistas más prolíficos en estos menesteres de los últimos tiempos como es el colombiano J Balvin. No ofrecen nada nuevo, ya os lo digo yo, pero ahí está su éxito.

La segunda entrada de la semana viene desde noruega de la mano de uno de los disk jockeys que más de moda están en la actualidad y que mayor éxito está cosechando. Me estoy refiriendo a Kygo, quien por su manera de producir y componer sus creaciones marca claramente su territorio diferenciándose un tanto de lo que hacen otros artistas que se mueven en el mismo estilo.

En esta ocasión nos ofrece “Stargazing”, una canción en la que cuenta con la aportación vocal de Justin Jesso, y en la que marca las pautas habituales de sus temas: un inicio relajado como si de una típica balada se tratase, para romper finalmente con su sonido metálico y electrónico para ponernos a bailar. Si os soy sincero, de entre las dos novedades yo me quedo con esta última.

 

LOS PIONEROS

La sección de hoy dedicada a esos artistas que fueron fundamentales en la historia de la música para que otros se inspiraran en ellos va hoy de orquestas. Viajamos hasta los años 40, época dorada del swing, un derivado muy bailable del jazz, que causaría furor en aquellos años. Orquestas en ocasiones con vocalista y en ocasiones sin él. Agarraos que vienen curvas, que viene buen ritmo o, mejor dicho, que viene mucho swing.

GLENN MILLER / IN THE MOOD

Puede parecer mentira que una orquesta sea capaz de ponernos a bailar de una manera tan contundente pero esa situación se produjo en los años 40 gracias al swing. Para ello hizo falta en primer lugar que los artistas vinculados al jazz evolucionaran hacia ritmos un poco más sencillos y animosos y, sobre todo, que se rodearan de buenos músicos de orquesta. Evidentemente, si tú ya tienes tu propia orquesta, como era el caso de Glenn Miller, tienes bastante terreno ganado.

Miller está considerado como el auténtico rey del swing y su música obtuvo un éxito desproporcionado para los tiempos que corrían, ya que su momento de mayor esplendor transcurrió en la época en que tuvo lugar la Segunda Guerra Mundial. A pesar de esos momentos complicados, su legado fue espectacular.

Como no puede ser de otra manera, el rey del swing tiene el mérito de haber creado el auténtico himno del swing. Una canción con una magia maravillosa y que desde su primera nota invita a bailar a todo el que la escucha. Me estoy refiriendo a “In The Mood”, en España era conocida como “En Forma”, y si la escucháis muy detenidamente no está tan alejada del rock & roll que estaba empezando a asomar. Glenn Miller, un auténtico pionero.

Lamentablemente, a la edad de 40 años Miller desaparecería en un trágico accidente de aviación. Era el año 1944 y París acababa de ser tomada por las tropas aliadas. En ese momento fue requerido para que viajase hasta la capital francesa para ofrecer una actuación en directo en conmemoración del acontecimiento. El avión se estrellaría en alta mar y su cuerpo, el del piloto y el de un tercer acompañante nunca fueron recuperados. Una desaparición cargada de misterio ya que al parecer el piloto iba a ser objeto de un consejo de guerra en cuanto el aparato aterrizase y las conjeturas que se han ido realizando sobre el suceso han sido siempre muy variadas. De lo que no cabe ninguna duda es que ese día la música se quedó huérfana de un grandísimo artista y pionero.

 

DUKE ELLINGTON / TAKE THE “A” TRAIN

Vamos ahora de otro de los temas emblemáticos del swing y de otro de los grandísimos monstruos del jazz, el majestuoso señor Duke Ellington, con su inimitable manera de tocar el piano y acompañado siempre de los mejores músicos de la época en su “Big Band”, que así es como se llamaban las orquestas que ofrecían este tipo de música.

Se trata de una composición que data del año 1939 y lleva el título de “Take the “A” Train”, otro de los grandes himnos del swing cuyo título se fundamenta en que por aquel entonces se acababa de inaugurar la línea “A” del metro de Nueva York que atravesaba la ciudad de punta a punta. Así que tomemos todos ese tren de la línea A, siempre a todo ritmo.

Para que nos hagamos una idea de lo que supone esta canción para la “Big Band” de Duke Ellington, baste con decir que se convirtió en su auténtica sintonía. Era muy habitual que estas orquestas iniciaran todas y cada una de sus actuaciones en vivo, por aquel entonces todas, con la misma melodía que se convertía en su sintonía. Este tren de la línea “A” lo sería durante todo su recorrido.

Para cerrar la sección de hoy dedicada a los pioneros, vamos con la canción con la que podría decirse que comenzó todo, aunque el éxito definitivo lo lograría de la mano de la versión que realizaría otro de los grandes artistas del jazz.

 

BENNY GOODMAN / SING, SING, SING (WITH A SWING)

En el año 1936, el trompetista Louis Prima compuso esta canción que se convertiría en todo un acontecimiento. Él sería el primero en darle al jazz ese aire más dulce, atractivo, bailable … en definitiva, ese aire más swing. Podría decirse que ahí empezaría todo.

Las grandes orquestas del momento se veían obligadas a grabar las versiones de sus canciones con una duración siempre inferior a los cuatro minutos para poder incluirlas en los sencillos de vinilo de aquella época. Sin embargo, un año después, en el año 1937, otro de los grandes del jazz como era el clarinetista Benny Goodman y su orquesta rompería los moldes al editar su versión particular de esta maravillosa “Sing, Sing, Sing (With a Swing)”.

Su versión sería simplemente magistral y se iría a los nueve minutos, por lo que sería la primera vez en la historia de la música en la que un disco llevaba tanto en la cara A como en la cara B la misma canción pero dividida en dos partes. A partir de aquí llegarían las imitaciones y la época dorada del swing. El comienzo de la canción con el sonido de los bombos a todo trapo pone los pelos de punta  y lo que viene a continuación … también.

El jazz siempre estuvo considerado en sus comienzos como una música hecha por negros para negros y no apta para todos los paladares. Si embargo, con la aparición de estas “Big Bands” y la llegada del swing, los músicos blancos empezaron a adentrarse de lleno en este estilo dejándonos momentos inolvidables como los que acabamos de disfrutar y acercando el jazz a toda clase de público. Auténticos pioneros cinco estrellas.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Iniciamos el repaso a las listas de éxitos de otras épocas con el habitual viaje que realizamos cada semana alos años 60, aunque en esta ocasión la que estrenábamos el último día del año 1967 vino sin ninguna novedad que llevarnos a los oídos. Daba la impresión de que todos nuestros artistas favoritos estaban más pendientes de celebrar el año nuevo que de otra cosa, pero tranquilos que no os voy a dejar sin al menos un tema que triunfaba aquel año.

Antonio Morales y Juan Pardo eran dos jóvenes músicos que habían compartido su carrera musical desde siempre, unidos por su gran amistad. Primero en Los Pekenikes y después en Los Brincos habían escrito páginas muy interesantes de la historia de la música pop española. En el año 1967 decidirían abandonar este último grupo y continuar su carrera juntos con el dúo que dieron en llamar “Juan y Junior”.

El primer sencillo de esta nueva etapa iba a convertirse en su primer gran éxito e iba a triunfar a lo grande también en nuestra lista particular. Se trata de “La Caza”, canción con la que llegarían a permanecer en el número uno de la lista de “La Graminola” durante 9 semanas. “Yo sé que me quieres cazar laralaralarala”.

Su éxito fue bastante grande pero únicamente permanecerían juntos dos años más. A partir del año 1969 cada uno emprendería su carrera como solistas siendo Juan el que cosecharía más éxito. Parece ser que el desencadenante sería la relación sentimental que Junior comenzaría con Rocío Dúrcal, gran amor también de su compañero, que acabaría en un largo matrimonio.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

El primer día del año 1977 estrenábamos nueva lista graminoleña y para celebrarlo por todo lo alto venía con la principal novedad del cambio en el primer puesto de la clasificación. Tras 4 semanas ocupando lo más alto, Al Stewart y su “Year Of The Cat” bajaba hasta la segunda posición, cediendo el liderato a un artistas francés, totalmente desconocido fuera de su país hasta ese momento, que iba a cosechar un espectacular éxito a nivel mundial con una canción muy especial.

Laurent Voulzy era un cantautor francés que había adquirido cierta popularidad y algo de éxito en tierras francesas, pero sin acabar de tener ese gran éxito que le diera el espaldarazo definitivo. Éste iba a llegarle de la manera más inesperada, con una canción que incluía una serie de grandes éxitos de la década de los 60 que entrelazados debidamente y unidos por una especie de interludio que iba narrando la historia de una mujer que recordaba su juventud iba a convertirse en uno de los grandes acontecimientos musicales del año 1978 en toda Europa.

Sería bastante habitual a partir de este instante la aparición de canciones de este tipo, una colección de grandes títulos bien del mismo artista, bien de artistas distintos, debidamente entrelazados que en la mayoría de las ocasiones obtendrían gran éxito. Se acababa de producir la llegada de los famosos “popurrís” o “medleys”.

La canción en cuestión llevaba el título de “Rockollection” e incluía los estribillos de las canciones “The Locomotion” de Little Eva, “A Hard Day’s Night” de The Beatles, “I Get Around” de The Beach Boys, “Gloria” de Them, “Satisfaction” de The Rolling Stones, “Mr. Tambourine Man” de The Byrds, “Massachusetts” de Bee Gees, “Mellow Yellow” de Donovan y “California Dreamin” de Mamas & The Papas. Una canción de once minutos de duración que estrenaría el número uno en nuestra lista aquel 1 de enero de 1978.

Lo curioso del caso es que la primera lista graminoleña del año 1977 nos traería otra novedad, procedente también de Francia, en forma de entrada que eclipsaría de algún modo al número uno que acabamos de disfrutar. Y es que la canción que se estrenó el primer día de ese año era una especie de liberación y de resarcimiento hacia los dos intérpretes de la misma. Me explico porque dicho así es un poco lioso.

Corría el año 1969 cuando una joven actriz inglesa llamada Jane Birkin se trasladaba a vivir a París donde conocía al compositor y director de cine Serge Gainsbourg con el que contraería matrimonio. En aquel momento grabarían una canción compuesta hace tiempo por Serge, con una letra con un marcado contenido sexual y una susurrante voz de Jane que por momentos se convertía en provocadora. Por supuesto que me estoy refiriendo a la mítica “Je T’aime … Moi Non Plus”.

Como no podía ser de otra manera, dados los tiempos que corrían, la canción fue censurada en muchos países, entre ellos el nuestro, lo que la convertiría todavía más en una especie de composición de culto. Con la llegada de los nuevos tiempos y la democracia a España, en el año 1978, casi diez años después, sería publicada como es debido y alcanzaría la notoriedad que en su momento le había sido robada. Una entrada en lista sensual, provocadora y justa.

Para que nos hagamos una idea de la apuesta tan arriesgada que fue esta canción, aunque al final resultase ganadora, baste decir que en un primer momento Gainsbourg la grabaría con Brigitte Bardot, pero ésta cuando escuchó el resultado final pensó que podía perjudicar claramente a su carrera como actriz y le prohibió que la publicara. No sabemos si la Bardot terminaría arrepentida de tomar esta decisión, pero lo cierto es que supondría el lanzamiento definitivo como artista de Jane Birkin.

Como podemos ver, iniciábamos el año 1978 con aires muy franceses. En siete días más música de los 70.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Llegamos ya a la mitad de nuestro recorrido en la semana de hoy con ese momento tan esperado por muchos de vosotros. Vamos a desmenuzar y a disfrutar de la música de uno de esos discos de obligada escucha al menos una vez cada dos meses. Para ello viajamos hasta Canadá y adentrarnos en la música de Bryan Adams y su disco definitivo: “Reckless”, publicado en el año 1984.

Siempre he dicho que para gustos, colores y que poner la etiqueta del “mejor” a un disco o a un artista es muy subjetivo y relativo. Lo que para algunos puede parecer una genialidad, para otros puede resultar más terrenal. Sin embargo hay ocasiones en las que prácticamente hay unanimidad y el álbum de la semana del número de “La Graminola” de hoy es una de esas ocasiones.

Hubo un tiempo en el que la música de Bryan Adams se acercaba muchísimo al heavy metal que triunfaba en los 80. Para mí esa ha sido su mejor época y en la que mejor música fue capaz de ofrecer. Eso sí, que nadie piense que lo hecho a partir de entonces no era muy bueno también, pero sí que es cierto que cuanto menos era algo de intensidad más baja. Podría decirse que “Reckless” es un disco que sin estar hecho por un artista vinculado totalmente al rock duro encantaba a los seguidores de este estilo. A ellos y a otros muchos.

Todas las canciones del disco fueron compuetas por el propio Adams y su inseparable Jim Vallance, y muestran un ritmo y un rock demoledor desde el primer momento. El álbum se abre con “One Night Love Affair”, con la guitarra mostrando el camino desde la primera nota y anunciando lo que iba a venir a continuación: puro rock & roll de los 80.

Éste era ya el cuarto disco que Adams publicaba, y aunque su popularidad había ido creciendo paso a paso según fue publicando los tres anteriores, él sabía que necesitaba un disco redondo, uno de esos que llamara la atención de verdad para convertirse en uno de los rockeros más importantes del momento. Vaya si iba a conseguirlo.

Quien piense que fue tarea fácil está muy equivocado. En esta oportunidad nos encontraríamos con un Adams perfeccionista que quería que todo sonara como él imaginaba en su cabeza. De hecho, la grabación del disco se interrumpiría durante algunas semanas habida cuenta de que lo que tenía terminado en ese instante no acababa de convencerle, obsesionado con publicar un disco único.

El álbum cosecharía un éxito total, convirtiéndose con el paso del tiempo en uno de los clásicos de la historia del rock de los 80. La canción escogida para ser publicada como primer sencillo sería “Run to You” que marcaría bien a las claras las pautas que iba a seguir el disco al completo, ya que iba a convertirse en el primer número uno en Estados Unidos de la carrera de Adams. Curiosamente éste fue el último tema que se grabaría en el estudio por lo que eso de “los últimos serán los primeros” se confirma aquí a rajatabla.

Hasta seis sencillos se publicarían de este disco a cada cual más exitoso. Son claros clásicos tanto de la música de los 80 como de la propia carrera de Adams. Es difícil encontrar un salto tan grande en la historia de la música como el que el canadiense daría con “Reckless”. Creo que poco a poco iréis entendiendo porqué es un disco simplemente imprescindible.

Otro de los sencillos que llegaría al número uno en Estados Unidos y sería la primera canción de su carrera que pegaría con fuerza en Europa sería “Somebody”, una de esas canciones cuyo estribillo se te queda clavado a la primera escucha y que en cuanto tienes oportunidad cantas, berreas y gritas una y otra vez. ¿Véis como es un disco imprescindible?

Ni que decir tiene que todos y cada uno de los sencillos que se fueron publicando obtendría un éxito apabullante, pero no es menos cierto que el resto de las canciones del álbum tienen calidad suficiente como para obtener su merecido reconocimiento.

Sin ir más lejos, “She’s Only Happy When She’s Dancing” se convertiría en uno de los temas favoritos del público en los conciertos, gracias a su tremenda intensidad y a la manera en la que Adams y su grupo la interpretaban. Imposible parar gente quieta y tranquila.

Como cualquier buen disco de rock que se precie no podía faltar una balada de esas que te pone los pelos como escarpias y que se convirte en un auténtico himno casi de inmediato. La que se incluye en  “Reckless” tiene su historia y estuvo muy cerca de no ser incluida en el disco. Una simple casualidad sería la culpable de que finalmente fuera de la partida y se convirtiera en otro de los grandes clásicos de la carrera de Bryan Adams.

Una vez finalizada la composición de esta canción, el resultado no acabó de convencer demasiado a Adams y se planteó muy claramente la posiblidad de prescindir de ella. A pesar de todo decidiría grabarla aunque cada vez cobraba más peso su descarte. El día que se iba a proceder a dicha grabación contaría con el imprevisto de que el batería Mickey Curry tenía un compromiso adquirido para realizar una serie de conciertos con Hall & Oates, por lo que no iba a poder estar presente en la misma. Todo eran problemas.

En sustitución de Curry, Adams contaría con Steve Smith, el por aquel entonces batería de Journey, que al escuchar la composición le recomendaría unas pequeñas modificaciones dándole un aire un tanto más cercano a la música que hacía con su grupo. Estos arreglos darían como resultado una de las mejores baladas de la carrera del canadiense, la mágica “Heaven”.

No sería ésta la única colaboración que incluiría este tema, ya que para los coros el canadiense iba a permitirse el lujo de contar con la inconmensurable voz de Lou Gramm, vocalista de Foreigner. Además, “Heaven” sería el tema central de la película “A Night in Heaven”, protagonizada por Christopher Atkins y Lesley Ann Warren. Como vemos, de descarte a pieza fundamental, las vueltas que puede dar la grabación de una canción …

Ya que estamos hablando de colaboraciones especiales, dentro del disco hay otra que merece el calificativo de “esencial”, tanto por la artista con la que se marca un memorable dueto como por la canción en sí. Si juntamos el talento y la contundencia de Adams con la personalidad y la intensidad de Tina Turner está claro que el resultado no puede ser más que extraordinario.

Estoy hablando de “It’s Only Love” puro y auténtico rock & roll en el que la complicidad y la compenetración entre ambos artistas fue total. Adams siempre ha comentado que éste fue uno de los momentos en los que más ha disfrutado en su carrera. Además la canción no tiene desperdicio. Un riff de guitarra maravilloso al principio para romper de inmediato y dar paso a las voces de ambos. En dos palabras im-presionante.

Fue tan especial la conexión que se produjo entre ambos artistas que al final de la gira de presentación del disco, ambos iniciarían una serie de conciertos por Europa juntos, dejando momentos estelares como el que acabamos de ver. Es lo que pasa cuando dos auténticos monstruos de la música se ponen a trabajar juntos.

Los que no conozcan toda la carrera de Bryan Adams o los que simplemente se hayan centrado en sus últimos años, bastante dulcificados en cuanto a estilo todo hay que decirlo, os estaréis sorprendiendo un poco por lo que estáis escuchando. Pues agarraos que vienen curvas con el siguiente tema.

Como ya os digo, en esta etapa de su carrera, en sus primeros tiempos, su sonido se acercaba mucho al del heavy metal. No hay más que ver como artistas pertenecientes a Journey o Foreigner colaboraban con él sin mayor problema. Pues bien, una de las canciones incluidas en “Reckless” la habría firmado cualquiera de las bandas de rock duro que triunfaban por aquella época. Cumple todos los cánones de cualquier buen tema de rock potente. Se trata de “Kids Wanna Rock” y creo que no hay mejor muestra que escucharla con los amplificadores a todo volumen.

Los que conozcáis bien el disco a buen seguro que estaréis echando de menos una de sus canciones más destacadas y representativas. He querido dejarla para el final para cerrar nuestro póster de hoy a lo grande y porque es mi canción favorita de Bryan Adams. Una de esas canciones que te hace vibrar y bailar nada más escuchar las primeras notas.

“Summer of 69” es uno de los grandes clásicos de la carrera de Adams y una de sus mejores canciones de siempre. Un rock un tanto más suave que el que muestran el resto de las canciones del disco pero que atrapa a todo el que la escucha.

Siempre se especuló con qué era lo que significaba para Adams el año 1969, más si cabe viendo el videoclip de esta canción en la que hay partes en color, que corresponden al momento en que se grabó, año 1984, y partes en blanco y negro que corresponden al año 1969. Él mismo se encargaría de desvelarlo en una entrevista en el año 2004. El número no hace referencia al año 1969, momento en el cual solamente contaba con diez años de edad. Se trata de un juego de carácter sexual con esa famosa postura que … no digo más que estamos en horario infantil, vosotros ya sabéis. No cabe duda de que se encontraba en su etapa más cañera y rebelde.

Aquí se cierra la página central de “La Graminola” de hoy. A buen seguro que habréis disfrutado todos de ella. La semana que viene volverá con otro de esos discos imprescindibles. Hasta entonces.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Nos adentramos ya en la mágica década de los 80, ya sabéis que es mi preferida y la de muchísimos otros, para dar la bienvenida a las dos novedades que presentaba la lista que se estrenaba el 3 de enero de 1988. Dos grandes canciones, dos clásicos de la década. Vamos a por ellas.

A finales del año 1987 irrumpía en el panorama musical internacional un joven y desconocido británico que iba a convertirse en una de las revelaciones del momento. Su imagen, su música y, sobre todo, su tono de voz iban a cautivar a miles de fans, ya que el estilo musical en el que se movía y su voz poco habitual para este tipo de composiciones iban a crear un contraste que le llevaría al éxito de manera fulgurante.

El primer larga duración de Rick Astley iba a llevar el título de “Whenever You Need Somebody” y su sonido iba a moverse en los terrenos del pop hecho para bailar, algo que no es de extrañar ya que sus productores iban a ser los aclamados Stock, Aitken & Waterman que por aquella época copaban gran parte del mercado musical. El éxito pues, estaba garantizado.

El sencillo de presentación sería “Never Gonna Give You Up” y se convertiría en un grandísimo éxito, estrenándose en la primera lista graminoleña del año 1988. Su planta, alto, guapo, estiloso, y su voz, de auténtico barítono, se convirtieron en algo muy especial que le harían triunfar durante cuatro años, dejándonos unos cuantos temas de esos para recordar.

Se especuló mucho en su momento sobre si era él el que realmente cantaba o simplemente era la imagen de un artista prefabricado, aunque pronto pudo comprobarse que su vozarrón era tal y como mostraba en sus discos. Durante sus cuatro años de éxito lograría un par de números uno en nuestra lista, pero con este primer sencillo tendría que conformarse con el top 3 tras 40 semanas de permanencia.

Con la misma rapidez con la que se encumbró terminaría desapareciendo de la circulación. Sería otro de los muchos artistas que acabarían devorados por la llegada de la década de los 90.

La otra novedad de aquella primera semana del año 1988 viene de la mano de un artista al que hay que recibir puestos en pie. El gran Bruce Springsteen, el mítico “Boss”. Aunque todo hay que decirlo que lo haría no con su mejor disco ni con sus mejores canciones, pero siempre será él y su gran música.

Acababa de publicar su álbum “Tunnel Of Love” y esa semana colocaba en la lista su primer sencillo, la melancólica “Brilliant Disguise”.

El disco en general y esta canción en particular mostraban bien a las claras cual era el estado de ánimo de Springsteen por aquel entonces. Acaba de separarse de su esposa, Julianne Phillips, y no se encontraba en su mejor momento, algo que repercutiría también en una menor aceptación de su nuevo disco.

La canción habla de que por mucho que uno se ponga una máscara brillante, los problemas y los estados de ánimo estan ahí debajo, algo que él conocía de primera mano. Por si fuera poco, el videoclip se rodaría en blanco y negro, dándole un aire todavía más sombrío y triste a la composición. Springsteen siempre ha sido así, sus canciones han reflejado sus distintos estados de ánimo a lo largo de su vida. Ese ánimo no creo que mejorara de inmediato viendo la aceptación por parte del público y las críticas hacia el disco que no fueron tan buenas como estaba acostumbrado, lo que también se reflejaría en nuestra lista ya que únicamente permanecería en ella durante 16 semanas, alcanzando un discreto puesto 26.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Avanzamos diez años en el tiempo y nos ocupamos ahora de la lista que estrenábamos el día 4 de enero de 1998, que presentaría una única nueva entrada de la mano de uno de los grupos más aclamados y magnificados de la década de los 90, conocidos en igual medida por la calidad de su música como por los polémicos enfrentamientos entre sus miembros y sus polémicas declaraciones. Estoy hablando de Oasis.

Los hermanos Ian y Noel Gallagher han protagonizado casi más páginas de sucesos que de música, pero sus discos y sus canciones ocupan un lugar destacadísimo en la música de los 90. No es posible entender el cambió que mostró la música en aquella época sin conocer todo lo que ellos fueron capaces de ofrecer.

A finales del año 1997 publicaban su tercer disco bajo el título de “Be Here Now”, sobre el que había gran expectación después de los dos magníficos discos que habían ofrecido con anterioridad. En un primer momento las ventas de este último trabajo serían espectaculares, pero pronto se vería que su calidad había bajado levemente.

Como contraste a este disco no demasiado bien recibido por los críticos especializados aparecería como sencillo la que está considerada como una de las mejores composiciones de su carrera, este “Stand By Me” que permanecería en lista durante 29 semanas alcanzando el top 10.

Fuera como fuese, su música siempre ha estado por encima de sus polémicas y enfrentamientos. Fueron grandes, muy grandes y cualquier oportundiad de disfrutar de ellos hay que aprovecharla.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Cerramos el repaso que le damos cada semana a las distintas listas de éxitos cambiando de año, de década, de siglo y de milenio ya que saltamos hasta el 30 de diciembre de 2007 para disfrutar de la música de dos espectaculares mujeres, a la par que grandes artistas, con las dos canciones que entrarían en el hit glaminoleño ese mismo día.

Para empezar nos vamos hasta Australia para disfrutar de un momento emotivo de la mano de una de las cantantes de mayor éxito por aquel entonces. Me estoy refiriendo a Kylie Minogue a quien dos años atrás se le había diagnosticado un cáncer de mama. Afortunadamente, en el año 2007 volveríamos a tener noticias suyas una vez restablecida totalmente de su enfermedad, con la aparición en el mercado de su nuevo trabajo titulado “X”.

Cuando tuvo que parar por sus dolencias, Kylie estaba en el mejor momento de toda su carrera por lo que comprobar que tras dos años de pelea no había perdido ni un ápice de su manera de interpetar fue toda una satisfacción. El primer sencillo de ese nuevo álbum nos mostraría a una Kylie muy distinta, con un peinado y una pose a lo Marilyn y, sobre todo, con un sonido más contundente y cañero de lo habitual.

El título de esta canción es “2 Hearts” y a mí personalmente me encanta. Nos acompañaría durante 12 semanas y alcanzaría el top 24.

La otra entrada de la semana es una auténtico lujo, tanto por la canción en sí como por la grandísima artista que la protagoniza. Una de las mejores cantantes de la actualidad, poseedora de una espectacular voz, como es Alicia Keys. Si buscamos calidad, en sus discos la encontraremos a raudales.

Las comparaciones siempre se ha dicho que son odiosas, pero en algunas ocasiones se hacen inevitables. Siempre se habló de ella como la nueva Withney Houston, aunque en mi modesto entender está un poco por debajo de ella en cuanto a potencia vocal. Pese a esta manifestación creo que su voz en impresionante y capaz de llegar a cualquier registro que se proponga, dulce por momentos, intensa cuando hace falta.

En el año 2007 publicaba su tercer disco titulado “As I Am”, en el cual se incluía la canción que se estrenaba en la lista del 30 de diciembre. “No One” fue una de las canciones más destacadas de ese año y en nuestro país obtuvo una gran acogida ya que llegaría a encaramarse al número uno de la lista graminoleña en la que permanecería durante 48 semanas.

Cerramos aquí pues el repaso que cada semana le damos a las listas de distintas décadas. Dentro de una semana volveremos a viajar en el tiempo rescatando grandes canciones. Ahora a divertirnos un poco … más.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Vamos ya con la sección que nos trae cada semana música de “otros planetas”. Esas canciones o esos artistas que adquirieron su popularidad gracias a ser originales, dirigirse a un público más joven o simplemente haciendo parecer música algunas cosas que se alejaban de ella. Hoy vamos con tres temas y tres grupos bastante peculiares que tuvieron su momento de gloria gracias a la televisión. Abrid las orejas y los ojos para conocer su historia y parte de su legado.

Corría el año 1977 cuando el inigualable José María Íñigo triunfaba en televisión gracias a su programa “Estudio Abierto”, en el que el humor, las entrevistas y las actuaciones musicales se entremezclaban para dejarnos momentos verdaderamente memorables. Uno de ellos iba a llegar de la mano de un joven cantante que intentaba abrirse camino en el mundo de la música que iba a venir acompañado de una niña de tan sólo ocho años con el objeto de realizar juntos una peculiar coreografía. Poco podían imaginarse en ese momento en lo que iban a convertirse.

El cantante apenas superaba los 20 años y atendía al nombre de Enrique del Pozo. La casa discográfica que apostó por el le veían un gran potencial y se volcaron desde el primer momento en su promoción. La primera canción que interpretó en el programa televisivo llevaba el título de “Esto es Amor” y a alguien se le ocurrió que causaría más impacto si aparecía acompañado de una niña que bailase con él. La escogida sería una pequeña de ocho años de edad llamada Ana Anguita. Sin quererlo, acababa de tomar cuerpo uno de los mayores acontecimientos musicales para niños de la historia de nuestra música.

La actuación cosecharía un tremendo éxito. La imagen de Enrique y el desparpajo con el que se movía la pequeña Ana conquistarían de inmediato al público y al día siguiente no se hablaba de otra cosa. Fue en ese instante cuando la discográfica se daría cuenta de que formando pareja e interpretando canciones hechas para niños el filón estaba asegurado. Acababan de nacer Enrique y Ana.

Así pues la carrera de Enrique se redirigiría desde ese momento al público infantil y junto a su pequeña bailarina iban a convertirse en poco menos que un fenómeno de masas para los niños españoles. En el año 1983 terminarían su aventura juntos. Ana había crecido hasta convertirse en una adolescente y su voz ya no era la de antes, mientras que Enrique tenía ganas de retomar su inicial proyecto de hacer música en solitario para adultos, algo que le duraría bastante poco porque terminaría convirtiéndose en un personaje mediático y polémico del mundo del corazón para desaparecer posteriormente de la circulación. Eso sí, como suele decirse, que les quiten lo bailao.

Vamos ahora con tres jóvenes cantantes que en el año 1981 iban a seguir más o menos los mismos pasos, esto es, aparición en televisión cuando no eran demasiado conocidos, impacto generalizado sobre el público y adquisición inmediata de gran popularidad y lanzamiento de sus carreras, sobre todo de uno de ellos.

Ese año se emitía por televisión un programa llamado “Si Yo Fuera Presidente”, dirigido y presentado por el siempre provocador Fernando García Tola. Una noche fue a un local madrileño llamado “La Mandrágora” a ver la actuación de tres jóvenes cantautores que estaban empezando a adquirir cierta popularidad gracias a sus interpretaciones musicales en directo repletas de humor e ironía. Quedaría encantado con ellos y ni corto ni perezoso los llevaría una noche a su programa para que actuaran en él en directo.

El éxito sería rotundo gracias a que cada uno de ellos llevaba el peso de su correspondiente faceta. Javier era el encargado de la sátira, la crítica ácida, la hironía. Alberto era el especialista en boleros. Joaquín mostraba bien a las claras el talento, la sensibilidad y apoyaba a Javier con su gran sentido del humor. Por si alguno no ha caído todavía, ellos eran Javier Krahe, Joaquín Sabina y Alberto Pérez.

He buscado algún vídeo con imágenes de la actuación televisiva pero no ha habido manera de encontrarlo. De cualquier marnera con este “Marieta” ya nos hacemos una idea de lo que estos tres muchachos eran capaces de hacer. Su presencia en televisión les ofrecería la oportunidad de publicar un disco grabado en directo bajo el título de “La Mandrágora” en el que se incluía una joya como “Pongamos Que Hablo de Madrid”. Estaba claro que Sabina ya apuntaba maneras.

Para cerrar la sección dedicada a “las otras músicas” de esta semana vamos con otro trío que también lograría gran popularidad gracias a la televisión. Vienen desde Barcelona y aunque durante la mayor parte de su carrera cantaron en catalán, sería en el año 1983 cuando publicarían un disco por primera vez en español con el que lograrían un rotundo éxito.

Estos tres caballeros atendían a los nombres de Josep María Mainat, Toni Cruz y Miquel Ángel Pascual y artísticamente eran conocidos como La Trinca. Las letras de sus canciones estaban cargadas de humor e ironía y cuando en el año 1983 publicaron ese primer disco en castellano titulado “Quesquesé Se Merdé” obtendrían gran éxito fuera de Cataluña donde ya eran muy populares.

Su carta de presentación en estos nuevos menesteres lingüísticos sería “El Barón de Bidé”, uno de sus temas mas conocidos y representativos. Su impacto sería tan fulgurante que poco después conducirían un programa en TVE llamado “Tariro Tariro” en el que alternaban actuaciones musicales con sketchs humorísticos.

Como puede comprobarse el dicho de una imagen vale más que mil palabras algunas veces se cumple en lo relativo a la promoción de los artistas. La televisión puede cambiar la trayectoria de cualquiera de ellos pero al final lo que siempre queda es su música.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento de cerrar la revista de hoy con la lujosa contraportada que nos trae siempre secciones espectaculares. Una página de sentimientos encontrados. Por un lado pena porque esto se acaba pero por otro felicidad porque en siete días volvemos con más música. Vamos pues con el epílogo.

Fe de erratas: En esta misma sección, la semana pasada cometí el error de mencionar que la canción “Enter Sandman” es de Motorhead y fue versionada por Metallica, cuando la realidad es que sucedió totalmente al contrario. Pido disculpas. A este respecto quiero deciros que os agradezco que me comentéis los errores que pueda cometer. No soy perfecto ni lo pretendo. Esta publicación no me reporta nada económicamente, no vivo de esto, simplemente lo hago porque me gusta la música y no presumo de ser el más listo ni el que más sabe. Desgraciadamente hay gente que siempre va dando clases magistrales y poniendo calificativos a los que como humanos nos equivocamos. Como alguno dice no debo tener mucha idea de “metal”, pero voy a seguir disfrutando de la música pese a que algunos se pasen la vida repartiendo estrellas como si fuesen los Dioses del Olimpo Musical. Hay formas correctas de hacer y decir las cosas y otras no tanto.

SE RECUPERA

 

 

Tras darnos un gran susto, el flamante último ganador del Festival de Eurovisión se recuperá tras haber sido sometido a una operación de transparte de corazón. Desde aquí le mandamos un fuerte abrazo a Salvador Sobral.

 

 

Hay cantantes que son sinónimo de lucha y superación y el portugués Salvador Sobral es uno de esos casos. Muy vinculado a nuestro páis al haber vivido durante mucho tiempo en Palma de Mallorca, acaba de demostrarnos que detrás de cada artista hay siempre una persona con sus miserias y sus alegrías. Su historia parece que acaba con un final feliz.

Su primera incursión en el mundo musical se produciría en el año 2009 cuando participaría en la versión portuguesa del concurso “American Idol” que allí se denominó “Idol”. El jurado portugués no debió de estar demasiado inspirado ya que no pasaría del séptimo puesto. Estaba claro que su ojo clínico dejaba mucho que desear. Tras esta pequeña decepción se trasladaría a Palma de Mallorca y empezaría a cantar en algunos pequeños recintos adentrándose cada vez más en la música de jazz.

Ya de vuelta a su país lo volvería a intentar con la participación a principios de este mismo año en el “Festival RTP da Cançao”, con una canción compuesta por su hermana. En esta oportunidad las cosas serían bastante distintas y lograría alzarse con la victoria final en el festival lo que le daría la oportunidad de representar a Portugal en el Festival de Eurovisión en el mes de mayo.

La canción en cuestión lleva el título de “Amar Pelos Dois” y con ella lograría alzarse con el primer puesto eurovisivo, batiendo todos los registros de puntación de la historia del festival. Durante los ensayos ya tuvo algunos problemas de salud motivados por una grave dolencia cardíaca. Afortunadamente hace unos días, tras varias semanas hospitalizado en la UCI, ha recibido un trasplante de corazón del que se está recuperando satisfactoriamente, después de algún que otro retroceso por problemas de rechazo. A buen seguro que muy pronto le volvemos a ver sobre un escenario.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

 

Uno de los mayores exponentes del rock español es sin duda alguna Miguel Ríos. Con la grabación de su mítico “Rock & Ríos” tocaría techo en su carrera, dejándonos uno de los momentos más importantes de la música de nuestro país.

 

 

El año 1982 fue un gran año para la música en español y además fue un grandísimo año para el rock español. Sin duda alguna, el “Rock & Ríos” de Miguel Ríos ayudaría mucho a que se produjese esta situación. Tras sus inicios de carrera allá por los años 60 con una música melódica, daría un salto cualitativo importante convirtiéndose en uno de los rockeros más populares de la música española.

Con la grabación de este disco asumiría algunos riesgos. Era la primera vez en la historia de nuestra música que se grababa un disco en directo el mismo día que se estrenaba la gira promocional. Esto significa que no hubo ensayos de ningún tipo y que se publicó tal como salió, con sus fallos y sus defectos, algo que le dotaría si cabe de una magia muy especial. Ni que decir tiene que su éxito fue total.

El inició del concierto era una auténtica incógnica y la verdad es que no defraudaría a nadie. La canción que lo abrió era un tema inédito que de manera inmediata se convirtió en un auténtico himno y una composición perfectamente indicada para comenzar cualquier gira posterior. Estoy hablando de “Bienvenidos”. Ya sabéis, pues: “A los hijos del rock and roll … bienvenidos”.

 

EFEMÉRIDE

 

Hoy aprovechamos la coyuntura para felicitar en su cumpleaños a un cantante muy interesante, de un grupo muy interesante que nos dejaría varias canciones muy interesantes: Mark Hollis al frente de Talk Talk.

 

 

Tal día como hoy del año 1955 venía al mundo Mark Hollis, quien lideraría durante la década de los 80 a uno de los grupos que mejores críticas recibiría y que mayor consideración tendría entre los especialistas de la época, aunque sus ventas no fueran descomunales. Ojo, vendían bien pero no tenían la etiqueta de grandes figuras.

Al frente de Talk Talk sería el responsable de unas cuantas canciones que te vienen muy a menudo a la memoria. Fueron considerados siempre como integrantes de la “New Wave”, pero lo cierto es que su música tenía mucho más que la del resto de grupos vinculados a este estilo, era indudablemente más experimental.

Su mejor momento les llegaría en el año 1984 con la publicación de su segundo disco, titulado “It’s My Life”, en el que se incluía mi canción preferida. Se trata de un tema con un inicio misterioso y en un tono muy bajo que va in-crescendo con la peculiar voz de Hollis para dejarnos un momento intenso en el momento de llegar al estribillo. Su título es “Such a Shame” y me parece una auténtica genialidad.

 

NOVEDAD

 

 

Con la autenticidad de siempre, el veterano rockero madrileño tiene nuevo disco en el mercado. En “Escalde y Trinchera” ofrece más de lo mismo. ¿Para qué va a cambiar si así sigue siendo el más grande?

 

 

Los años no pasan por Rosendo … y tampoco por su música. Da gusto escuchar cada nuevo disco que publica ya que es de los pocos artistas españoles (yo diría que el único) que sigue sonando como sonaba hace más de 30 años y sigue manteniendo a sus seguidores de siempre y conquistando a nuevo público. Si en lugar de español fuera norteamericano estaría considerado como un mito. Y en verdad lo es.

Yo soy madrileño y de Carabanchel, aunque desde que me casé ya no vivo allí. Para quien no conozca Madrid os diré que este barrio es uno de los de más tradición y solera y en él ha vivido toda su vida el bueno de Rosendo. Era muy habitual cruzármelo por la calle con ese aire desgarbado y pasota y muy frecuente verle presenciar los sábados por la mañana partidos de baloncesto de chavales que jugaban en el Colegio Haiti cuyo patio está enfrente de la que fue mi casa durante 31 años. Rockero y cercano ¿qué más se puede pedir?

Hace apenas un par de meses publicaba su último disco bajo el título de “De Escalde y Trinchera”, en el que ofrece su sonido de siempre, guitarra, rock y mucha crítica en sus letras. La canción más destacada del álbum, por lo menos la que a mí personalmente más me gusta, es “Cúrame de Espanto” y en ella arremete contra todos esos listos que se aprovecharon de los años gloriosos económicos que luegon desencadenaron la tremenda crisis de la que todavía estamos intentado salir. Rosendo en estado puro.

“La Graminola” de hoy llega a su fin. La primera revista de este recién estrenado año 2018 ha venido cargada de buena música y no me queda más que desearos a todos un feliz y maravilloso nuevo año. Que se cumplan todos vuestros deseos (por lo menos que nos quedemos como estamos) y que disfrutemos de buena música durante 365 días. A esto último intentaré ayudaros.

Hasta el próximo jueves, Graminoleños

JUAN JOSÉ GOMARIZ

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LA GRAMINOLA – NÚMERO 5 – 28 DE DICIEMBRE DE 2017


LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA

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Bienvenidos Graminoleños a vuestra cita semanal con la música de todos los tiempos. Ya sabéis que “La Graminola”, da un pequeño repaso a las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años, junto a las cuales podemos disfrutar de distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoraremos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro, desmenuzará cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le daremos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada será el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podréis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Espero que todos estos cambios os gusten y, como siempre, estoy abierto a vuestras sugerencias y críticas.

 

 

Como siempre empezamos el recorrido por nuestra revista con la lista más actual, la que contiene todos los éxitos que más se escuchan. A ella se incorporan esta semana nuevos temas de Ed Sheeran, Luis Fonsi, Demi Lovato, Maroon 5 & SZA. Veremos hasta donde llegan.

 

 

 

 

La sección dedicada a “Los Pioneros” está hoy dedicada a tres tríos de mujeres que abrirían las puertas a tantas y tantas cantantes que vendrían detrás para liderar sus grupos. Para no perdérselo.

 

 

 

El repaso a las listas de años atrás nos lleva al día de Nochebuena de 1967 en el que la única entrada estaría protagonizado por el grupo Los Stop que nos decía aquello de “el que tenga un amor que lo cuide, que lo cuide. Pues eso, cuidémonos de leer su historia y escuchar su música.

 

 

 

 

La música que llegaba desde el Reino Unido e Italia protagoniza las dos novedades de la lista de los años 70. Un grupo que un año antes había vencido en Eurovisión y uno de los solistas italianos de voz más rasgada nos visitan para dejarnos dos buenas baladas.

 

 

 

La página central de la revista de hoy es de auténtico lujo. Un grandísimo grupo (para mí el más grande) y un monumental disco (para mí el mejor de su carrera). Desmenuzamos totalmente el mítico “Rumours” de los incoparables Fleetwood Mac. Para leerla y escucharla varias veces.

 

 

 

 

El mundo del cine y la música protagonizan la única novedad de la lista de los 80, de la mano de una de las artistas que más va a aparecer por nuestra revista: Madonna. En esta ocasión nos trae un tema extraído de la banda sonora de la película “Who’s That Girl”.

 

 

 

El repaso que nos lleva diez años más tarde, hasta finales de los 90 nos trae como principal novedad un nuevo tema de Presuntos Implicados. El carisma habitual de Sole Giménez lo hace todo.

 

 

 

Para cerrar el repaso a las listas de las distintas décadas nos adentramos en el siglo XXI con otro grupo con idéntica formación al que protagoniza los 90. En esta ocasión llegan desde Asturias cuando se encontraban en su mejor momento. Nos visitan El Sueño de Morfeo con la carismática Raquel del Rosario al frente.

 

 

 

La sección que nos trae la música más divertida está protagonizada hoy por un peculiar cantante, un peculiar personaje, un director de cine y hasta un boxeador. No os la podéis perder, es espectacular.

 

 

 

Para despedirnos es menéster saborear las distintas variantes de nuestra contraportada. A ella llegan uno de los grandes del heavy-metal, la reina del pop y una novedad de la mano de cuatro hermanos. Buen postre.

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Ya está aquí la lista de actualidad con la que abrimos siempre el repaso a los éxitos de la música de los últimos cincuenta años. En esta oportunidad presenta hasta tres nuevas canciones que el pasado día 24 de diciembre lograron entrar en ella y formar parte de la familia graminoleña. Aviso a mi amigo Juan López que en esta oportunidad no hay tanto reggaetón y se hace más llevadera. No para tirar cohetes pero las novedades de hoy son soportables. Vamos a darles el correspondiente y merecido repaso.

De Ed Sheeran ya os hablé hace unas semanas con motivo de la larga estancia en el número uno de su canción “Shape Of You” y hoy vuelve a protagonizar la lista de la semana al colocar un nuevo tema en ella. Una canción que en un primer momento no estaba considerada por su discográfica como de las más destacadas pero que finalmente ha adquirido gran relevancia.

Se trata de “Perfect”, una preciosa balada que como ya os cuento no iba a ser publicada como sencillo inicialmente, pero que dada la gran aceptación que ha tenido entre sus fans se ha convertido en el cuarto single en publicarse de su último trabajo, “Divide” De hecho ha sido tan grande esa acogida que ha terminado por grabar una nueva versión contando con la colaboración de la mismísima Beyoncé. Yo os dejo aquí la versión auténtica, la original que a mí personalmente me gusta más.

La irrupción en la lista de esta canción ha sido bastante destacable ya que se ha colocado de entrada en el puesto 24. ¿Significa esto que nos encontramos ante otro número uno del británico? Para conocer la respuesta habrá que esperar unas cuantas semanas pero lo cierto es que tiene buena pinta.

La segunda entrada de la semana viene de la mano de una de las habituales colaboraciones entre artistas y también se postula como posible número uno en el futuro, habida cuenta de los precedentes de uno de los artistas que lo protagoniza. La pareja en cuestión está formada por el portorriqueño Luis Fonsi y la estadounidense Demi Lovato.

Del portorriqueño y su éxito veraniego “Despacito” está todo dicho, por eso quién sabe si en esta oportunidad acompañado de Demi puede dar un salto más y llegar al número uno, algo que no ha logrado sorprendentemente con su anterior éxito. La canción con la que vuelve a intentarlo lleva el título de “Échame la Culpa”, y con un ritmo muy similar ha entrado esta semana en nuestra lista con el objetivo de subir hacia los primeros puestos cuanto antes.

El caso de Demi Lovato es uno de esos en los que tras iniciar su carrera como actriz y acabar formando parte de la “factoría Disney”, da el salto al mundo de la música. Evidentemente el hecho de crear junto a Nick Jonas, el que fuera miembro de los Jonas Brothers, su propio sello discográfico, llamado Safehouse Records, ayuda mucho.

Para cerrar las incorporaciones a la lista semanal de La Graminola vamos a marcharnos hasta los Estados Unidos desde donde nos llega una peculiar colaboración entre un grupo que en sus comienzos me atrajo de alguna manera pero que con el paso del tiempo ha ido cayendo en una cierta monotonía, y una artista emergente poseedora de una bonita voz. Hablo de Maroon 5 & SZA.

Siempre he pensado que cuando algún grupo o solista empieza a necesitar de la colaboración de otros artistas para ir publicando sus sencillos es porque necesita un cierto empujón y atraer a otro tipo de público porque su inspiración ha decaído notablemente. Es una apreciación particular mía, pero en el caso de Maroon 5 es muy sospechoso que en los últimos tiempos estén recurriendo a artistas de rap, rhtymy & blues, hip-hop y demás estilos para ir publicando sus canciones. Será casualidad.

En unas ocasiones la mezcla es más afortunada que en otras, así que habrá que ver como funciona en la lista este “What Lovers Do”, una canción que parece más bien concebida para la época veraniega que para la invernal, pero ellos sabrán.

Una vez puestos al día, seguimos avanzando en el número de hoy con la música más mágica de la revista.

 

LOS PIONEROS

La sección de “Los Pioneros” del día de hoy está dedicada en exclusiva a las mujeres. Más concretamente grupos, en este caso tríos, formados en exclusiva por voces femeninas. Ellas fueron las primeras que abrieron el camino a las que vendrían después, ya que hasta ese instante lo común, lo habitual, era que las chicas llevaran carreras como solistas y menos habitual que lo hicieran en grupo.

De algún modo ellas serían las responsables de que las mujeres fueran adquiriendo mayor importancia en el panorama musical y dieran el paso en el futuro a liderar bandas en las que el resto de sus integrantes eran hombres. Vamos pues con tres ejemplos de tres grandísimos tríos.

THE RONETTES / BE MY BABY

Veronica Bennett, su hermana Estelle y la prima de ambas Nedra Talley formaron en el año 1960 este grupo en un momento en el que este tipo de bandas estaba perdiendo un poco de fuelle en Estados Unidos. Afortunadamente se cruzarían en su camino el compositor y productor Phil Spector que les daría el impulso necesario para convertirse en unas auténticas figuras.

Cuando Spector las escuchó cantar no tuvo ninguna duda de que había posibilidades de conseguir algo grande, pero su primera intención sería la de contar únicamente con Veronica Bennett. De hecho iniciarían una relación sentimental que terminaría en matrimonio y llevaría a la cantante a cambiar su nombre artístico por el de Ronnie Spector.

Sin embargo, Ronnie no estaría dispuesta a prescindir de sus dos compañeras de grupo y se negaría en rotundo a iniciar una carrera en solitario, por lo que Spector empezaría componer canciones para ellas llevándolas a cosechar bastante éxito. Su mejor momento llegaría en el año 1963 con  una canción que se colocaría en el número uno de las listas norteamericanas y se convertiría en un clásico de la música de los 60, versionado hasta la saciedad. Estoy hablando del mítico “Be My Baby”.

Durante la grabación en el estudio de esta canción se produciría una situación inesperada. Cuando llegó el momento de grabarla, una de las cantantes que iba a participar en los coros no apareció. Por allí estaba en ese momento Sonny Bono que ofrecería a Spector que su mujer sustituyera a la ausente. Dicho y hecho se llevaría a cabo la oportuna sustitución y “Be My Baby” acabaría convirtiéndose en un enorme éxito. Por cierto, la “corista sustituta” no era otra que la mismísima Cher.

Vamos ahora con otro trío también bastante familiar. Más mujeres grandísimas de pies a cabeza, para lo que damos un enorme salto en el tiempo y nos situamos en la década de los 40.

THE ANDREW SISTERS / BOOGIE WOOGIE BUGLE BOY

Las hermanas Patty, Maxene y Laverne Andrews pueden considerarse como las verdaderas pioneras de todos los grupos femeninos que vendrían a continuación. Sin ellas, sin el éxito que cosecharon, a buen seguro que las que vinieron después lo habrían tenido muchísimo más difícil.

Para entender su éxito hay que situarse en el contexto de principio de los años 40. Desde muy niñas habían empezado a cantar juntas. De hecho, Patty, la más pequeña y la voz cantante del trío, únicamente contaba seis años cuando comenzaron a hacerlo. Los mimbres eran muy buenos y el cesto acabaría siendo enorme. La manera en la que compenetraban sus voces estaba al alcance de muy pocos.

Durante la guerra mundial alcanzarían sus mayores éxitos ya que fue muy habitual verlas animando a las tropas americanas interpretando sus canciones. Rodarían además unas cuantas películas y se convertirían en su momento en las mujeres que más discos habían vendido en la historia de la música norteamericana. Como ya digo, ellas fueron las auténticas precursoras.

Muchas fueron las canciones con las que arrasaron pero como muestra yo me quedaría con este “Boogie Woogie Bugle Boy”.

Para cerrar la sección de “Los Pioneros”, hoy “Pioneras”, vamos con uno de los grupos femeninos más grandes de todos los tiempos, las auténticas reinas de la música de aquel entonces.

THE SUPREMES / STOP IN THE NAME OF LOVE

No sería justo hablar de los grupos de mujeres más destacados e importantes de la historia de la música sin incidir en ellas, en las más grandes de siempre. Florence Ballard, fundadora del grupo, Mary Wilson y, por supuesto, esa maravillosa diva que es Diana Ross dieron cuerpo al grupo integrado únicamente por mujeres de mayor éxito de la historia. Para que nos hagamos una idea de su importancia basta decir que fueron las únicas capaces de hacerle sombra en la década de los 60 en los Estados Unidos a los mismísimos The Beatles.

Muy pronto la figura de Diana iría emergiendo de manera clara para terminar eclipsando prácticamente a sus compañeras. La rivalidad entre ella y Florence daría lugar al abandono del grupo por parte de esta última y a terminar denominándose “Diana Ross & The Supremes”, convirtiéndose en uno de los estandartes más grandes del mítico sello “Tamla Motown”.

Como no podía ser de otra manera, poco tiempo despues Diana iniciaría su carrera en solitario plagada también de grandes éxitos, pero antes con The Supremes cada nueva canción que sacaban al mercado se convertía de manera inmediata en un rotundo éxito. Me ha resultado bastante difícil elegir solamente una de entre todas ellas, pero finalmente me he decidido por esta “Stop in the Name of Love” del año 1965.

Con este broche de oro se cierra la sección de “Los Pioneros” de hoy y he de confesaros una cosa, según lo he estado escribiendo se me han ido viniendo a la cabeza gran cantidad de grupos femeninos que encajan aquí a la perfección, asi que … continuará.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

La lista graminoleña de hace cincuenta años por estas fechas presentaría una única novedad, aunque bastante destacable ya que vendría de la mano, o mejor dicho habría que decir que de las voces, de uno de los grupos que mayor popularidad adquiriría en aquella época aunque su andadura sería bastante corta. Una vez más el exceso de protagonismo de su solista eclipsaría al resto del grupo y traería consigo la disolución de la banda y el inicio de la carrera en solitario de la cantante.

Estoy hablando de Los Stop, que de la mano sobre todo de Cristina, su vocalista, cosecharían éxito tras éxito a finales de los 60. Como tantos y tantos grupos tendrían unos inicios bastante inciertos tocando en fiestas de pueblos y similares hasta que en el año 1966 ganaron un concurso radiofónico y consiguieron su primer contrato con una discográfica. A partir de ahí todo fue subir como la espuma.

La mayoría de sus canciones eran alegres y desenfadadas y con la que obtuvieron mayor éxito ofrecerían una letra pegadiza hasta decir basta. ¿Quién no ha cantado alguna vez lo de “tres cosas hay en la vida: salud, dinero y amor”. Pues sí con “Tres Cosas: Salud, Dinero y Amor” triunfarían en el año 1967 entrando en nuestra lista el día de Nochebuena de 1967 y permaneciendo en ella durante 36 semanas para alcanzar como mejor puesto el número 8.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Saltamos en el tiempo diez añitos y nos situamos en 1977. Concretamente en el día de Navidad, momento en el cual estrenábamos nueva lista en la que se producían dos novedades en forma de entrada de sendos artistas con pasado vinculado al festival de Eurovisión, aunque procedentes de distintos países, Italia e Inglaterra.

La primera de ellas llegaba desde el país transalpino de la mano de un ya curtido cantautor italiano que andaba un poco de capa caída hasta la aparición en el mercado de un nuevo disco a finales de 1976 en el que se incluía una canción que iba a llevarle de nuevo a la notabilidad del panorama musical internacional ya en 1977.

El artista en cuestión no es otro que Fausto Leali, un cantante con un reconocido prestigio en su país cuyo mayor secreto para lograr el éxito y la popularidad era su voz tan característica. Una voz áspera, dura y grave que le haría ganarse el apodo de “El Negro Blanco”. Tras unos años de grandes logros, participación en Eurovisión incluida aunque con no demasiado buenos resultados, con la llegada de los 70 sufriría un claro estancamiento. Las nuevas y jóvenes figuras de la canción italiana tipo Cocciante, Giacobbe, Bella y demás lo habían eclipsado.

Sin embargo, en el año 1977, una de esas emergentes figuras de cantantes italianos llegaría en su auxilio y le proporcionaría una composición con la que iba a volver a lograr un grandísimo éxito en toda Europa. La canción sería “Io Caminero” y el autor que la compondría llevaba el nombre de Umberto Tozzi, curioso al menos ¿no?

En aquella época era bastante habitual que los artistas italianos sacasen al mercado versiones en español de todos sus éxitos para lograr mayor acogida en nuestro país, fórmula que han ido manteniendo con el paso de los años y permenece en nuestros días. Por ese motivo, en la lista del 25 de diciembre de 1977 entraría en la lista la versión en español de título “Yo Caminaré”.

La segunda entrada de la semana estaba protagonizada por un grupo británico que había ganado el festival de Eurovisión de 1976 con la canción “Save Your Kisses for me, baby” y que un año después iba a lograr otro grandísimo éxito con esta nueva creación. Su nombre era “Botherhood of Man”.

El grupo se formó en el año 1969 y en sus primeros momentos tuvo diversas formaciones ya que estaba concebido para que por él fuesen pasando distintos cantantes de estudio que solían hacer los coros a otros grandes artistas. Tras varios años de entradas y salidas lograría consolidarse definitivamente con la formación integrada por Martin Lee, Lee Sheriden, Nicky Stevens y Sandra Estevens. A partir de ese momento irían llegando muchos éxitos.

Dado que el grupo estaba formado por dos chicos y dos chicas y por el tipo de música que hacían, la comparación con ABBA sería bastante habitual, intentando crear una supuesta rivalidad con ellos para conseguir hacer crecer su popularidad. Como los suecos, la importancia vocal que irían adquiriendo las chicas sería cada vez mayor y sus similitudes eran cada vez más marcadas.

El día de Navidad de 1977 entraría en lista una canción que ya había llegado al número uno en el Reino Unido. Su título era “Angelo” y su similitud con el tema “Fernando” de los suecos ABBA era más que evidente, por lo que la polémica se vería avivada nuevamente. Comparad y opinad, pero lo cierto es que el recorrido y el éxito a nivel mundial de unos y otros fue muy distinto como todos sabemos.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Los que hayáis seguido “La Graminola” durante los dos años de vida que ya tiene sabréis que mi grupo favorito de todos los tiempos es Fleetwood Mac. Tengo absolutamente todos sus discos tanto del grupo en sí como los trabajos que sus miembros han ido publicando en solitario, por lo que ya estaban tardando en aparecer en esta sección y a buen seguro que lo harán en bastantes más ocasiones.

Viene pues a nuestra página central del día de hoy uno de sus mejores álbumes, si no el mejor, con el que la nueva formación que habían presentado con su anterior trabajo quedaba asentada definitivamente y que está considerado como uno de los discos más destacados de la música pop-rock de todos los tiempos. Hoy vamos a disfrutar de la espectacular música que incluye su aclamado “Rumours”, publicado en 1977.

La grabación de este disco vino marcada por las tormentosas relaciones sentimentales de los cinco miembros del grupo. John McVie y Crhistine Mcvie acababan de separarse tras ocho años de matrimonio y no se dirigían la palabra. Por su parte, la relación entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham fue siempre muy tormentosa y llena de altibajos, con lo que los biorritmos cambiaban a cada momento. Mike Fleetwood tampoco se libraba ya que había descubierto recientemente que su mujer no le estaba siendo todo lo fiel que debía. Si a esto le sumamos la aparición de las drogas no es extraño que mientras estuvieron en el estudio de grabación el ambiente se podía cortar con un cuchillo y los rumores de separación fueran constantes.

Los egos de los cinco miembros aparecieron en escena y hubo problemas incluso hasta a la hora de decidir como se colocaba cada uno de ellos frente a los bafles para que el sonido de sus instrumentos se escuchara mejor. Afortunadamente, el talento descomunal que poseían y la profesionalidad que evindenciaron darían a luz un disco fundamental en su carrera en el que las letras de sus canciones vendrían marcadas sobremanera por esos problemas personales que vivián en aquel momento. Está claro que en las situaciones de mayor crisis los grandes artistas son capaces de ofrecer su mejor cara.

El álbum se abre ya con una canción genial compuesta por Buckhingham y en la que de algún modo narra como se sobrepuso a sus crisis amorosas con Nicks a base de entablar relaciones con otras mujeres. Un tema que en un principio iba a ser totalmente acústico pero que finalmente incluiría arreglos más eléctricos para dejar bien claro que lo que venía después iba a ser bueno, muy bueno. Su título: “Second Hand News”.

Como siempre todo el peso compositor recaería prácticamente a partes iguales sobre Lindsey Buckhingham, Stevie Nicks y Christine McVie, encargándose cada uno de ellos de cantar las canciones que habían compuesto apoyados por los magistrales coros de los otros dos compositores. Un lujo al alcance de muy pocos. Además en esta oportunidad el disco en su conjunto es tan bueno y sus canciones tan espectaculares que es imposible decidir si las de alguno de ellos estuvieron por encima de las de los otros dos.

La segunda canción del disco es una de las mayores genialidades. En esta oportunidad es Nicks la creadora y como no podía ser de otra forma, su letra habla de una ruptura sentimental, aunque ella la ve de una manera esperanzadora y como un simple paso más en la vida. Vamos que venía a manifestar que afrontaba su situación personal con muchas ilusiones y mucho optimismo, a diferencia de como lo sentía Buckingham como veremos un poco más adelante.

Se trata de “Dreams” uno de sus clásicos más representativos que alcanzaría el número uno en las listas de éxitos norteamericanas. Un tema en el que la compenetración instrumental de todos ellos roza la perfección.

Como ya os cuento, Buckhingham interpetaba de una manera muy distinta su reciente ruptura con Nicks, él no era capaz de ser tan optimista y veía el futuro con cierto pesimismo. De esta manera, la siguiente canción del disco es la cara opuesta de este “Dreams”, aunque a mí me parece la balada más maravillosa de toda su carrera.

Estoy hablando de “Never Going Back Again”, una preciosa balada en la que la voz de Buckhingham únicamente está acompañada por el sonido de su guitarra acústica y en la parte final los coros femeninos muy en segundo plano. Dulce y sencilla hasta decir basta. Una canción que me conquistó desde la primera vez que la escuché y que podría pasar por un tema propio de Buckingham porque en esta oportunidad la aportación del resto de los miembros del grupo fue casi inapreciable.

Hasta el momento hemos podido saborear canciones compuestas por Buckingham y por Nicks y para cerrar el triángulo de magníficos compositores vamos a continuación con uno de los temas que surgieron del talento de Christine McVie. Como no podía ser de otra manera se trata de una auténtica joya.

La canción que viene a continuación tiene el denominador común de hablar de su reciente separación de John McVie. La relación entre ambos durante la grabación del disco fue inexistente, no se dirigían la palabra y las tensiones eran continuas, a pesar de lo cual la inspiración no la perderían, afortunadamente.

En “Don’t Stop” Christine aborda el futuro con mucho optimismo, evidenciando que su separación de John ha sido en sí una auténtica liberación. Además nos encontramos ante una canción con un ritmo trepidante y uno de los mayores clásicos de toda la carrera de Fleetwood Mac.

Años después, Lindsey, Christine y Stevie reconocerían que las labores de composición de las canciones del disco fueron muy duras. La mayoría de las letras hacían referencia a sus relaciones sentimentales rotas y eran aprovechadas para pasar factura por ello. Esta situación llevaba a que estas letras fueran modificadas una y otra vez para dar réplica a lo que cada uno de ellos iba manifestando, por lo que no es difícil imaginarse las tremendas tensiones que habría en el estudio de grabación.

Lo mejor de todo es que esos resentimientos iban a sacar lo mejor de todos ellos a la hora de componer e interpretar dejándonos el magnífico disco que nos dejaron y canciones auténticamente míticas como otra de las compuestas por Buckingham en la que relataba con toda crudeza sus momentos de mayor enfrentamiento con Nicks.

Uno de los más claros ejemplos de esto es sin duda alguna “Go Your Own Way”, una canción en la que Buckingham aconseja seguir tu propio camino dejando atrás los malos momentos. Un tema espectacular con una compenetración vocal de todos maravillosa.

Como estamos pudiendo comprobar el disco es una auténtica genialidad y está repleto de momentos brillantes. Pues bien el mayor de todos en mi modesta opinión llega de la mano de una canción que es una especie de “macedonia” de distintas composiciones de todos y cada uno de los miembros del grupo y que daría como resultado una de las canciones más auténticas de su carrera.

Es la única canción de todo el álbum que viene firmada por los cinco componentes del grupo y en las labores de composición intervendrían todos ellos de manera muy activa. Mike y John serían los que crearían los primeros acordes y la estructura de la canción y Christine, Stevie y Lindsey irían introduciendo variantes en ella añadiendo partes de algunas de sus composiciones que no habían visto la luz. El resultado sería espectacular.

Escuchar “The Chain” es una auténtica delicia. Una canción con una estructura bien escogida en la que los tres vocalistas del grupo se compenentran ala perfección, con un John McVie que toca el bajo como nunca y un espectacular solo de guitarra eterno del propio Lindsey. Palabras mayores.

La clave para que un disco sea considerado como una obra maestra está en su calidad, obviamente, pero sobre todo en que no tenga altibajos. Si me permitís la “gracia”, “Rumours” no es que no tenga altibajos sino que tiene continuos “altialtos”, ya que cada una de sus canciones mantiene y prácticamente supera el nivel de la anterior. Tendrían unos graves problemas personales, pero su talento era muy superior a ellos.

Las melodías son insuperables, su manera de interpretarlas inmejorables pero es que además sonaban como nunca. El grado de involucración de todos llevaría a que cada uno de ellos a la hora de tocar sus instrumentos llenara de un ambiente mágico el estudio de grabación. Canciones como “You Make Loving Fun” son una muestra en la que sin excepción todos tocan con una calidad excepcional.

Hay una canción que de algún modo resume todos los problemas y enfrentamientos que rodearon la grabación del disco. Fueron muchas las ocasiones en las que todo estuvo muy cerca de saltar por los aires y ellos mismos reconocerían años después que fue un milagro que no lo hiciera y que de algún modo este álbum les haría más fuertes y les ayudaría a seguir adelante todos juntos.

Años atrás, en una época en el que Buckhingham y Nicks estaban en su mejor momento sentimental juntos, habían grabado y publicado una serie de canciones al margen del grupo. En el tintero se había quedado una que él recuperaría para “Rumours” pero sin que ella lo supiera. De hecho los otros cuatro miembros  la grabarían a espaldas de Nicks, que era quien la había compuesto y posteriormente anunciarían que tenía que incorporar su voz ya que esta canción iba a ser incluida en el disco en sustitución de otra también compuesta al opinar que no encajaba con el resto de las que componían el disco.

La canción sustituida iba a llevar el título de “Silver Springs” y he de deciros que la sustitución fue todo un acierto ya que “I Don’t Want to Know” se convertiría en otro momento inolvidable con una melodía con ese pequeño aire country que en ocasiones eran capaces de darle a sus canciones y con una sintonía vocal entre Lindsey y Stevie maravillosa.

No todas las canciones de este disco iban a servir para contar sus sentimientos personales e intentar pasarse factura los unos a los otros, no. También habría un momento para la ternura y para una canción en la que uno de los integrantes de la banda le dedicara una preciosa melodía a otro de ellos.

Mike Fleetwood no estaba atravesando tampoco un buen momento sentimental ya que su matrimonio se había sumergido en una profunda crisis. Christine McVie quiso rendirle un pequeño homenaje por este motivo y compondría una canción titulada “Oh Daddy” que estaría dedicada a su persona ya que en aquel instante era el único miembro de la banda que tenía hijos, concretamente dos. Una preciosa y emocionante balada.

Está canción vendría acompañada de una curiosa anécdota. Durante la grabación, mientras Christine tocaba el piano hubo un momento de cierto revuelo en el estudio y ella quiso llamar la atención de los técnicos tocando las teclas de manera aleatoria e inconexa. Esta situación se produjo muy al final de la canción y de una manera muy breve y finalmente se dejaría tal cual a la hora de grabar el disco. Geniales hasta la saciedad.

Pasito a pasito nos hemos ido acercando al final del disco y es una pena porque yo personalmente he disfrutado como un loco mientras iba escribiendo y escuchando el artículo. Para acabar con la sección del álbum de la semana del número de hoy vamos con la canción que cierra el disco, una especie de epílogo que también venía a contar el mundo en el que el grupo estaba viviendo.

El problema de las tortuosas relaciones sentimentales y de la lucha de egos de todos los miembros del grupo no era el único que los rodeaba. Las drogas también habían entrado en sus vidas e iban a pasarles factura en el futuro. De este tema se encarga esa canción que cierra el álbum.

Se trata de “Gold Dust Woman”, tema escrito por Nicks, algo que no debe de extrañarnos ya que fue la que más problemas tendría con esa lacra. Un final de fiesta un tanto dramático pero majestuoso como todo el álbum.

Hasta aquí llegamos pues en el día de hoy con este descomunal disco del que espero hayáis disfrutado todos. Eso sí, aviso a navegantes, no será el último de Fleetwood Mac que pase por esta sección. Son mi debilidad, no lo puedo evitar.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Como iréis comprobando a lo largo de las publicaciones de la revista, habrá una serie de artistas que irán apareciendo con gran frecuencia sea cual sea la década de la que nos encarguemos. Serán esos grupos y cantantes que se han ido convirtiendo en auténticos mitos de la historia de la música. Vamos, los más grandes entre los grandes.

En la lista del 27 de diciembre de 1987 se produciría la entrada de un tema de uno de estos grandes monstruos a los que me refiero. Una de las artistas con más presencia en nuestra lista, ya que desde el momento de su debut en el año 1985 han sido 37 los sencillos que han pasdo en algún momento por nuestra lista. Estoy hablando de la inimitable, aunque siempre imitada, Madonna.

Su popularidad a esas alturas había crecido como la espuma y hasta se permitía el lujo de protagonizar películas en las que no podían faltar en sus bandas sonoras sus canciones. La entrada de esa semana vendría de la mano de una canción incluida en la película “Who’s That Girl”, en España ¿Quién es esa Chica?”, que tendría cierto éxito gracias a su presencia y a su música.

La nueva entrada no es una de sus canciones de mayor repercusión pero sí que tuvo buena acogida. Se trata de “Causing a Commotion”, la cual permanecería en lista durante 21 semanas alcanzado el puesto 14 como su mejor posición.

El título de esta canción no es ninguna casualidad. Por aquella época Madonna mantenía una relación sentimental con el actor Sean Penn y con el carácter que ambos siempre han mostrado no era de extrañar que existieran grandes turbulencias entre ellos. La cantante confesaría que esta canción se inspiró en la conmoción que Penn provocaba cada vez que estaba con ella.

En 7 días más música de los 80.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Viajamos ahora hasta el día de los inocentes del año 1997, momento en el cual estrenábamos nueva lista en la que iba a producirse como única novedad la entrada de una canción de un grupo español, concretamente de Murcia aunque afincado en Valencia, que acababa de iniciar un nuevo ciclo y no con demasiadas buenas sensaciones.

El grupo al que me refiero no es otro que Presuntos Implicados, quienes iniciarían su andadura allá por el año 1983 con una formación y un estilo muy apartado del que les llevaría al éxito. En un primer momento la banda esta formada por hasta once miembros y se movían en las aguas del funk. Cuando se dieron cuenta de que las cosas no acababan de funcionar como ellos quería comenzaron los cambios y éstos serían profundos a la par de acertados.

El grupo se vería reducido finalmente a tres miembros: Sole Giménez, con su inigualable dulce voz, Juan Luis Giménez, su hermano mayor, y Nacho Mañó, convirtiéndose en uno de los discos más elogiados por la crítica y ganándose sus discos la etiqueta de “calidad”.

En el año 1997 iniciaban una nueva etapa en su carrera dándole un pequeño giro a su estilo que abrazaba definitivamente el pop más comercial. Producto de esos cambios publicarían su séptimo álbum bajo el título de “Siete”, siendo el primer sencillo en aparecer este “Todas las Flores”, la única entrada en la lista del 28 de diciembre de 1997, tema que permanecería en la misma durante 37 semanas alcanzando el top 4.

Podría decirse que a partir de ese instante nada sería como antes y el éxito de este nuevo disco estaría bastante por debajo del cosechado con sus anteriores trabajos. De alguna manera su decadencia había aparecido hasta el extremo de que en el año 2006 Sole Giménez tomaría la decisión de abandonar el grupo para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituida por Lydia Rodríguez. Ni la una ni los otros han sido capaces de reproducir los resultados de sus mejores tiempos juntos.

La música de los 90 volverá con todos vosotros en siete días.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Parece que es un denominador común en las listas de finales de cada año, por lo menos de los que nos estamos encargando en el número de hoy, que las novedades sean muy pocas, ya que en la que se confeccionó el 23 de diciembre de 2007 también tuvimos una única entrada. Tampoco debe extrañarnos, en la época navideña lo que más abundan son recopilatorios y similares y las novedades en plan más serio se reservan para finales de enero o principios de febrero. Así que toca esperar un poco.

Pero vayamos con esa entrada que realmente es una “reentrada” ya que se trata de una canción que ya había permanecido durante 22 semanas en lista en una etapa anterior. Vendría desde Asturias de la mano de uno de los grupos noveles del panorama musical español que más habían crecido en popularidad y que mayor éxito habían consechado en los últimos tiempos: El Sueño de Morfeo.

Formado por David Feito, Juan Luis Suárez y Raquel del Rosario, esta última vocalista y verdadera alma máter del trio, inicialmente tomaron el nombre de Xemá y lograron su espaldarazo definitivo al aparecer en uno de los episodios de “Los Serrano” interpretando la canción “1 Más 1 son Siete” que alcanzaría un gran éxito en la voz de Fran Perea.

En el año 2007 se encontraban en su mejor momento y su estilo musical mezclando un pop sencillo con el sonido de la música tradicional asturiana, o lo que es lo mismo, la gaita, estaba calando en el público español. Ese año publicaron el álbum de mayor éxito de su carrera, titulado “Nos Vemos en el Camino”, del que se extraía “Para Toda la Vida”, uno de sus mayores éxitos que entraba en nuestra lista el 28 de diciembre de 2007 permaneciendo en ella un total de 33 semanas y alcanzando como mejor puesto el 11.

Un par de aclaraciones antes de acabar con esta sección. Primera: Raquel del Rosario no es Asturiana como todo el mundo cree sino que es canaria. Segunda: pese a que hace ya más de cinco años que no se sabe nada de ellos y han desaparecido de la circulación, oficialmente nunca han anunciado su separación, así que quien sabe lo que puede suceder en el futuro.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Vamos ahora con la sección más especial de “La Graminola” donde le damos un repaso a estos otros artistas, a esos otros cantantes que nos han dejado momentos en ocasiones inolvidables, en ocasiones incalificables. Os advierto que en el día de hoy la imagen va a ser tan importante como el sonido, así que a abrir bien los ojos y los oídos.

Con el primer personaje vamos a viajar a la época de la movida madrileña tan querida y recordada de los años 80. Se trata de un personaje que sin ser un auténtico cantante adquiriría una tremenda popularidad y sin el que es imposible entender lo que sucedió en aquella época. Una persona vinculada al mundo de la música en distintas facetas, desde crítico musical a conductor radiofónico de un programa en la actualidad pasando, por supuesto, por la faceta de cantante y casí más exactamente showman. Hablo del irrepetible Paco Clavel.

Francisco MIñarro López, ése es su verdadero nombre, se convirtió en una de las imágenes más recordadas, en un auténtico icono de la Movida Madrileña. Él fue el creador de lo que se dio en denominar “El Guarripop” y “El Cutrelux”, y su manera de vestir y de interpretar no pasaría desapercibida para nadie.

Su irrupción en el mundo musical llegaría en el año 1980. Por aquel entonces creó un grupo denominado “Clavel y Jazmín” con el que grabó algunas maquetas. Una de ellas llegaría a las manos de la mismísima CBS que les ofreció un contrato y publicar un álbum que llevaría el título de “Reina por un Día”. De ese disco se extraería como sencillo el que fue su primer y más grande éxito, una canción que sonó hasta la saciedad y que se convirtió en uno de los temas del verano de ese año. Se trata de “El Twist del Autobús”, la carta de presentación de Paco Clavel en sociedad.

Pero si hablar de La Movida sin referirse a Paco Clavel es imposible, referirse a ella sin considerar al personaje que viene a continuación es un auténtico pecado. No era cantante, no era bailarín, no tocaba ningún instrumento, no sabía pintar, no componía, pero su figura fue indispensable para muchos de los artistas que aparecieron por aquella época. Hablo de Fanny Mcnamara, hablo de Fabio Mcnamara.

Sus primeros pasos los daría de la mano de Tino Casal, formando parte de su grupo de acompañamiento. Solía aparecer tocando los teclados aunque realmente él no tocaba absolutamente nada, simplemente se ponía detrás de ellos y aportaba su imagen con plataformas y vestimentas imposibles que encajaban a la perfección con todo lo que rodeaba a a Casal.

Poco después conocería a los pintores Juan Carrero y Enrique Naya con los que compartiría piso al que bautizaría como “Costa Costus”. Ese sería el momento en el que se cruzarían en su vida las dos personas que le catapultarían, Alaska y Pedro Almodóvar. La primera de ellas le reclutaría para que se encargase de presentar en plan showman todas y cada una de las actuaciones de Alaska y los Pegamoides. El segundo le haría aparecer en la mayoría de sus películas. De hecho “Pepi, Lucy y Boom y Otras Chicas del Montón” se basaba en lo que era el piso que compartía con los pintores, un auténtico caos.

La relación entre el director de cine y él se hizo muy estrecha y llegaron a formar el dúo Almodóvar & Mcnamara realizando actuaciones en directo y llegando a grabar algunos sencillos. Su momento más esperpéntico y conocido llegaría con la aparición de ambos cantando en la película de Almodóvar “Laberinto de Pasiones” del año 1982. Este “Gran Ganga” es uno de los momentos más auténticos de los tiempos de La Movida.

Para cerrar la sección de “También es Música” de hoy vámonos con uno de esos casos verdaderamente esperpénticos de la mano de un deportista español que llegó a ser campeón del mundo y que terminaría convirtiéndose en un juguete roto. Hablo del boxeador Perico Fernández.

Perico fue uno del os deportistas más conocidos en la década de los 70 y en el año 1973 lograría alzarse con el título de campeón del mundo del peso “superligero”. Fue una época grande para él. Su popularidad no tenía límites y en aquel momento era un auténtico ídolo para la mayoría de los españoles.

En el momento más alto de su carrera haría sus pinitos en el mundo de la música. Grabaría un par de canciones para un sencillo a ritmo de rock en el que aparecía este “Fuera de Combate” que resultaría ser premonitorio. A partir de ahí su carrera caería en picado y acabaría de bastante mala manera.

Hace ahora un año que nos enteramos de su fallecimiento. Arruinado, durmiendo en la calle, con alzheimer provocado por los golpes que recibió durante su actividad deportiva dejaría este mundo olvidado por todos. Fue uno de los más grandes en su momento y acabó roto tanto por fuera como por dentro.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

EFEMÉRIDE

 

 

El que fuera líder de Motorhead, el muy peculiar Lemmy Kilmister fallecería un 28 de diciembre de hace ya dos años. Por su manera de entender la vida y de desenvolverse en ella, tenía que dejarnos en el día de los inocentes. Sería su última “travesura”, su última “broma”.

 

 

Si hablamos de heavy metal hay que hacer mención de manera categórica a Motorhead, una de las bandas más grandes de este estilo, sino la mejor de todas, en la que la figura de su cantante y líder indiscutible destaca sobremanera. Es imposible hacer historia del rock duro auténtico y genuino sin acordarse de Lemmy Kilmister.

Vivió toda su vida con la misma intensidad que cantaba sus canciones y siempre comentó que le parecía mentira no haber muerto muy joven después de todos los excesos que había cometido. Su fatídico momento le llegaría el 28 de diciembre de 2015, a la edad de 70 años, cuando le detectaron un cáncer muy agresivo. Tan agresivo como que se lo diagnosticaron solamente dos días antes de morir. Ya os digo, ese era Lemmy, intenso y rápido incluso a la hora de marcharse de este mundo.

De entre todas las canciones de Motorhead que podrían servir para rendirle el tributo que merece, finalmente he escogido una muy especial. Al menos es la que a mí más me gusta. Se trata de “Enter Sandman”, una composición intensa como todas las suyas y de la que en su día haría una espectacular versión el grupo Metallica.

Para que nos hagamos una idea de la personalidad de este hombre, un buen día en una entrevista le preguntaron que era para él mejor si el matrimonio o un concierto y su contestación literal sería: “la elección está clara porque el sexo dura 30 minutos y un concierto dura hora y media”. Genio y figura.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

Los más grandes siempre suelen dejar grandes momentos en sus conciertos. Eso es lo que ha hecho en repetidas ocasiones Madonna. Hoy disfrutaremos con una versión muy especial de uno de sus clásicos, por supuesto en directo.

 

Todos nos imaginamos a Madonna vestida en plan Marilyn, muy ajustada y muy escotada bailando con unos cuantos caballeros trajeados en cuanto escuchamos las primeras notas de esa espectacular canción que es “Material Girl”. Pues bien, en plena gira de su espectáculo “Who’s That Girl Tour” iba a sorprendernos a todos con una manera de interpretarla y una coreografía totalmente alejadas de lo habitual.

Por aquel entonces también triunfaba a lo grande Cyndi Lauper y muchos estaban empeñados en crear una rivalidad entre ellas intentando compararlas y decidir cual era más grande de las dos. Esto la llevaría a interpretar esta canción en la gira ataviada con una vestimenta muy similar a la que Lauper solía llevar y con una voz en plan ingenuo total y con una entonación casi idéntica a la de su supuesta rival.

Lo cierto es que nos dejaría un momento memorable que no haría sino aumentar esa continua comparación entre ambas. Comparación inútil porque cada una de ellas es grande a su manera y discutir lo logrado por la Ciccone es perder el tiempo.

 

NOVEDAD

 

 

Los hermanos Andrea, Sharon, Caroline y Jim Corr, o lo que es lo mismo, The Corrs, acaban de sacar un nevo álbum al mercado bajo el título de Jupiter Calling. Cualquier tiempo pasado fue mejor, pensarán muchos.

 

 

Cuando irrumpieron en el panorama musical internacional allá por el año 1990, los irlandeses The Corrs se convirtieron en un soplo de aire fresco al saber mezclar a la perfección el sonido pop con instrumentos tradicionales del folclore irlandés. Sin embargo, con el tiempo fueron abandonando cada vez más estos últimos sonidos lo que a la larga supondría el inicio de su decadencia.

En el año 2005 lo dejarían y Andrea iniciaría su carrera en solitario. Poco después la imitaría su hermana Sharon pero ninguna de ellas lograría demasiada repercusión, por lo que hace un par de años, diez después de separarse, decidirían volver a publicar un disco todos juntos. La experiencia les gustaría y ahora repiten con el segundo álbum después de su retorno que lleva el título de Jupiter Calling.

El disco es una colección de canciones poco trascendentes, incluyendo en algunas de ellas ese sonido irlandés que en su día les llevó al éxito. Bueno, por lo menos lo intentan porque lo cierto es que no consiguen seducir como lo hicieron antes. Eso sí, escuchar la cristalina voz de Andrea siempre merece la pena, así que disfrutemos de ella y de sus hermanos con este “S.O.S.”

Por cierto, el título de la canción no es una llamada de socorro hacia sus fans para que compren su disco, no. Se trata de las siglas de “Song of Siria”, ya que está dedicada precisamente a la trágica situación que vive desde hace ya mucho tiempo este país. Ya que no triunfas, por lo menos toca la fibra al personal.

Y esto es todo por hoy. Os espero a todos los graminoleños el próximo jueves.

JUAN JOSÉ GOMARIZ