LA GRAMINOLA – NÚMERO 36 – 2 DE AGOSTO DE 2018


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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

Como los monitos de aquí al lado me he quedado con el tema que ilustra la música de actuacilidad de esta semana. No diré más.

 

 

Sus miembros entraban y salían del grupo a la velocidad del rayo, pero entre tanto nos iban regalando grandísimas canciones. La sección de los pioneros de esta semana está protagonizada por The Drifters, por donde desfilaron artistas descomunales y que se movieron en distintos estilos con gran maestría en todos los casos. Auténticos cinco estrellas.

 

 

En los 60 participar en Eurovisión era sinónimo de éxito y si ademas ganabas no te digo más. Per había ocasiones en las que el segundo clasificado lograba un éxito descomunal incluso por encima al del ganador. Eso sucedió en el año 1968 con Cliff Richard y su Congratulations que hoy viene a nuestra revista por alcanzar el número 1 en nuestra lista de los 60.

 

 

La lista de los 70 nos trae un tema de los míticos de Camilo Sesto y un auténtico llenapistas de una artista española aunque afincada fuera de nuestro país. Luisa Fernández se adueñó de las pistas de baile de las discotecas europeas al trepidante ritmo de “Lay Love On You”. Música disco al estilo español.

 

 

 

El póster central de “La Graminola” de esta semana llega de la mano de uno de los grupos imprecindibles para comprender el pop español de los 80 y el fenómeno de “La Movida”. Se trata del primer trabajo de uno de los grupos más emblemáticos y carismáticos de aquella época y que con el paso del tiempo se ha convertido en inispensable. Se trata de “Deseo Carnal”, el debut de Alaska y Dinarama.

 

 

Como la lista de los 80 que repasamos esta semana no tiene ninguna novedad destacable en forma de nueva entrada, me he permitido la licencia de recordar un tema con sonido tecno que por aquellas fechas estaba prácticamente de retirada. Se trata de “The Promise” el único éxito de un grupo no demasiado promocionado como fueron When In Rome.

 

 

La lista de los 90 nos trae música de The Rolling Stones y de Ace of Base, un cuarteto sueco en el que muchos quisieron ver a los sucesores de ABBA, pero lo cierto es que no cuajaron del todo.

 

 

La lista del nuevo milenio tiene protagonismo femenino absoluto con dos mujeres que triunfaron a lo grande en el año 2008. La belga Kate Ryan nos puso a bailar y una jovencísima Adele nos tocó la fibra sensible. Mujeres al poder y en el mundo de la música del nuevo siglo más todavía.

 

 

Una semana más los sonidos del verano inundan la sección de “También es Música”. otras tres canciones concebidas para adornar las epocas estivales de distintos años llegan a “La Graminola”. En esta ocasión Goombay Dance Band, Manhattan Transfer y Village People son los protagonistas. Dan ganas de marcharse de inmediato a la playa o lugares similares ¿o no?

 

 

Protagonizan la contraportada de hoy Farmacia de Guardia, Florence + The Machine y los autenticos monstruos de aquí al lado: The Eagles.

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Esta semana llega por fin el calor de verdad, el auténtico, el agosteño y la lista de “La Graminola” lo acusa de tal manera que no tenemos ninguna nueva entrada en lista, así que tendré que improvisar y para ello voy a tirar de una canción que ilustra bien a las claras el mal momento que atraviesa el panorama musical, con una aberración de canción que ha descubierto para nosotros nuestro buen amigo y fiel seguidor Kim.

Siempre os digo que la música latina que todo lo inunda no nos lleva a ningún sitio y viendo y escuchando videoclips como el que viene a continuación queda muy claro lo bajo que ha caído el listón de los gustos de los jóvenes aficionados a la música de hoy en día. Porque aunque parezca mentira, el tema que os pongo hoy se ha hecho viral en internet y muchos apuestan por él como la canción del verano de este año.

Nos llega desde Puerto Rico de la mano de dos ¿¿¿¿¿¿¿artistas??????? llamados Barbie Rican y Jamsha que nos ofrecen una canción que sería obligatorio poner en los conservatorios de música de todo el mundo para enseñar en las primeras clases como no se debe hacer música. Es un tema con un ritmo cansino, repetitivo y desesperante y una puesta en escena y una letra de una mala educación bastante evidente. Su título es “Calocha” y de verdad os digo que si canciones como esta son capaces de abrise camino en el mundo de la música, lo nuestro no tiene solución.

Necesitamos una revolución, pero ya.

 

LOS PIONEROS

Hay grupos cuya trascendencia va más allá de lo que en su momento se supo apreciar y los protagonistas de la sección pionera de hoy son un claro ejemplo. Un grupo estadounidense que supo tocar prácticamente todos los palillos en cuanto a estilos musicales se refiere en los años 50 para casi de puntillas terminarn influyendo en un sinfín de músicos que llegaron después. El góspel, el soul, el doo-wop, el pop e incluso el rock salieron de sus gargantas para dejarnos unas cuantas canciones memorables. Estoy hablando de The Drifters y hoy voy a hacer una pequeña excepción y os voy a ofrecer no tres sino cuatro de sus temas más representativos ya que los cambios en su formación fueron tan habituales y profundos que creo que es de justicia hacer referencia a los más importantes.

 

MONEY HONEY

Pese a que solamente permaneció en el grupo cuatro años, la figura de su fundador, Clyde McPhatter, es indispensable para saber a ciencia cierta lo que fue este grupo. Se trataba de un artista que procedía de un grupo denominado Billy Ward & The Dominoes en el que tenía un papel secundario, pero pronto pudo comprobarse que su calidad era más que suficiente como para ser el auténtico líder de su propio grupo y así fundó en el año 1953 The Drifters.

Su primera intención sería que su música se moviera en el terreno del góspel, estilo que él controlaba a la perfección, pero no acababa de encontrar a los acompañantes adecuados y poco a poco se fue dando cuenta de que había más músicas, había más estilos con los que poder ofrecer todo su talento.

Tras constantes pruebas, tras constantes entradas y salidas, McPhatter por fin encontraría a los acompañantes perfectos en las personas de los hermanos Gerhart y Andrew Thrasher, Bill Pinkney, Willie Ferbee y Walter Adams y sumergiéndose en las aguas del rhythm & blues lograrían el primer gran éxito de su carrera como es este “Money Honey”.

 

SWEET FOR MY SWEET

Los éxitos seguirían llegando uno tras otro y los cambios en su formación, también. McPhatter tenía un carácter bastante complicado y continuamente se producían choques con sus compañeros de viaje que provocacaban continuos cambios en la banda. En el año 1957 sería él mismo quien decidiría marcharse del grupo, en gran medida pensando que sin su presencia acabarían en el ólvido. Estaba bastante equivocado.

McPhatter sería sustituido como vocalista principal por Charlie Thomas y el éxito continuaría intacto. Los cambios no solamente serían en cuanto al cantante del grupo sino que su estilo también se vería un tanto alterado. Sin abandonar su base Rhtyhm & Blues poco a poco fueron encaminándose hacia el soul y se atrevieron incluso a no contar con la sección de cuerdas en algunas de sus canciones, como sucedería con otro de sus grandes clásicos como el que viene a continuación.

Se trata de “Sweets for my Sweet” que presentaría como gran novedad la de contar por primera vez en su carrera un coro femenino que correría a cargo de un grupo llamado “The Sweet Inspirations” entre cuyas componentes se encontraban Dionne Warwick y Cissy Houston, madre esta última de Withney Houston.

 

SAVE THE LAST DANCE FOR ME

Los enfrentamientos con su mánanger eran continuos y llegó un momento en el que los miembros fundadores del grupo que todavía permenecían en él se plantaron y decidieron dejarlo. Podía decirse que en ese momento The Drifters eran historia, pero una vez más la realidad iba a ser muy distinta.

Lo de la disolución del grupo estaba muy bien pero el problema que tenía encima George Treadwell, que así es como se llamaba su mánager, era bastante grande. Había firmado distintos contratos que les obligaban a diversos compromisos hasta el año 1964, entre los que se encontraban dos conciertos anuales en el Teatro Apollo, por lo que con la desaparición del grupo se enfrentaba a unos problemas judiciales bastante graves.

Afortunadamente para él se cruzaría en su camino un grupo llamado The Fine Crowns cuyo vocalista principal le dejó tremendamente impresionado, por lo que les ofreció un suculento contrato a cambio de que cambiaran su denominación y pasaran a llamarse The Drifters, algo que éstos aceptaron de manera inmediata. Nos encontramos entonces con un nuevo grupo con el nombre de siempre que seguiría la senda del éxito habitual aunque cambiando ciertamente de estilo sumergiéndose en las aguas del doo-wop.

De manera inmediata les llegaría su primer éxito con “Save the Last Dance For Me” que conquistaría al público a pesar de los cambios drásticos sufridos. Por cierto, el vocalista que impresionó a Treadwell y que se convirtió en el nuevo líder del grupo no es otro que Benjamín Nelson, cuyo nombre artístico sería Ben E. King y que poco tiempo después nos regalaría una de las mejores baladas de la historia de la música ya como solista como es “Stand By Me”.

 

ON BROADWAY

Como os comentaba al prinicipio, la sección pionera de hoy tiene un bonus extra con una cuarta canción que viene a demostrar la versatilidad que The Drifters mostraron según fueron pasando los años, siendo capaces de regalarnos en el año 1963 una canción espectacular que acabo en sus manos, aunque quizás lo más correcto sería decir que acabó en sus gargantas, por una simple casualidad.

Dos de los compositores más reconocidos de aquella época que se hacían llamar Mann/Weil crearon una canción que en un primer momento iba a ser interpretada por un grupo femenino denominado The Cookies. Lo cierto es que cuando éstas grabaron su composición los resultados no fueron todo lo satisfactorios que se esperaba por lo que había muchas dudas de que finalmente saliera al mercado. La casualidad quiso que el dúo de compositores se enterara que al día siguiente The Drifters habían reservado el estudio para grabar algunas de las canciones del que iba a ser su nuevo disco, por lo que no dudaron ni un instante en ofrecerles grabar su creación que podía encajar perfectamente con sus voces.

Como no podía ser de otra manera la versión que The Drifters realizaron en el estudio de grabación fue una auténtica genialidad y de inmediato saldría al mercado convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de su carrera y en un auténtico clásico. Se trata de “On Broadway” con el que se atrevieron a jugar con el soul y el jazz, demostrando que su talento no tenía límites.

A lo largo de la historia son muchos los grupos y artistas que han ido cambiando de estilo o han sido capaces de moverse en distintos terrenos sin desentonar lo más mínimo, pero en el caso de grupos vocales como The Drifters esta situación no ha sido nada habitual. Sin embargo ellos fueron capaces de adaptarse continuamente gracias al descomunal talento que siempre mostraron la gran cantidad de miembros que fueron pasando por sus filas a lo largo de su carrera. Cierto es que ha habido distintos “Drifters” a lo largo del tiempo y que poco más o menos que terminó convirtiéndose en una especie de franquicia, pero la historia de la música estará siempre agradecida a su legado.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Iniciamos el habitual viaje semanal a través del tiempo para disfrutar de la música de distintas épocas utilizando como hilo conductor las novedades que fueron presentando las listas graminoleñas en cada momento. Para abrir boca nos situamos en el día 29 de julio de 1968 y recordar una canción que obtuvo un tremendo éxito y que ese día se situaba en lo más alto de nuestro ránking.

Tras 9 semanas en el número 1, Tom Jones y su “I’m Coming Home” cedían el relevo a otro artista británico que por aquel entonces había recuperado el éxito tras iniciar una nueva etapa, gracias a su participación en el festival de Eurovisión. Estoy hablando de Cliff Richard.

La canción con la que se situaba en el número 1 de nuestra lista no es otra que “Congratulations”, una canción que se convertiría en un auténtico bálsamo para el cantante inglés. No atravesaba su mejor momento ni profesional ni personalmente hablando ya que acababa de separarse del grupo que le había acompañado durante tanto tiempo en su carrera, los maravillosos “The Shadows”, por lo que este éxito supondría un auténtico punto de inflexión en su carrera. Solamente ocuparía el número 1 de la lista una semana pero como suele decirse “que le quiten lo bailao”.

Esta es la única novedad que presentaba la lista graminoleña de aquel día. Brillante novedad, diría yo.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Nos situamos a continuación en la década de los 70 y más concretamente en el 29 de julio de 1978, momento en el que se estrenaba la correspondiente lista graminoleña en la que se producían dos nuevas entradas protagonizadas por artistas españoles y por unas canciones que lograron un éxito más que rotundo. Eso sí, los estilos son totalmente distintos. Música para todos los gustos.

La primera novedad nos la trae uno de los artistas más grandes que ha dado la música de nuestro país y que vivía un momento de auténtico dulce en aquella época. Estoy hablando de Camilo Sesto que gracias a su descomunal voz había calado profundamente en el público español y latinoamericano.

Acababa de publicar un nuevo álbum bajo el título de “Sentimientos” que iba a convertirse en el disco más vendido de toda su carrera y en el que se incluían algunos de sus temás más emblemáticos, entre los que se encuentra el que colocaba en la lista aquel día.

Estoy hablando de “Vivir Así Es Morir de Amor”, una canción con unos arreglos espectaculares en la que hace gala de la tremenda potencia de sus cuerdas vocales. Con ella volvió a conquistar al público español y entrar en nuestra lista donde permanecería durante 41 semanas para alcanzar el top 4. Por cierto, en este álbum uno de los acompañantes que le haría los coros sería Sergio Fachelli, quien poco después iniciaría una carrera en solitario con la que obtendría cierto éxito.

Cambiamos radicalmente de estilo con la segunda entrada que presentaba la lista que estamos analizando y nos sumergimos en las aguas de la música disco, que si bien estaba dando sus últimos coletazos todavía tenía bastante aceptación y seguían apareciendo canciones que a fuerza de hacernos disfrutar bailando cosechaban unos resultados excepcionales.

Si bien su protagonista nació en España desarrolló su carrera principalmente en Alemania y Francia. Luisa Fernández se adueñaría de las pistas de baile en el año 1978 con una canción superdiscotequera titulada “Lay Love On You” de la que se publicaría también una versión en español titulada “Loca Por Ti”. Con un sonido potente desde el principio sería número uno en toda Europa y aunque su carrera continuaría durante algunos años más, ya no volvería a lograr un éxito de similares características.

Podríamos considerar a Luisa Fernández como una de esas artistas denominadas “one hit wonder”, es decir, artistas de un único éxito, pero lo cierto es que esta canción sonó y sonó en las discotecas y en las emisoras de radio una y otra vez. En nuestra lista permanecería durante 38 semanas y alcanzaría el top 5.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Viene esta semana a nuestro póster central un disco que muchos considerarán que no tiene entidad suficiente como para ocupar lugar tan privilegiado en nuestra revista musical favorita, pero lo cierto es que al margen de su contenido, en él hay de todo, grandes canciones y alguna que otra de relleno, tiene la suficiente importancia dentro del contexto de la música española de la época y está protagonizado por alguno de los artistas más determinantes de lo que se denominó en su momento “La Movida”, por lo que creo que merece la pena recordarlo y disfrutarlo.

Por todo lo expuesto, viajamos hasta el año 1983 para desgranar canción a canción el álbum de debut de Alaska y Dinarama, aquel punto de inflexión en la carrera de Berlanga, Canut y Gara que podría considerarse el principio de una nueva etapa de la música española. Así pues procedamos a disfrutar de la música que se incluye en “Canciones Profanas”.

DINARAMA + ALASKA / CANCIONES PROFANAS

Tras finalizar su recorrido con Alaska y los Pegamoides, sus miembros deciden tomar caminos distintos, aunque finalmente serían únicamente dos los nuevos proyectos. Por un lado Ana Curra y Eduardo Benavente formaban su propio grupo denominado Parálisis Permanente, mientras que Nacho Canut y Carlos Berlanga daban cuerpo a una nueva banda que tomaría el nombre de Dinarama. En un primer momento el único cabo suelto era la propia Alaska que decidió tomarse un respiro antes de embarcarse en nuevos proyectos ya que no acababa de sentirse cómoda a la hora de comenzar una carrera en solitario, acostumbrada a estar siempre arropada por un grupo.

Canut y Berlanga habían formado definitivamente su nueva banda pero querían contar con una voz femenina que realizase labores de apoyo y, como no podía ser de otra forma, la elegida era su querida amiga Alaska, aunque ésta no acababa de decidirse ya que veía en ese nuevo grupo muchas, quizás demasiadas, similitudes con lo acontecido en Pegamoides. Tras pensárselo mucho finalmente decidiría echarle una mano a sus amigos y lo que en un primer momento iba a ser una simple colaboración se transformaría en la irrupción de un nuevo grupo que protagonizaría grandes momentos dentro del pop español.

La grabación del álbum no fue un camino de rosas y muchas fueron las dudas que hubo durante la misma, pero lo cierto es que todo salió finalmente mejor de lo que podía esperarse. Cierto es que hubo ciertas equivocaciones y un exceso de dejarse llevar por los deseos de su sello discográfico lo que originaría el enojo de Berlanga que tuvo que mantenerse al margen en algunos momentos por tener que realizar el servicio militar obligatorio.

Sin ir más lejos, el primer encontronazo entre grupo y discográfica llegaría con la publicación del primer sencillo. Ellos habían apostado a caballo ganador con un tema que aparecería como tal posteriormente y cosecharía muy buenos resultados, pero los “jefes” mandaban y decidieron que la carta de presentación del álbum debía ser el tema que lo habría, una canción un tanto lúgubre con Alaska mostrando su voz más cavernosa y un sonido bastante discotequero. Estoy hablando de “Crisis”.

Los resultados que obtendría este primer sencillo serían bastante discretos, habida cuenta de que el público no veía otra cosa más que una continuidad más que evidente con el sonido Pegamoides. Podría decirse que con el primer intento habían pinchado en hueso.

Una de las cosas que más llama la atención de este álbum es su estructura. Me explico. Nos encontrábamos en la época dorada del vinilo y de los llamados LPs que contaban con su cara A y su cara B. Lo normal es que en la cara A figuraran la mayoría de los temás más destacados, pero en esta oportunidad sería totalmente al revés ya que todos y cada uno de los sencillos que fueron apareciendo en el mecado, a excepción del primero, y la inmensa mayoría de sus mejores temas figuran en la cara B. Que no piense nadie que se trata de una estrategia clara de márketing o similar, simplemente sucede que, como acabamos de ver con “Crisis”, las opiniones de discográfica y grupo eran antagónicas.

La principal causa de la disolución de Pegamoides fue que tanto Berlanga como Alaska querían evolucionar hacia una música un tanto más seria y que llegara a más público. En una palabra, querían madurar. En líneas generales lo consiguen pero no pueden evitar que siga saliendo algún que otro ramalazo pegamoide lo que origina canciones tan originales como “Cebras” en la que confluyen ambas tendencias.

En un primer momento la contribución de Alaska en este disco debía de ser una mera colaboración y tener un papel ligeramente secundario. De hecho firmarían el disco como Dinarama + Alaska, como dejando claro que una cosa era el grupo en sí y otra la presencia de Olvido en tareas de apoyo. Todo cambiaría radicalmente con la ausencia de Berlanga al tener que realizar el servicio militar obligatorio, lo que provocaría que fuese su amiga la que tomara las riendas y se convirtiera, como era de esperar, en la auténtica líder de la banda hasta el extremo de que a partir de ese momento pasarían a denominarse Alaska y Dinarama.

De todos es sabido el interés que Olvido siempre ha tenido por las ciencias ocultas, la historia y las antiguas civilizaciones, por lo que no es de extrañar que dos de las canciones que se incluyen en el álbum tengan un cierto toque exótico relacionado con esas civilizaciones. La mano alargada de la cantante se deja ver en temas como “Kali”, una composición dedicada a la Diosa hindú del mismo nombre en la que se atreve a cantar en ese idioma con un resultado bastante especial.

La participación de Alaska en este nuevo proyecto no se decidió hasta el último instante ya que ella tenía muchas dudas sobre el recorrido que podía tener. Le recordaba mucho a la desorganización de los tiempos de Kaka de Luxe y ella quería algo más serio y con mayor proyección. Estuvo muy cerca de pasar a fomar parte de PVP un grupo que apuntaba alto pero que se quedaría como tantos otros en el camino. Evidentemente, la decisión de aliarse finalmente con Canut y Berlanga fue todo un acierto.

Con Berlanga fuera de circulación durante algún tiempo, la casa discográfica haría y desaría a su antojo, proporcionando a gran parte de las canciones del disco de unos arreglos discotequeros y bailables que nunca le gustaron y de los que siempre ha renegado. Canciones como “Líneas Rectas” hubiesen mostrado un sonido diferente si Berlanga hubiese estado continuamente al pie del cañón.

Dado que en un primer momento se suponía que este iba a ser el grupo de Carlos Berlanga como auténtico líder, su participación como vocalista principal crece de manera exponencial con respecto a lo que había sucedido con anterioridad. En algunos momentos comparte las labores con Alaska pero no faltan temas en los que realiza esa función en exclusiva, como sucede con el tema que aparece a continuación en el álbum.

Se trata de “Club de Egipicios”, una de las canciones más sencillas de todo el disco y que además prescinde de esos arreglos discotequeros que predominan en el resto. Sin duda alguna es una de las más “berlangianas” del álbum y, curiosamente, una de las más elogiadas por la crítica especializada.

De todos es sabido que para que un nuevo grupo tenga la mínima oportunidad de seguir adelante con garantías al publicar su primer álbum es imprescindible que al menos una de las canciones que lo integren obtenga buenos resultados comercialmente hablando. En caso contrario su futuro se presenta muy poco prometedor.

Como os contaba hace un momento, los resultados obtenidos por “Crisis” como primer sencillo fueron bastante pobres por lo que la elección del segundo single sería tomada por el grupo y apostarían por la canción que ellos hubiesen elegido como presentación de su álbum de debut. Iba a quedar muy claro quien llevaba la razón en este aspecto.

El tema elegido sería “Perlas Ensangrentadas” con el que obtendrían unos grandes resultados de ventas y sería definitivo para que el público se fijara en ellos y en la música que estaban creando en su nueva etapa. Una canción decisiva y definitiva para afianzar el futuro del grupo y su salto poco tiempo después al estrellato.

En esta ocasión, las labores vocales se repartirían a partes iguales entre Berlanga y Alaska sorprendiendo y agradando al público acostumbrado a que fuera ella la que llevase la voz cantante, nunca mejor dicho.

Pero el momento culminante de este álbum llega a continuación con la canción que dispararía su popularidad y con la que lograrían enganchar definitivamente al público español. Apareció en el mercado como cuarto y último sencillo casi por casualidad pero sería definitivo para que el grupo arrancara definitivamente.

Con esta canción, además, rendían un pequeño homenaje al glam-rock en el que tanto se habían inspirado, sobre todo Alaska, tanto en lo que se refiere a sonido como a imagen. Nos encontramos ante uno de los temas históricos del pop español que todos nos sabemos de memoria, el inconfundible “Rey del Glam”.

Durante aquella época era bastante habitual que entre los artistas de “La Movida” hubiese rivalidades no demasiado sanas en algunos casos, vamos que algunos no se podían ni ver entre ellos. Sin embargo, también eran constante las colaboraciones entre los pesos pesados de distintos grupos que mantenían relaciones más que cordiales. Esto es lo que sucedería con esta canción que contaría como apoyo con los coros de dos personajes fundamentales dentro de este movimiento musical, Loquillo y Jaime Urrutia.

La situación del grupo cambió a partir de este momento ya que la aceptación que obtendrían por parte del público iría creciendo claramente y las críticas serían bastante favorables. Además, Alaska había terminado por darse cuenta de que lo que en un principio era una colaboración puntual se estaba transformando poco a poco en su nuevo grupo.

Esa mejora que ella buscaba en cuanto a seriedad y nuevo sonido había terminado por aparecer y se permitían introducir incluso acompañamientos de la sección de metales en algunas de sus canciones como sucede con “Egeo” una animosa composición en la que Alaska parece disfrutar como nunca.

La mano de Olvido se nota de principio a fin en el disco pero sobre todo en algunas de las canciones que aparecen impregnadas de ese ambiente gótico y oscuro amante de las truculentas historias de civilizaciones antiguas y enigmáticas. Ya vimos como estos parámetros aparecían en “Kali”, pero si hay un tema en el que reincide y crece su influencia es en el que aparece a continuación.

Inspirándose de nuevo en una deidad de civilizaciones antiguas, concretamente de una denominada Baal, perteneciente a la cultura babilonia, compusieron una oscura, trágica y rítmica historia titulada “Sacerdotisas de Baal” que se encuentra entre las mejores canciones del disco.

Escuchando el disco en su totalidad y visto desde una perspectiva global da la impresión de que nos encontramos ante un disco con poca uniformidad y en la que cada uno de sus tres cabezas visibles, Berlanga, Canut y Gara, aportan sus ideas casi cada uno por su lado, pero esta impresión es errónea ya que llega como producto del empeño por su sello discográfico de que fuesen una especie de continuación de Pegamoides.

Con todos estos condicionantes, a los que hay que añadir que Berlanga no pudo luchar por evitar ciertos arreglos como ya os he ido comentando, no es de extrañar que alguna de las composiciones que forman parte de este “Deseo Carnal” terminen llevando la etiqueta de relleno como sucede con “Nativos”, una canción que redunda en el sonido glam-rock, con más potencia si cabe, que desmerece un tanto con respecto al resto de las canciones.

El cierre del disco llega con una de las canciones de más calidad del mismo y que es una especie de continuación disparatada y contrapuesta al que había sido el mayor éxito de la carrera de Alaska y los Pegamoides como fue “Bailando”. De bailar va el tema y de música bailable también. Me explico porque puede resultar un poco lioso.

Con un ritmo por momentos cercano al funk y con Berlanga cantando en solitario acompañado de un ritmo trepidante, en esta ocasión no hacen una loa a lo maravilloso que es bailar sino todo lo contrario. Se trata de una canción que en un principio pasaría desapercibida pero que poco a poco iría adquiriendo popularidad y éxito a base de contarnos la batalla desde el otro lado, desde el que consideran anticuado el bailar. Estoy refiriéndose a “Deja de Bailar” un acertadísimo cierre para el álbum.

Lo que comenzó como un grupo hecho a medida de Carlos Berlanga que intentaba progresar musicalmente hablando apartándose de todo lo hecho en Pegamoides, terminó transformándose en el nuevo proyecto de Alaska, demostrando que su carisma y personalidad estaban muy por encima del de sus compañeros de viaje.

Lo que está claro es que “Canciones Profanas” podría considerarse como una especie de eslabón perdido entre lo que fue “La Movida” y el buen pop español que nos regaló la segunda parte de la década de los 80. Un trabajo que posiblemente no sea excepcional pero que enseñó el camino a seguir de muchos otros artistas y, sobre todo, que fue el principio de uno de los grupos más destacados de nuestra música como son Alaska y Dinarama.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Es hora de continuar con el recorrido graminoleño de nuestras listas y para ello nos situamos en la que se estrenaba el 31 de julio de 1988 y comprobar que ese día no se produjo ninguna nueva entrada por lo que aprovecharé, como suelo hacer en estos casos, para poneros algún tema de aquellas fechas que no llegó a entrar en nuestro ránking favorito.

La década de los 80 empezaba a acercarse a su fin y los cambios que iba a presentar la de los 90 empezaban a asomar. De esta manera, los grupos vinculados a la new wave y al tecno-pop podía decirse que estaban dando sus últimos coletazos aunque todavía seguían apareciendo en el mercado canciones de este tipo que calaban de inmediato en el público. La que os ofrezco a continuación es una de ellas.

La banda británica When in Rome publicaba por aquellas fechas su primer álbum, y aunque entre las canciones que lo integraban había ciertos toques más adaptados a lo que se avecinaba, el ramalazo ochentero era más que evidente. De hecho el primer sencillo que saldría al mercado y el único que tendría cierto éxito irradiaba sonido de sintetizadores por los cuatro costados.

Se trata de “The Promise”, el único gran éxito que cosecharían en su carrera y que arrasaría sobre todo en Estados Unidos. Música con genuino sabor a los 80.

De algún modo el problema de When in Rome fue que debutaron demasiado tarde. El tecno fue perdiendo fuelle y con la llegada de los 90 casi pasó al olvido. Es muy probable que si hubiesen aparecido a principios de los 80 su éxito habría sido mayor, pero a pesar de que lo siguieron intentando ofreciendo un estilo distinto podría decirse que el arroz se les había pasado.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Avanzamos en el tiempo los diez años habituales en nuestro repaso semanal y nos situamos en el 2 de agosto de 1998 con la lista que se estrenaba ese día y que presentaba como principales novedades la entrada de dos nuevas canciones protagonizadas ambas por grupos de talla internacional, sobre todo el primero, una de las bandas más míticas de la historia de la música. Vamos con ellas.

El mítico grupo al que me refiero no es otro que The Rolling Stones que se encontraban en ese momento en plena gira de presentación del último álbum que habían publicado titulado “Bridges to Babylon”. Esa gira era de vital importancia porque según habían dicho ellos mismos era la última vez que iban a viajar por el mundo ofreciendo su música. Este comentario tenéis que leerlo e interpretarlo con tono irónico ya que ésta era la quinta vez que afirmaban que dejaban de ofrecer giras y 20 años después siguen haciéndolo. Cuando digo siguen haciéndolo me refiero tanto al hecho en sí de salir de gira como el de afirmar que es la última vez. No haré más comentarios.

El tema que colocaban en la lista aquel día era el tercer y último sencillo del álbum y llevaba el título de “Out of Control”, una canción con un incio calmado que rompe en el momento de entonar el estribillo y que sin ser una mala canción seguramente que no está entre las 100 mejores de su carrera. En nuestra lista permanecería durante 25 semanas para alcanzar el top 15.

Volviendo al tema de las giras, hace tiempo que pienso que la publicación de cada nuevo disco de los Rolling tiene como único objetivo precisamente el de que sea la excusa perfecta para volver a subirse a un escenario, porque realmente hace ya mucho tiempo que no ofrecen discos redondos como los de antaño. Eso sí, entonaré el mea culpa para reconoceros que yo también he picado alguna vez con lo de ser la última gira que realizan y me he gastado una pasta gansa en acudir a sus conciertos. Débil que es uno. Eso sí, no me arrepiento lo más mínimo.

La segunda entrada de aquella semana llega de la mano de un grupo que por aquel entonces triunfaba en toda Europa aunque no ha tenido ni mucho menos la trascendencia de Jagger y los suyos. Venían desde Suecia y se hacían llamar Ace of Base.

Desde la separación de ABBA en Suecia llevan mucho tiempo buscando a sus sucesores sin demasiado éxito (al margen de Roxette, claro está) y cuando aparecieron Ace of Base en el año 1993 con la publicación de su primer álbum titulado “Happy Nation” muchos pensaron que la búsqueda había finalizado con éxito. Tenían ciertas similitudes, dos chicos y dos chicas, ellas eran las que llevaban el peso a la hora de cantar y ellos a la hora de componer y su música era apta para todos los públicos. Lo cierto es que si bien arrasaron en un primer instante poco a poco fueron perdiendo fuelle dejando bien a las claras que ABBA sólo hay uno.

En el año 1998 publicaban un nuevo álbum bajo el título de “Flowers” con un sonido bastante paracido al de “Happy Nation” y si bien sus resultados fueron más que buenos no llegaron a los logrados con el disco con el que se dieron a conocer. Aún así en Europa seguían teniendo bastante tirón y sus ventas fueron más que aceptables.

La canción que colocaban en nuestra lista aquel 2 de agosto de 1998 era el sencillo de presentación del álbum, un tema titulado “Life Is a Flower” que mostraba el habitual sonido pop y bailable que tan buenos resultados les reportaba. En nuestra lista nos visitarían durante 37 semanas para alcanzar como mejor registro el puesto número 5.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Finalizamos el repaso a nuestras listas por esta semana y lo hacemos con la correspondiente al nuevo milenio que tiene un absoluto protagonismo femenino con dos mujeres europeas que lograron en el año 2008 triunfar a lo grande y que colocaban en nuestra lista dos de sus canciones el 27 de julio de ese año. Eso sí, sus estilos son bastante distintos.

La primera de estas dos entradas nos llegas desde Bélgica, país donde nació una cantante que se ha especializado principalmente durante su carrera en realizar versiones de clásicos de la música francesa a un ritmo dance más que evidente logrando bastante buenos resultados. Estoy hablando de Kate Ryan.

En esta oportunidad el tema elegido para ser versionado data del año 1987 y es obra de la cantante francesa France Gall que lograba un considerable éxito con una canción titulada “Ella, Elle L’a” aunque con un ritmo y un sonido un tanto más tranquilo y reposado que el que muestra Kate Ryan en su versión. De cualqiera de las maneras ambas versiones tienen su atractivo, hasta el punto de que la belga permanecería con la suya en nuestra lista durante 41 semanas rozando el número 1, teniendo que conformarse con el segundo puesto como mejor registro.

Por cierto, a pesar de su aire aparentemente desenfadado, esta canción tiene su historia. Está dedicada a la grandísima Ella Fitzgerald y además es una especie de himno de protesta contra el racismo y la intolerancia.

La segunda entrada de aquella semana está protagonizada también por una mujer aunque en esta ocasión de nacionalidad británica. Se trata de una de las mejores voces femeninas que presenta el panorama musical internacional del momento y que en aquel instante fue capaz de conquistar al público de todo el mundo con su impresionante capacidad vocal a pesar de contar con tan sólo 19 años de edad. Me estoy refiriendo a Adele.

Su tremenda juventud no fue ningún impedimento para que el el año 2008 iniciara su carrera musical con la publicación de un álbum titulado “19”, haciendo un guiño a su edad, recurso que ha seguido utilizando con sus siguientes discos que han ido recibiendo el título númerico de la edad con la que contaba en el momento de publicarlos.

Adele logró captar la atención de productores y discográficas gracias a “MySpace” plataforma donde solía subir sus composiciones aunque sin ninguna aspiración para iniciar una carrera discográfica. Lo cierto es que su calidad vocal y su sensibilidad a la hora de interpretar así como la calidad de sus composiciones no podían pasar desapercibidas y terminarían por encumbrarla hasta convertirse en la estrella que es hoy en día.

La canción que situaba en nuestra lista aquel 27 de julio de 2008 llevaba el título de “Chasing Pavements”, un baladón de los de rompe y rasga inspirado en la ruptura sentimental que acababa de sufrir con su novio al descubrir que la engañaba.

Éste sería su debut también en nuestra lista en la que permanecería durante 5 semanas para alcanzar el top 33. Unos resultados discretos para abrir boca pero que de alguna manera anunciarían que lo mejor estaba por venir. Por cierto, hubo cierta polémica con su letra porque con la manía de interpretar gratuitamente lo que cada canción quiere decír algunos vieron ciertos mensajes homófobos en ella. La gente le da demasiadas vueltas a las cosas.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

El calor sigue apretando y la música veraniega lo inunda todo, por lo que nosotros vamos a continuar hoy en la sección más divertida de “La Graminola” recordando esas canciones que lograron llenar de música la época estival de hace unos cuantos años. Vamos pues a disfrutar de tres nuevas “canciones del verano”.

 

MANHATTAN TRANSFER / CUÉNTAME (SPEAK UP MAMBO)

Hemos podido comprobar en las últimas semanas que ha habido artistas y grupos que se especializaron precisamente en este tipo de música. Año tras año por estas fechas lograban triunfar con canciones eminentemente veraniegas de tal modo que eran reconocidos única y exclusivamente por esta circunstancia. Sin embargo, de vez en cuando surgían curiosas excepciones como la que nos ocupa a continuación.

Además, es curioso comprobar como en algunas ocasiones un grupo o artista consagrado y bien considerado termina siendo recordado por una canción que se sale totalmente de su estilo y que además es de una sencillez aplastante. Esto es lo que les pasaría a Manhattan Transfer en el año 1977.

El cuarteto norteamericano tenía ya un amplio recorrido y estaba considerado como uno de los mejores grupos vocalistas de jazz del mundo. Sus discos eran sinónimo de calidad y su música elogiada por público y crítica sin excepción. Sin embargo, en su álbum “Coming Out” se incluía una canción con un grandísimo ritmo, desenfadada, veraniega y fresca hasta decir basta, con una letra casi incomprensible cantada, eso sí, en español. “Cuéntame (Speak Up Mambo)” se convirtió en un éxito total a nivel mundial y está considerada por mucha gente como su canción más representativa. Aquí en España triunfaría a lo grande convirtiéndose en la auténtica canción del verano del año 1977.

Por cierto, esta canción no es realmente suya sino que se trata de una versión de un tema de Juan Fornell y Los Van Van titulada “Cuéntame que te Pasó”. En este caso la copia supera con creces al original y además obtuvo muchísimo mayor éxito.

 

VILLAGE PEOPLE / IN THE NAVY

Dos años más tarde un grupo que había adquirido una tremenda popularidad tanto por su música como por su imagen iba a ser el gran protagonista de la música veraniega de 1979. Una banda de la que ya hemos hablando en distintas ocasiones, y lo seguiremos haciendo en el futuro, que a base de música desenfadada y para bailar logró triunfar a lo grande durante algunos años. Estoy hablando de los inconfundibles Village People.

No se habían apagado todavía los ecos del tremendo éxito que supuso para ellos el famoso “YMCA”, cuando salió al mercado un nuevo single que repetiría en el número uno de las listas y que, nuevamente se convertiría en un bombazo a nivel mundial, rodeado también de una gran polémica en Estados Unidos, desconocida en el resto del mundo. Estoy hablando, por supuesto, de “In The Navy”, indiscutible canción del verano de 1979.

De nuevo los debates gratuitos y la mojigatería de algunos originaría una polémica que salpicaría a este grupo aunque como suele suceder en estos casos su efecto sería el contrarío y no haría sino que mejorar sus ventas. La Marina estadounidense, viendo el tirón que tenía el grupo y la buena pinta que tenía la canción, les propuso  que fuera utilizada en una campaña de reclutamiento, a cambio de lo cual les cedía sus instalaciones para rodar el correspondiente videoclip. El acuerdo fue inmediato y ese vídeo se grabaría en dichas instalaciones, pero no tardaron en levantarse muchas voces en señal de protesta por que se utilizaran medios públicos para financiar a un grupo musical. La polémica fue tan grande que de inmediato se suspendería esa colaboración. Eso sí, “In The Navy” triunfaría a lo grande a pesar de todo.

 

GOOMBAY DANCE BAND / SUN OF JAMAICA

El apogeo de la “canción del verano” en su estado más puro iba perdiendo fuelle ya que la oferta era tan grande que podría decirse que durante todo el año se iban publicando canciones que podían encajar en este calificativo. Aún así seguían apareciendo temas que por su ritmo y por lo que contaban terminaban adquiriendo ese honorífico título, como sucede con el tema que cierra nuestro apartado veraniego de esta semana.

Goombay Dance Band fue un grupo creado a imagen y semejanza de Boney M que durante tres o cuatro años gozó de la aceptación del público y logró triunfar con unas cuantas canciones de ambiente veraniego total. Su ritmo caribeño era más que notable a pesar de que su procedencia era alemana y en cada época estival se adueñaban de algún modo del protagonismo musical de ese momento.

Su primer gran éxito llegaría en el año 1980 con una canción titulada “Sun of Jamaica” que pese a haber sido publicada en pleno invierno se convirtió en una de las triunfadoras del verano de ese año, además de uno de los clásicos entre los clásicos de la “canción del verano” de todos los tiempos. Con ella cerramos la sección más caliente de “La Graminola” en el día de hoy.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Cerramos ya el número graminoleño de hoy como siempre con las tres últimas canciones que nos traen como cada semana una efeméride, un clásico del pop español y una novedad. Esto se termina pero a lo grande.

 

EFEMÉRIDE

 

Para muchos, entre los que yo me encuentro, son una de las bandas más grandes de la historia del rock. La efeméride de hoy la protagonizan los fantásticos The Eagles que tal día como hoy del año 1975 lograban el primer número uno de su carrera.

 

La efeméride del día de hoy nos remonta al 2 de agosto de 1975, momento en el que un grupo que llegó a estar considerado como la mejor banda del momento lograba colocar por primera vez uno de sus discos en el número 1 de las listas de éxitos norteamericanas. Uno de los grupos históricos de la música de los 70 que nos fue dejando un sinfín de maravillosas canciones. Ellos son The Eagles.

Con sus tres primeros discos habían logrado buenos resultados pero todavía les quedaba el espaldarazo definitivo que les llegaría con su cuarto álbum que aparecería en el mercado en el año 1975. Llevaba el título de “One of this Nights” y con él darían el primer gran paso hacia el estrellato que confirmarían un años después con la publicación de “Hotel California”.

El disco seguía mostrando ese sonido con regusto a country pero dándole su toque personal y, sobre todo, especializándose en temas más tranquilos que de inmediato conquistaban al público. El ejemplo más claro sería la canción que daba título al álbum y que presenta un sonido espectacular y unos coros maravillosos.

Está claro que la calidad de la música de The Eagles es indiscutible, algo que no debe de extrañarnos cuando contaban en sus filas con dos artistas de tanto talento como Glenn Frey y Don Henley. La pena es que sus egos les jugarían una mala pasada y la rivalidad entre ambos llevaría a la disolución de la banda.

 

LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA

 

Procedían de Murcia y fueron uno de los innumerables grupos españoles que durante la época de “La Movida” surgieron, crecieron y desaparecieron a una velocidad de vértigo. Se hacían llamar Farmacia de Guardia y únicamente se les recuerda por una canción que hoy disfrutamos en “La Graminola”. Pop sencillo sin mayores pretensiones.

 

 

Son muchos los casos en los que un grupo consiguió abrirse camino gracias a triunfar en muchos de los festivales que existían en la geografía española durante los años 80, lo que les permitía dar a conocer debidamente su música e incluso poder publicar un álbum. Que su continuidad estuviera garantizada o no dependía de muchas circunstancias y no son pocos los que no la alcanzaron. Los chicos que vienen a continuación son un claro ejemplo.

Farmacia de Guardia llegaron desde Murcia y se dieron a conocer gracias a ganar en el año 1982 la primera edición del concurso “Murcia Joven” que les daría la oportunidad de grabar un primer sencillo con el que alcanzarían cierta popularidad en el panorama pop murciano.

Tras un comienzo prometedor no lograron despegar del todo y tardarían tres años en conseguir que se publicara su primer álbum bajo el título de “Servicio de Urgencia” repleto de canciones con un sonido pop muy sencillo y un par de canciones que tendrían cierta repercusión, sobre todo la que os ofrezco a continuación.

Se trata de “Ella es Demoledora”, el único tema con el que triunfaron de verdad y que sonó bastante en las radios de nuestro país en el año 1987. Después de esto pasarían al olvido.

 

NOVEDAD

 

Ella lo llena todo y eclipsa al resto de la banda. Es lo que tiene poseer tanto talento. Florence Welch, o lo que es lo mismo, Florence + The Machine tienen nuevo álbum en el mercado y como sucede con cada uno de sus discos vienen a demostrar que el mundo de la música no está acabado.

 

La novedad de esta semana nos la trae una banda británica que no deja indiferente a nadie. Uno de esos grupos que con cada nuevo trabajo nos vuelve a sorprender con su capacidad para hacer un tipo de música totalmente distinta a la que hacen los demás. Un grupo muy especial que incluso estaría mal denominado como “grupo” ya que la personalidad y talento de su vocalista y líder indiscutible termina por eclipsar a todos los que la rodean. Estoy hablando de Florence + The Machine.

Y es que hablar de esta banda es hablar de Florence Welch, la verdadera artífice del éxito de este grupo que se ha convertido en poco menos que una de esos grupos que hagan lo que hagan consigue unas críticas espectaculares y el favor del público. He de reconoceros que cuando surgieron allá por el año 2007 y los escuché por primera vez quedé atrapado por su sonido ya que no se parecía lo más mínimo a nada de lo que se escuchaba por ahí.

Acaban de publicar su nuevo disco bajo el título de “High as Hope” y en él le dan una vuelta de tuerca más a su especial manera de concebir la música. Un álbum con un sonido más oscuro, casi tétrico y unas letras más personales, íntimas y minimalistas que hablan de la familia, la pena y la soledad, terreno en el que Florence Welch se desenvuelve a la perfección.

Estamos pues ante uno de esos discos ideales para escuchar tranquilamente en casa una tarde de invierno dejándose llevar por su envolvente sonido. Como muestra vaya el botón de “Big God”, una de las canciones más destacadas del álbum, en el que se puede apreciar el contraste del sonido turbio y pesado que muestra esta canción con el colorido que presenta la coreografía que acompaña a su correspondiente videoclip. Una vez más geniales Florence + The Machine.

Aquí lo dejamos por hoy. Ya sabéis que en estas semanas del mes de agosto la publicación de “La Graminola” puede sufrir algún tipo de retraso pero no faltará a su cita.

Os espero en siete días (más o menos).

JUAN JOSÉ GOMARIZ

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LA GRAMINOLA – NÚMERO 35 – 26 DE JULIO DE 2018


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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

La lista de actualidad de esta semana presenta dos nuevas entradas con una calidad un poco por encima de lo habitual. Por un lado David Guetta nos ofrece uno de sus temas con una de sus colaboradoras de cabecera como es Sia. Por otro lado Dani Martín está de aniversario y nos trae una canción compuesta para la ocasión. Comparado con otras semanas está más que bien.

 

 

Fuen una estrella capaz de acercarse a la luz que irradiaba el mismísimo Elvis, pero poco a poco se fue apagando hasta desaparecer tragicamente como tantos y tantos otros. Ricky Nelson fue el gran pionero del rockabilly en su estado más puro y una de las figuras más destacadas de los 50 y los 60. Lo tenía todo, para haber sido el más grande y sus problemas personales le llevaron a convertirse en un simple recuerdo. Bendito recuerdo.

 

 

La lista de los 60 de esta semana está protagonizada por tres grupos, dos nacionales y uno internacional. Los de por aquí son Los Ángeles y Los Brincos, pero su protagonismo queda un tanto eclipsado por la descomunal balada que nos trae una de las mejores bandas de la historia de la música como fueron The Moody Blues. Mucho romanticismo y, sobre todo, muchísima calidad.

 

 

La lista de los 70 nos trae a un trío español que primero nos puso a bailar a ritmo de música de guateque y que después nos regaló una espléndida versión de un clásico de Simon & Garfunkel. Se hacían llamar Laredo y poco más o menos que hasta ahí llego su historia. Por cierto la portada de este disco es total, tanto por el blanco impoluto de su ropa como por su pose …

 

 

Para poder aparecer en el póster central de “La Graminola” es requisito imprescindible o bien ser una gran banda o bien ser un grandísimo disco. En el caso de hoy se cumplen ambos requisitos ya que nos encontramos ante una de las mayores bandas que uno pueda encontrarse, Dire Straits, y un disco descomunal, “Brothers in Arms“. ¿Qué más se puede pedir?

 

 

Hasta cuatro son las canciones que nos van a recordar aquellos mágicos tiempos de la década de los 80 y todas ellas están protagonizadas por bandas españolas. Gabinete Caligari, Punta Galea, 091 y Los Rebeldes nos demuestran el gran momento que atravesaba el pop español con música para todos los gustos.

 

 

 

El año 1998 fue año de Mundial de Fútbol, como éste, y la selección francesa acabó llevándose el gato al agua, como ha sucedido hace apenas quince días. Curiosamente el tema central del campeonato de 1998 se aupaba al número uno en la semana noventera de la que nos ocupamos y protagoniza la música de esa decada en el número de hoy. Junto a Ricky Martin nos visitan The Corrs.

 

 

La lista del nuevo milenio nos trae dos nuevas entradas, entre las que destaca la que protagonizan Radiohead con una canción con una interesante historia detrás.

 

 

 

Seguimos el recorrido que estamos realizado a través de “la canción del verano” y hoy nos llegan otros tres ejemplos de música playera y festiva por los cuatro costados. Las señoritas que aparecen aquí al lado son las protagonistas de uno de los temas veraniegos de esta semana. Llegaron desde Holanda y se hacían llamar Luv.

 

 

Contraportada de lujo con tres grandes canciones para despedir el número de hoy. Música para recordar y música de actualidad cierran como siempre “La Graminola”.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Dos son las entradas que refleja la lista graminoleña que estrenábamos el pasado 22 de julio y de algún modo sube el nivel con respecto a semanas precedentes. Uno de los reyes de la música electrónica acompañado de una artista con la que se compenetra a la perfección y uno de nuestros músicos de mayor éxito nos ofrecen sus últimos temas como consecuencia de integrarlos dentro de la colección de “La Graminola”. Disfrutemos de ambas.

Da la impresión de que David Guetta se nos está empezando a hacer un poco mayor. Hace unos días nos hacíamos eco de alguna colaboración de esas extrañas con tintes latinos y hoy sitúa en nuestra lista de actualidad su último éxito con un sonido bastante más tranquilo de lo habitual. No vamos a hablar de una balada pero lo cierto es que su aire es menos discotequero que nunca. Eso sí, la vocalista elegida para la ocasión es la perfecta.

No es la primera vez que Guetta cuenta con Sia como colaboradora para alguna de sus canciones y los resultados han sido siempre excepcionales. En esta ocasión podríamos decir que se supera una vez más, gracias a que al encontrarnos con una canción menos trepidante de lo habitual la cantante puede lucir todo ese torrente de voz que tiene y ofrecer un tema original y una calidad excepcional. Nos invitará menos a bailar pero nos acariciará mucho más nuestros oídos.

Se trata de “Flames”, una canción con la estructura habitual del DJ pero con un tono más tranquilo y pausado que más que sonar a música electrónica nos retrotrae a sonidos identificables de los 90. Una genialidad más que demuestra que la mezcla David Guetta-Sia siempre ofrece grandes momentos.

La segunda entrada de la semana nos llega desde nuestro país y nos la trae una artista que esta inmerso en estos momentos en una gira conmemorativa de los dieciocho años que lleva en el mundo de la música. Estamos de aniversario y estamos de enhorabuena con una canción emotiva que ha devuelto a Dani Martín a nuestra lista que hacía tiempo no visitaba.

Tenía dieciocho años cuando se inició en el mundo de la música y hace dieciocho años de ese acontecimiento, por lo que el título de su canción conmemorativa era muy fácil: “Dieciocho”. En ella da un repaso a todas sus vivencias desde que se dedica a este mundillo, desde sus grandes momentos con “El Canto del Loco”, los sinsabores de su disolución, la incertidumbre del inicio de su carrera en solitario y el agradecimiento a todos los que le siguen incondicionalmente.  Una buena canción que veremos cuál es su recorrido.

Mucho se ha hablado sobre las razones de la disolución de El Canto del Loco justo en el instante en el que se encontraban en el mejor momento de toda su carrera. A las habituales del cansancio, nuevos retos, distintas ambiciones y similares hay que añadir un episodio que no se conocía hasta la fecha como es el que su representante se quedó con más de 200.000 euros de las recaudaciones de su última gira y la cosa terminaría en los tribunales. Las grietas que abriría este asunto sería definitivas para el futuro de la banda.

 

LOS PIONEROS

La sección de “Los Pioneros” del día de hoy nos trae a un artista que en sus mejores tiempos fue capaz de hacerle sombra al mismísimo Elvis y que terminaría como tantos otros de manera trágica. Un gran abanderado del rock y uno de los que podrían considerarse como “padres fundadores” del rockabilly. Estoy hablando del señor Ricky Nelson.

Como hemos visto en tantas otras ocasiones, el éxito le llegaría de manera inesperada y de la forma más tonta, pero una vez que se subió a la cresta de la ola ya no hubo manera de pararlo hasta que poco a poco su vida se fue complicando, entre otras cosas, por no asimilar debidamente el éxito. Una historia escrita muchas veces, demasiadas veces. Disfrutemos pues de tres de sus grandes canciones y de música pionera por los cuatro costados.

 

I’M WALKING

Desde muy niño Ricky Nelson vivió la música de manera intensa ya que su padre Ozzie Nelson era el líder de una gran orquesta y su madre Harriet la vocalista de la misma. Así que no es de extrañar que desde el primer momento viera el mundo de la música como su auténtica motivación en la vida.

La popularidad de la familia Nelson fue creciendo de manera considerable hasta el punto de que protagonizarían un programa radiofónico que tendría su réplica en televisión, titulado “Las Aventuras de Ozzie & Harriet”, en el que Ricky y sus hermanos participaban activamente. Ni que decir tiene que Ricky era el que más talento mostraba y el que más llamaría la atención.

En el año 1957, cuando Ricky contaba apenas 18 años de edad, ofreció en el programa una versión de un tema de Fats Domino titulado “I’m Walking”. Su interpretación llamaría poderosamente la atención del sello discográfico con el que publicaba el cantante y pianista y de manera inmediata le ofrecieron un contrato que Ricky aceptó sin dudar. Su versión de “I’m Walking” sería publicada como sencillo y lograría un tremendo éxito. La carrera de Nelson acababa de iniciarse casi por casualidad.

 

YOU ARE THE ONLY ONE

La popularidad de Nelson había ido creciendo como la espuma durante sus apariciones en el programa que protagonizaba junto a su familia. Él era el encargado de cerrar cada episodio con la interpretación de alguna canción y con ello había logrado convertirse en cantante profesional. Además, lo mejor estaba por venir.

A partir de la publicación de su primer sencillo, su figura fue creciendo de manera paulatina hasta terminar convirtiéndose en el artista que más discos vendía en los Estados Unidos únicamente superado por el gran Elvis Presley, al que llegó a tratar de tú a tú, aunque el terreno en el que Nelson se movía fuese ligeramente distinto ya que su tendencia más habitual era el rockabilly en lugar del rock & roll más purista que protagonziba Elvis.

Lo cierto es que la voz de Ricky Nelson se mostraba casi siempre dulce, melosa y atrayente, motivo por el cual no es de extrañar que cuando se movía en el terreno de las baladas obtuviera resultados excepcionales. Uno de los ejemplos más claros nos llega de la mano de otro de sus grandes clásicos, “You Are the Only One” una balada romántica por los cuatro costados con la que logró trambién un rotundo éxito allá por el año 1960.

 

HELLO MARY LOU

Pero si hay un clásico entre los clásicos en la figura de Ricky Nelson ése es la versión que haría de un tema escrito por otro de los grandes como fue Gene Pitney y que en el año 1961 se convertiría en un auténtico acontecimiento interpretado por nuestro protagonista de hoy. Si hablamos de los primeros tiempos de rockabilly tenemos que hablar obligatoriamente de esta canción.

Lo curioso del caso es que en un primer momento fue editada como la cara B de otro de sus sencillos titulado “Travelin’ Man”, pero fue tan grande la aceptación que tuvo por parte del público que pocos meses después salió al mercado como cara A de un nuevo single. Nos encontramos ante una canción no exenta de cierta polémica aunque totalmente ajena a la figura de Nelson. Os cuento. Como ya os digo fue escrita por Pitney en el año 1960 y le dio el título de “Hello Mary Lou”. Lo cierto es que para ello se basó en un tema del año 1957 de un grupo llamado The Sparks que llevaba el título de “Merry, Merry Lou”, por lo que os podéis imaginar que habría acusación de plagio y se iniciaría un proceso legal que terminaría dándole la razon a sus primeros creadores y que se solucionaría con la consiguiente compensación económica.

De esta canción se han realizado a lo largo del tiempo innumerables versiones pero creo que ninguna ha estado a la altura de la que ofreció en su momento este gran pionero que fue Ricky Nelson.

Como tantos y tantos artistas a lo largo de la historia de la música, viviría muy deprisa y acabaría de la misma manera. Su éxito fue creciendo día a día, canción a canción, pero los excesos y no saber asimilar tanta popularidad le hicieron tomar decisiones equivocadas y poco a poco su estrella se fue apagando. El mundo de la musica crece muy deprisa y si no estás atento y sabes adaptarte termina por arrollarte. Y eso es lo que le sucedería al bueno de Ricky.

Con la llegada de la década de los 70 su éxito fue a menos. Ya no vendía tantos discos y ya no le llamaban para demasiados conciertos. Su música había pasado de moda y casi nadie apostaba por él. Por si fuera poco, a finales de los 70 se separaría de su mujer que se llevaría con ella a sus cuatro hijos y la depresión y los excesos llevaría a Ricky a sumergirse en un auténtico caos. Ya nada era como antes y cada nuevo día era un reto muy duro que tenía que asumir.

Con la llegada de los 80 se trasladaría a Inglaterra para embarcarse en una gira nostálgica en la que junto a otros artistas que habían corrido su misma suerte ofrecía su música en plan revival. En las Navidades de 1985, Ricky tomaba un avión para pasar las fiestas en Estados Unidos junto a su familia. El avión se estrellaría y fallecería en el acto a la edad de 45 años, llevándose de esta trágica manera a una grandísima figura de la música cuyo legado nunca ha sido valorado como verdaderamente merece. Un pionero más que plantó su semilla y nos dejó demasiado pronto.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Llega el momento de iniciar nuestro viaje semanal a través del tiempo, disfrutando de la música de otras épocas que tan buenos momentos nos hizo pasar. De manera inmediata nos trasladamos hasta el 22 de julio de 1968 para saborera las tres novedades en forma de entrada que presentaba la lista graminoleña de aquel día y que están protagonizadas por tres grupos de los buenos, dos de ellos de estas tierras. Comencemos el recorrido.

La primera de las entradas de la que vamos a disfrutar nos llega de la mano de uno de los grupos más importantes de aquel momento. Una banda que publicaba su segundo álbum y que abrazaba definitvamente el rock sinfónico dando muestras de lo grandes que eran. Estoy hablando de los inimitables The Moody Blues.

El álbum que publicaban aquel año 1968 es “Days of Future Passed”, considerado por muchos no sólo el mejor de su carrera sino un auténtico hito en lo que a la concepción del rock sinfónico se refiere. Un trabajo descomunal que nos descubriría a una de las mejores bandas de la historia de la música.

El tema que colocaban en nuestra lista es uno de sus clásicos y una auténtica joya. Se trata de una preciosa balada que se convertiría en una de esas canciones románticas por las que nunca pasa el tiempo y que nos viene a todos de inmediato a la memoria cuando intentamos recordar canciones lentas que nos han hecho disfrutar de grandes momentos. Estoy hablando de “Nights in White Satin” una de las canciones para bailar agarrados por excelencia.

Lo curioso del caso es que en un primer momento no lo tendrían nada fácil con esta canción. Su duración se va más allá de los siete minutos y en aquellos tiempos la mayoría de los temas que se publicaban como sencillos no sobrepasaban los tres. Era demasiado tiempo para los paladares musicales de la época. Todo se arreglaría con la publicación de un single con una versión reducida en la que se eliminaban algunos minutos de la parte orquestal y listo, aunque he de deciros que la magia absoluta es escuchar la versión original y larga. Es verdaderamente descomunal. Yo os he dejado la corta, por si acaso.

En nuestra lista permanecería durante 38 semanas para alcanzar el top 5. Buenos resultados pero insuficientes en mi opinión para la gran calidad de esta canción.

Regresamos ahora a nuestro país para deleitarnos con las otras dos entradas que presentaba la lista graminoleña que se estrenaba el 22 de julio de 1968. Dos grandes bandas españolas de prestigio que nos regalaban dos de sus canciones de mayor éxito.

La marcha de Juan Pardo y Junior de Los Brincos se consideró traumática en un primer momento. Eran legión los que pensaban que sin ellos el grupo no tendría recorrido ni éxito. Si bien es cierto que la cosa no sería igual a partir de ese momento, el gran talento de Fernando Arbex sería suficiente para capear el temporal y seguir publicando canciones con el suficiente atractivo para el público como para que su popularidad no cayese en el olvido.

Hay un dicho popular que manifiesta que cuando un retoño abandona el hogar paternal por contraer matrimonio, no se pierde un hijo sino que se gana una habitación. Estrapolando este dicho a esta gran banda, podría decirse que no se perdía realmente una banda sino que se ganaban dos con la salida de los dos miembros más carismáticos del grupo. Es una forma de verlo y lo cierto es que musicalmente hablando, al menos en cantidad, todos salimos ganando.

Lo cierto es que Los Brincos siguieron cosechando bastante éxito con sus sencillos y colocando sus canciones en nuestra lista. La que nos ocupa hoy es “Sol en Julio”, una balada con la estructura y profesionalida habituales que nos visitaría durante 27 semanas para alcanzar el puesto 12 como mejor registro.

Si Los Brincos eran asiduos en nuestra lista, el grupo granadino que viene a continuación y que protagoniza la tercera entrada de aquella semana también nos visitaban periodicamente. Una banda excepcional y profesional hasta decir basta que basaba toda su música en la gran compenetración vocal y coral que eran capaces de alcanzar sus componentes. Estoy hablando de Los Ángeles.

En esta oportunidad nos ofrecían una particular versión de un tema de los norteamericanos American Bread que si bien había logrado triunfar en su país natal había pasado desapercibido en nuestro país. Su título original era “Bend Me, Shape Me” y debidamente adaptado a las características musicales de los granadinos se convertiría en “Dime Dime” logrando, entonces sí, triunfar en España. En nuestra lista permanecería durante 14 semanas para alcanzar el top 27

Una de las circunstancias que marcaba de algún modo las carreras de los distintos grupos españoles de aquella época si estaban formados por miembros muy jóvenes, era que en pleno apogeo de su carrera tenían que aparcarla durante algún tiempo para cumplir el servicio militar obligatorio, la famosa “mili”. Cuando publicaron este sencillo Paco Quero estaba inmerso en estos menesteres y sería sustituido mientras tanto por Pepe Robles quien poco tiempo después formaría su propia banda, los inigualables Módulos.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Seguimos con los repasos que le damos cada semana a las distintas listas graminoleñas y nos situamos ahora en el 22 de julio de 1978, día de estreno de ránking, que presentaba una única entrada que estaba protagonizada también por un grupo español, de corto pero intenso recorrido.

Pocos meses atrás, Laredo habían irrumpido como un rayo en el panorama musical español poniéndonos nostálgicos y melancólicos con un popurri que recogía viejos éxitos de la música de los 60 con su “El Último Guateque” y ahora volvían a repetir suerte con una versión en español de uno de los grandes temas de Simon & Garfunkel. Puede resultar muy osado versionar una composición de estos dos monstruos de la música pero lo cierto es que ellos darían la talla.

La canción elegida es “The Boxer”, que ellos titularían como no puede ser de otra manera “El Boxeador”, obteniendo unos resultados más que decentes permaneciendo en nuestra lista durante 19 semanas para alcanzar el top 17. Una canción metafórica que no habla propiamente de la vida de un boxeador sino de la de cualquiera de nosotros que sufre en sus carnes las especulaciones de los mandatarios que nos dirigen. Una grandísima canción, una grandísima versión.

Durante esta época vivirían sus mejores momentos ya que su popularidad crecería de manera exponencial. Participarían en la grabación de un disco de “La Misa Campesina Nicaragüense” junto a artistas de la talla de Ana Belén, Miguel Bosé, Sergio y Estíbaliz, Elsa Baeza o el Guadalupano logrando un grandísimo éxito. Sin embargo esta circunstancia no tendría continuidad y como por arte de magia terminarían desapareciendo del mapa.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Hay bandas que llegan a ser muy grandes pero poco a poco van perdiendo fuelle y pese a ello se empeñan en seguir publicando discos aunque su calidad no sea la adecuada. El mundo de la música está lleno de ejemplos pero váis a permitirme que no dé nombres por respeto a sus buenos tiempos. Como contraposición, hay grupos que son muy grandes y justo cuando están en el mejor momento de su trayectoria deciden parar dejándonos con la miel en los labios. Su legado es excepcional, sin ningún tipo de desliz pero nos dejan con ganas de más. El grupo que protagoniza el póster de “La Graminola” de esta semana es uno de estos casos.

Con apenas diez años de carrera y seis discos de estudio publicados, Dire Straits con su indiscutible líder Mark Knopfler a la cabeza nos regalaron música de verdad, tocando techo en el año 1985 con un álbum descomunal que está considerado como uno de los mejores discos de siempre. Estoy hablando del mítico “Brothers in Arms” del que vamos a disfrutar canción a canción en la doble página central de la revista de esta semana.

 

DIRE STRAITS / BROTHERS IN ARMS

Su éxito fue tremendo en todo el mundo y poco menos que se convertiría en un álbum de culto para cualquier amante de la buena música. Además sería uno de los primeros discos en ser publicados en formato digital, el famoso CD, consiguiendo con ello una pureza y una calidad de sonido que demostraría bien a las claras el tremendo nivel que Knopfler y los suyos habían sido capaces de obtener.

Cualquiera de las canciones que se incluyen en el álbum es excepcional y en líneas generales se puede apreciar una cierta evolución a la hora de componer y tocar. Ya tenían experiencia suficiente como para hacerlo cada vez mejor y el talento se les caía por los bolsillos. Simplemente con escuchar el tema que abre el disco y que fue publicado como primer sencillo basta para darse cuenta de que tenemos ante nosotros un trabajo fuera de lo normal.

He de reconoceros que esta canción es una de mis debilidades y mi preferida de todas las de Dire Straits. Me parece tremendo el inicio y la manera de tocar la guitarra de Knopfler. Un sonido puro, contundente y especial que hacen de “So Far Away” una auténtica joya

La segunda canción que aparece en el álbum es una de las más especiales. No solamente por su calidad y por su repercusión, sino también por algunas circunstancias que la rodean, entre las que se encuentra una gran polémica en relación con su letra. Quién podía imaginarse que una banda tan alejada de escándalos como Dire Straits podría verse inmersa en una polémica como ésta. Os cuento toda la historia y todo lo que hay que saber de “Money for Nothing”.

Lo primero que hay que decir es que cuenta con una colaboración de lujo ya que fue escrita a medias por Knopfler y Sting, que además participaría en su grabación aportando su granito de arena a la hora de hacer los coros. Además su videoclip pasaría a la historia como el primero en ser emitido en la cadena televisiva MTV Europa en el año 1987 cuando fue inaugurada y comenzó sus emisiones. Con estas premisas no es de extrañar que sea un tema excepcional. En su letra hacen referencia a dicha cadena

Pero la polémica llegaría con su letra. En ella se llega a dar la descripción de un cantante “maricón con pendientes y maquillaje” (con perdón de la expresión) y como es de imaginar ocasionaría cierto escándalo siendo acusados los miembros el grupo de homófobos. La sangre no llegaría finalmente al río y en posteriores ediciones del disco se cambiaría convenientemente. De cualquier modo, con frases fuera de lugar o sin ellas estamos ante una canción descomunal.

Por si fuera poco, este videoclip sería pionero en cuanto a los adelantos que muestran las imágenes que en él aparecen. Este álbum rezuma innovación por los cuatro costados.

Una cosa más, no quiero ni imaginarme lo que habría sucedido si esta canción se hubiese publicado en la actualidad con la en ocasiones “excesiva” sensibilidad que hay sobre el tema. El boicot habría estado garantizado, sospecho. Además, ese párrafo está escrito en sentido metafórico como el resto de su letra. Quien quiera entender …

A continuación llega el turno de una de las canciones más espectaculares del disco. He de reconoceros que es otra de mis preferidas. Me encanta ese comienzo a base de sintetizadores a modo de introducción para dar a continuación paso a las guitarras que arrancan un sonido genuinamente rockero. Una auténtica maravilla.

Supongo que muchos ya os habréis imaginado que me estoy refiriendo a “Walk of Life”, una canción que en un primer momento no iba a ser de la partida, ya que su productor consideraba que no encajaba en cuanto a calidad con el resto de las que se incluían en el disco. Knopfler y los suyos insistieron en que era un buen tema y finalmente fue incluida en el álbum aunque en un primer momento no fue publicada como sencillo sino que formaría parte de la cara B de “So Far Away”.

Sin embargo, su aceptación por parte del público y la forma en la que vibraban los fans que asistían a sus actuaciones en directo les llevaría a publicarla finalmente como sencillo y obtener unos resultados espectaculares. Una vez más, el ojo de los artistas estuvo más acertado que el del productor.

Esta canción está dedicada a un artista maravilloso que esconde detrás de sí una interesante historia. Se trata de Johnny Mathis cantante norteamericano de jazz cuyo momento de mayor éxito tuvo lugar en los años 50 y principios de los 60 hasta que el rock & roll se lo llevó todo por delante. Además de cantante también era atleta en la modalidad de salto de longitud y en el año 1956 tuvo que elegir entre acudir a los Juegos Olímpicos de Melbourne o grabar su primer disco e iniciar su carrera musical. El mundo perdió posiblemente un medallista olímpico pero a cambio ganó un músico excepcional.

El álbum está repleto de momentos espectaculares y uno de ellos llega a continuación. Durante su grabación el grupo se volcó casi obsesivamente en que el sonido fuese perfecto. Las sesiones de grabación fuero largas y extenuantes pero lo cierto es que mereció la pena porque dejó momentos tan brillantes como éste.

El sonido del saxo tendría especial importancia en la música de Dire Straits desde este momento y para la grabación de Brothers in Arms reclutarían a uno de los mejores saxofonistas del momento. Un músico con gran experiencia y que había colaborado antes con artistas de la talla de Paul McCartney, Chris de Burgh o Mick Jagger. Su nombre es Chris White y a partir de ese instante se convertiría en un colaborador muy especial del grupo. No sería considerado miembro de facto de la banda pero saldría de gira con ellos hasta su disolución en el año 1995.

White es un auténtico virtuoso del saxofón, algo que pone de manifiesto en una de las canciones de mayor calidad del disco, ese inolvidable “Your Lates Trick” cuya introducción de saxo es todo un clásico y una de las preferidas del público en sus conciertos. Escuchar las primeras notas de este tema y ponerse a tararearla todos a una se repetía una y otra vez en sus giras y creaba un ambiente de complicidad de los que ponen los pelos como escarpias.

Por si fuera poco, nos encontramos con un Mark Knopfler inspirado hasta decir basta tanto en lo que a tocar la guitarra se refiere como a la hora de componer. Hasta ese instante había ofrecido con cuentagotas su talento para crear baladas que calaran totalmente entre el público, pero en “Brothers in Arms” recuperaría el terreno perdido con creces convirtiéndose en un auténtico especialista en este tipo de composiciones.

Con estas premisas nos dejaría momentos mágicos y llenos de sensibilidad como “Why Worry”, un tema de más de 8 minutos de duración en el que toca la guitarra como nunca con una melodía de esas que te llenan de principio a fin y que te llegan muy hondo. Otro descomunal tema para este descomunal álbum.

No se puede considerar que “Brothers in Arms” sea un disco conceptual, por lo menos al uso, pero sí que es cierto que hay una temática común en varias de las canciones que lo conforman y su título ya indica por donde van los tiros, nunca mejor dicho. La guerra aparece en varios momentos como, por ejemplo, en la canción que aparece a continuación en el álbum.

Nos encontramos ante la canción más original, animosa, especial y diferente de todo el disco. Su ritmo difiere totalmente del que muestran el resto de composiciones que en él aparecen, mostrando ciertos toques de música latina y una cadencia cercana al reggae. Una mezcla que puede parecer excesiva para un grupo como Dire Straits pero que su talento convierte en el momento más llamativo del álbum.

Se trata de “Ride Across the River”, otro de los temás más largos del álbum con casi siete minutos de duración, que incide en el tema de la guerra, narrando una historia en la que se muestran los puntos de vista de dos de sus contendientes, uno de cada bando. Los toques latinos de esta composición no son fruto de la casualidad ni un capricho de Knopfler sino que obedecen a que se refiere a los distintos conflictos que azotaban en aquel momento a distintos países latinoamericanos.

No abandonan el tema de los conflictos bélicos en la siguiente canción que figura en el álbum. Como ya os comentaba hace un momento no es un disco conceptual pero se acerca a ello y la guerra es una especie de hilo conductor sobre todo en esta parte final a la que nos acercamos.

En esta ocasión Knopfler utiliza la metáfora para hablar del tema más recurrente del álbum. Se pone en la piel de un hombre que no ha tenido más remedio que intervenir en una despiadada guerra y que cuando vuelve a su hogar es considerado como un criminal. Para ello utiliza una comparación con el mundo de la música, mostrándonos a un Knopfler más inspirado que nunca a la hora de componer.

El título de esta canción es “The Man’s Too Strong” y muestra un genuino sonido americano con una guitarra contundente por parte de Knopfler. Otra joya más.

La aceptación que tendría el álbum por parte del público fue espectacular, cosechando unas ventas tremendas y convirtiéndose para los críticos especializados en uno de los mejores discos que se habían publicado desde hacía mucho tiempo además, claro está, del mejor trabajo de toda su carrera. Podría decirse que “Brothers in Arms” se convirtió en el gran acontecimiento musical del año 1985.

Lo cierto es que ese éxito era merecido ya que durante la grabación del álbum tuvieron algunos problemas que provocaron situaciones bastante críticas. Como os comentaba al principio este disco es uno de los primeros que utilizaron medios digitales para su grabación, un método totalmente novedoso y que todavía no estaba lo suficientemente digamos “logrado”. Tras varias semanas de grabación se dieron cuenta de que, posiblemente por un recalentamiento, prácticamente la totalidad de las grabaciones se habían borrado y tuvieron que empezar de cero y con el temor añadido de que en cualquier momento pudiera repetirse el desperfecto. Afortunadamente todo quedaría ahí y el sonido digital que mostraría “Bothers in Arms” sería excepcional.

Nos vamos acercando ya al final del disco, pero antes llega una canción que posiblemente sea la más floja del álbum. Ojo, no es una mala canción pero quizás no está a la altura del resto, dando la impresión de que es una especie de relleno para darnos un pequeño respiro antes del cierre de lujo que es el último tema del álbum.

Su título es “One World” y no sé si por casualidad o por premeditación es la canción más corta de todo el disco, además de una de las de ritmo más animoso. Un tema diferente, un renglón suelto.

Ahora sí llega el momento del cierre del álbum y lo hacen con el tema que le da título. Nos encontramos ante una de las canciones más espectaculares y de mayor calidad de toda la carrera de Knopfler y los suyos. Una canción en la que el lucimiento de líder del grupo con la guitarra es total, dando muestras de que nos encontrábamos ante un auténtico virtuoso.

Una canción excepcional, con un sonido sencillo y tenue y una voz susurrante de Knopfler que solamente se ve alterado por la irrupción de las notas de su guitarra que terminan por llenarlo todo sin cambiar de ritmo. Una canción que se convirtió en el primer sencillo de la historia en ser publicado en formato digital alcanzando una calidad sonora nunca antes lograda.

Su letra recupera la temática bélica y es una crítica atroz hacia las guerras en general y a la de Las Malvinas en particular. El ambiente que crean con esta composición es el ideal para hablar con crudeza de las guerras y disfrutar de una música creativa y excepcional como la que ofrece este maravilloso “Brothers in Arms”.

No cabe ninguna duda de que nos encontramos ante uno de los mejores discos de la década de los 80 y yo diría incluso que de la historia de la música. En él, Dire Straits mostraban quizás un sonido más sencillo que el que habían enseñado en sus anteriores trabajos, pero la tecnología digital le dotaría de un sonido limpio y de mayor calidad que atraería en masa al público.

Con este álbum alcanzarían el auténtizo cénit de su carrera y quien sabe si esta circunstancia no sería la que terminaría por provocar su disolución ya que no serían capaces posteriormente de alcanzar el nivel que lograron con este maravilloso “Brothers in Arms”.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Continuamos ahora con el repaso a las listas graminoleñas de otros tiempos y lo hacemos a toda prisa porque nos situamos en el 24 de julio de 1988 con un ránking que presentaba nada más y nada menos que cuatro nuevas entradas, protagonizadas todas ellas por grupos españoles. Está claro que en aquel instante el pop que se hacía en nuestro país estaba en un grandísimo momento. Vamos con ellas sin más dilación.

Para empezar viajamos hasta Bilbao de donde procedía un grupo que tenía muy buena pinta y que irrumpió en el panorama musical de nuestro país como un soplo de aire fresco con un sonido limpio y de gran calidad pero que únicamente publicaría un álbum, de donde procede el tema que nos ocupa a continuación, para desaparecer con la misma velocidad con la que apareció. Se hacían llamar Punta Galea”.

Su gran oportunidad les llegaría en cierto modo gracias a que su vocalista, Marian Gerrikabeitia, había trabajado durante algún tiempo en la emisora de “Los 40 Principales” de Bilbao, por lo que promoción no les faltó. Gracias a ella adquirirían cierta popularidad pero su recorrido acabaría prácticamente nada más comenzar.

A pesar de ello les daría tiempo para dejarnos un tema de una gran calidad en el que la voz de Marian acaricia nuestros oídos acompañada de la mágica música de saxo, auténticas señas de identidad del grupo. La canción en cuestión llevaba el título de “Raso y Satén” y nos acompañaría durante 25 semanas para alcanzar el top 13.

La segunda entrada de esa semana estaba protagonizada también por un grupo español pero éste más veterano, procedente de Madrid y que se encontraba en el mejor momento de toda su carrera gracias a la publicación del que está considerado como su mejor álbum y con el que dieron el salto definitivo hacia el éxito más rotundo. El grupo no es otro que Gabinete Caligari y el álbum el inimitable “Camino Soria”.

Entre las canciones de este disco se encontraba una, que a mí particularmente me parece de las más normalitas, vamos que las hay mucho mejores, pero que según ellos mismos y los críticos especializados en la materia es una de las mejores de su carrera. Ellos son los entendidos … Se trata de “Suite Nupcial”, una canción desenfadada y con buen ritmo que permanecería en lista durante 39 semanas para alcanzar el top 4. Lo cierto es que se trata del tema de Gabinete Caligari que más semanas ha permanecido en la lista graminoleña, así que será cierto que es muy buena.

Ojo, que no digo que sea una mala canción, simplemente me sorprende que esté considerada como una de las mejores, nada más. Por cierto, este tema está dedicado a Frank Sinatra y a lo mejor por eso …

Vamos ya con la tercera entrada de la lista ochentera y para ello seguimos nuestro particular viaje por la geografía española. Tras partir desde Bilbao y visitar Madrid nos trasladamos ahora hasta Granada, de donde procedía ese espectacular grupo que fueron 091, una de mis bandas preferidas de aquella época que nos regaló grandes momentos como ya os conté en su día cuando protagonizaron el póster central de “La Graminola” con aquel grandísimo álbum que fue “Más de 100 Lobos”.

En el año 1988 publicaban un nuevo disco bajo el título de “Debajo de las Piedras” que no iba a hacer otra cosa más que confirmar que nos encontrábamos ante uno de los mejores grupos españoles del momento. Su popularidad creció como la espuma y sus actuaciones en directo eran espectaculares. Dentro de este álbum se encontraba la canción más representativa de toda su carrera y con la que entrarían en nuestra lista aquel 24 de julio de 1988.

Se trata de una canción que, como buenos granadinos, dedicaron a una de las torres de la Alhambra y que lleva el título de “La Torre de la Vela”. Un tema con un inconfundible riff de guitarra y el ritmo habitual de su música que nos visitaría durante 23 semanas para alcanzar el puesto 17 como mejor registro.

La cuarta y última entrada de aquella semana es un auténtico lujo, ya que viene de la mano de uno de los mejores grupos de rock que ha dado nuestro país y que en aquella época se encontraba en el mejor momento de su carrera, además de ser una canción ideal para las fechas veraniegas y un auténtico himno de la música española y uno de sus temas más representativos. Ellos son Los Rebeldes.

Hablar de Los Rebeldes es hablar de su carismático e indiscutible líder Carlos Segarra, un alumno aventajado del mismísimo Loquillo al que debe mucho en lo que a sus inicios se refiere. Primero formaron juntos una pequeña banda denominada Teddy, Loquillo y Sus Amigos y posteriormente formaría ya su grupo de siempre con el que acompañarían a Loquillo en algunas canciones de su primer álbum, entre las que destaca “Esto no es Hawaii (Que guay)”, compuesta a medias por éste y Segarra.

Pronto se pudo comprobar que el potencial de Segarra y los suyos no desmerecía lo más mínimo del de Loquillo y Trogloditas, llegándoles su gran momento con la publicación de su álbum más aclamado: “Más Allá del Bien y del Mal”, un disco repleto de grandes canciones entre las que se incluye la que nos ocupa en el día de hoy.

Se trata de “Mediterráneo”, una canción con la que arrasarían en el verano de 1988 y que es sin duda uno de los temas más conocidos de toda su carrera. Con ella permanecerían en nuestra lista 32 semanas para alcanzar el top 9.

Recuerdo que en agosto de aquel año me encontraba pasando unos días de vacaciones en Murcia cuando ofrecieron un pequeño concierto en una esplanada junto a un centro comercial que pude presenciar y del que disfruté muchísimo, ya que sin demasiados medios técnicos fueron capaces de ponernos a todos los asistentes auténticamente en órbita. Eran muy grandes, sobre todo en vivo.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Avanzamos en el tiempo los diez años de rigor y nos situamos en el 26 de julio de 1998 para saborear las dos grandes novedades que presentaba la lista graminoleña que estrenábamos ese día. Tenemos cambio en el número 1 y una nueva entrada. Dos canciones para recordar y disfrutar.

La casualidad ha querido que el tema que asaltaba el puesto más alto de la lista aquel día tenga una tremenda relación con uno de los acontecimientos más destacados de la actualidad y que se produjo el pasado 15 de julio. El mundo del fútbol y el de la música se entrelazan caprichosamente. Me explico.

Hace unos días, la selección francesa de fútbol se proclamaba campeona del mundo por segunda vez en la historia de los mundiales. La otra ocasión en la que se alzó con el triunfo fue precisamente en 1998 en el Mundial celebrado en su país, cuya canción oficial se colocaba aquel 26 de julio de 1998 como nuevo número 1 de nuestra lista relevando a Natalie Imbruglia y su Torn tras cuatro semanas.

Así pues, sirva como una especie de homenaje a los franceses por su triunfo volver a escuchar a Ricky Martin y este “La Copa de la Vida”, nuevo número 1 desde aquel día y durante 6 semanas. La vida es un pañuelo.

Vamos ahora con la única entrada que presentaba la lista noventera de la que nos estamos ocupando, una canción que nos llegaba desde Irlanda y que no tardando mucho se convertiría también en número 1 graminoleño. Sus protagonistas no son otros que cuatro hermanos llamados Andrea, Caroline, Sharon y Jim, o lo que es lo mismo, The Corrs.

Cierto es que se habían apartado un poco de ese sonido que les catapultó al éxito en sus primeros tiempos atendiendo a sus raíces celtas, pero su álbum “Talk On Corners” estaba obteniendo grandes resultados de ventas en gran medida gracias al tema que colocaban en nuestra lista aquel 26 de julio de 1998, una preciosa balada en la que la acariciante voz de Andrea llevaba el mayor peso.

Se trata de “What Can I Do?”, uno de los temas más populares de su trayectoria y que nos visitaría durante 42 semanas llegando a alcanzar en algún momento, como ya os he comentado, el liderato de nuestra lista.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Llega el momento de cerrar el repaso graminoleño de nuestras listas y para ello nos situamos en el 20 de julio de 2008 para hacernos eco de las dos nuevas entradas que mostraba la lista que se publicaba aquel día. Dos buenas canciones obra de uno de nuestros más grandes artistas y de una banda internacional que tenía su aquél. Abrid bien los oídos que viene más buena música.

Manolo García llevaba cuatro años sin publicar nuevo material y ya tenía un poco preocupados a sus seguidores. Afortunadamente, en el año 2008 rompería su silencio con el adelanto del que iba a ser su quinto álbum en solitario que llevaría el título de “Saldremos a la Lluvia”.

De todos es sabido que con el paso de los años el bueno de Manolo se ha ido alejando un tando del estilo que mostró en El Último de la Fila, pero de vez en cuando no puede evitar volver de alguna manera a sus raíces y ofrecernos algunos temas que nos retrotraen a otros tiempos tan espectaculares musicalmente hablando. Eso es lo que sucede con “No Estés Triste”, la carta de presentación de ese nuevo álbum y que entraba en lista aquella semana para permanecer en ella durante 21 semanas y alcanzar el top 15. Me encanta esta canción.

La segunda entrada de aquella semana es una canción que a mí personalmente me encanta y que volvió a ponerse de actualidad gracias a la publicación de un recopilatorio, ya que es un tema que data del año 1992 y que tiene una curiosa historia detrás que paso a contaros. Sus protagonistas son los británicos Radiohead.

Ese año publicaban su álbum de debut en el que se incluía un tema del que siempre han renegado y que tuvo una historia un tanto complicada. Desde el primer momento ellos no confiaron demasiado en este tema porque lo consideraban demasiado comercial para lo que ellos querían hacer, pero su sello discográfico cuando lo escuchó decidió que tenía que ser el primer sencillo del disco.

En un primer momento no tendría ninguna repercusión, ya que las emisoras de radio británicas apenas la emitirían aduciendo que su letra era demasiado depresiva lo que llenaría de razones a los miembros del grupo tan reacios a su publicación. Sin embargo, pocos meses después las emisoras radiofónicas norteamericanas sí que apostarían por ella y poco a poco el público de ambos lados del Atlántico fue descrubiendo esta canción hasta hacerla llegar a los primeros puestos de las listas de éxitos. Había tardado en llegar pero el éxito era inevitable.

La canción en cuestión es “Creep” y obtendría finalmente tanto éxito que sería de nuevo incluida en el álbum que publicarían en el año 1993, “Pablo Honey”, el mejor trabajo de toda su carrera. En nuestra lista permanecería durante 9 semanas para lograr como mejor registro el puesto 29. Me encanta esta canción, a pesar de su tono depresivo. Una auténtica joya.

Para que os hagáis una idea de lo que los miembros de Radiohead llegaron a odiar esta canción, algo verdaderamente increible, os diré que hasta el año 2001 no la incluyeron en ninguna de sus actuaciones en vivo. Incluso durante su grabación, el guitarrista Johnny Greenwood intentaría boicotearla introduciendo unos sonidos extraños, casi sordos con su guitarra justo antes del estribillo. Lejos de estropearla lo que conseguiría sería darle un aire todavía más especial. Es sin duda alguna una de las situaciones más extrañas que ha dado del mundo de la música.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

El verano sigue su curso y las vacaciones van llenándolo todo, así que que mejor que continuar dedicándole la sección más “especial” de “La Graminola” a esas canciones eminentemente veraniegas y que con solamente escuchar sus primeras notas nos situamos en parajes playeros y similares. Disfrutemos sin más dilación de otras tres “canciones del verano” de las que todos nos acordaremos a buen seguro.

 

LUV / YOU’RE THE GREATEST LOVER

Nos situamos en el año 1978 y viajamos hasta Holanda de donde proceden tres jóvenes chicas de un atractivo más que evidente llamadas Patty Brard, Jos Hoebee y Marga Scheide. Juntas formaron un trío que lograría durante tres o cuatro años a finales de los 70 bastante éxito a base de música desenfadada, bailable y veraniega. Me estoy refiriendo a Luv.

En un primer momento su música era un tanto más “seria” de la que les llevaría a cosechar el éxito, pero los primeros sencillos que publicaron no tuvieron demasiada repercusión. Esta circunstancia les llevaría a enfrentarse con su sello discográfico y terminarían cambiando de multinacional, decisión que sería fundamental para dar el salto definitivo.

Sería entonces cuando decidirían introducir en sus canciones ciertos toques latinos y un sonido más animoso y bailable con lo que lograrían triunfar primero en su país natal y después en el resto de Europa. En el año 1978 publicarían su álbum de debut, titulado “With Luv” en el que se incluía una rítmica canción que triunfaría a lo grande en los meses veraniegos.

Se trata de “You’re the Greatest Lover”, una canción que introduce unos ritmos de guitarra española y que nos animó el verano de 1978. Otro claro ejemplo de lo que es una auténtica y genuina canción del verano.

 

PHIL TRIM / RON & COCA-COLA

Nos situamos ahora en el verano de 1980 para darnos cuenta de que resultaba muy difícil no sucumbir a este tipo de canciones y que cualquier artista, por muy serio que fuese y por muy apartado que estuviese su habitual estilo de este tipo de música, podía caer en cualquier momento en la tentanción de “veranizarse” musicalmente hablando.

Phil Trim había sido la maravillosa voz de Pop-Tops durante algunos años y tras la disolución del grupo inició una carrera en solitario durante la que publicaría cuatro discos. Sus señas de identidad serían muy similares y amparándose en su gran voz mantendría un estilo pausado y romántico con algunas excepciones como la que llega a continuación.

Ese año publicaba su tercer disco en solitario bajo el título de “Aquí Estoy” y en él se incluía una canción que se alejaba totalmente de todo lo que había ofrecido hasta ese mismo instante. Se trataba de la versión de un clásico de los años 40 de The Andrews Sisters que debidamente adaptado con la que logró cierto éxito durante los meses estivales de 1980.

No cabe duda de que hay estilos que resultan veraniegos hasta decir basta y el calypso es uno de ellos. En esas aguas se movería Phil para dejarnos una versión del famoso “Ron & Coca Cola” con aires tropicales y un sonido totalmente identificado con el verano. Música radicalmente opuesta a lo habitual.

 

PACO PASTOR / DENTRO DE UNA BOTELLA

Para cerrar la aportación veraniega de esta semana vamos con otra situación similar a la que acabamos de recordar. Nos situamos en el año 1978 momento en el cual finalizaba la andadura de uno de los grupos más representativos de la “canción del verano” que ya ha pasado por aquí en las últimas semanas y en el que su vocalista iniciaba su carrera en solitario. Estoy hablando de Fórmula V y su cantante Paco Pastor.

Lo normal es que cuando un grupo se rompe y alguno de sus miembros inicia una nueva etapa lo haga para cambiar aunque sea minimamente de estilo, pero en esta ocasión no sería así porque la música que Paco ofreció en su primer y único trabajo en solitario es idéntica nota por nota a la que mostraba con los que habían sido sus compañeros de viaje hasta ese momento.

Posiblemente esto fuera lo que provocó que su carrera acabara prácticamente en ese instante ya que según se acercaba la década de los 80, si bien la acepción de “canción de verano” seguía vigante, el estilo que tendrían los temas que se moverían ese ese terreno cambiaría profundamente. Aún así le daría tiempo a dejarnos otra melodía veraniega a más no poder y que puede considerarse como el último éxito de su carrera, aunque luego vendría el revival de su grupo, pro esa es otra historia.

Así pues, cerramos nuestra sección más fresca y veraniega de hoy con este “Dentro de Una Botella”, un tema interpretado por Paco Pastor en solitario pero que suena a Fórmula V por los cuatro costados, es decir, más de lo mismo.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

No sé si a vosotros os pasa lo mismo pero a mí se me hace cada vez más corto el número de “La Graminola” por lo bien que lo paso disfrutando de su música. Sin darnos cuenta hemos llegado al momento de la contraportada que nos trae tres canciones más para cerrar con broche de oro el ejemplar de hoy. Como siempre un recuerdo, música española y una novedad sirven para despedirnos por hoy.

 

EFEMÉRIDE

 

El señor Jagger cumple hoy la friolera de 75 añazos, todo un mocito ya. Lo mejor de todo es que a pesar de los años sigue al pie del cañón con sus colegas de siempre ofreciéndonos el rock habitual con The Rolling Stones. Para celebrar su cumpleaños os traigo uno de sus temas grabados al margen del grupo en el que contó con unas colaboraciónes excepcionales.

 

La efeméride del día de hoy viene referida a un grande entre los grandes. A uno de esos artistas sin los que es imposible entender la historia del rock y que lleva ya casi 60 años en el candelero. Estoy hablando del señor Mick Jagger quien tal día como hoy del año 1943 venía al mundo para convertirse en pieza fundamental en el panorama musical liderando a esos auténticos monstruos que son The Rolling Stones.

Hablar de Jagger en unas pocas líneas es imposible además de que creo que de él está todo dicho y es todo sabido. Para celebrar su cumpleaños he querido traer aquí una de sus canciones al margen de los Rolling que formó parte de la banda sonora de una película estrenada en el año 2004 y que cuenta con unos colaboradores de auténtico lujo. Una canción que a mí particularmente me encanta.

La película de la que os hablo es “Alfie”, protagonizada por Jude Law, Michael Caine y Alan Prince cuyo tema principal de su banda sonora corre a cargo de Jagger. Se trata de una canción compuesta a medias con Dave Stewart, parte masculina de Eurythmics, que lleva el título de “Old Habits Die Hard” y que me parece una auténtica maravilla.

De esta canción existen dos versiones, una interpretada en solitario por Jagger y otra en la que une su voz Sheryl Crow. Os dejo ésta última ya que creo que la voz de Sheryl le da un encanto todavía mayor. Por cierto, en esta canción haría los coros una jovencísima y prácticamente desconocida Katy Perry.

 

LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA

 

Estos guipuzcuanos se convirtieron en una especie de grupo de culto con un estilo minimalista e incluso monóntono pero con algunas buenas canciones. Se hacían llamar Aventuras de Kirlian y únicamente publicaron un álbum, pero sobre todo en el País Vasco cosecharon los favores del público en general. Hoy nos dejan su tema más conocido.

 

Pocas veces un grupo con una andadura tan corta y prácticamente circunscrito a un territorio muy concreto ha terminado ganándose el favor del público y unas críticas tan excepcionales que provocaron que se ganase el calificativo de “grupo de culto” como el que llega a continuación. Una banda guipuzcoana desconocida para muchos que ganó gran popularidad a finales de los 80 en el País Vasco y que nos regaló un tema indispensable dentro del pop español. Se trata de Aventuras de Kirlian.

En sus primeros tiempos se patearían todos los garitos del País Vasco donde el voz a voz irían funcionando para hacerlos cada vez más populares. La sencillez de su música, con canciones cortas y directas con un ritmo continuo sin apenas variantes pero repletas de sensibilidad gracias a la acariciante voz de su vocalista Jone Gabarain, irían conquistando cada vez a más público, llegándoles su gran oportunidad en el año 1988.

En ese momento, Alejo Alberdi, componente de Derribos Arias, se fijaría en ellos y produciría el que iba a ser su único álbum de título homónimo, con el que se abrirían algo de espacio en el panorama musical del resto del país gracias sobre todo a una canción tan especial y espectacular como “Un Día Gris”.

En un primer momento muchos los consideraron como un grupo tan grande como para estar por encima de Duncan Dhu, pero la realidad sería bastante distinta ya que su andadura se quedaría ahí por algunas diferencias con su discográfica. Poco tiempo después algunos de sus miembros retomarían la senda de la música formando otro grupo de unas características bastante parecidas denominado Le Mans.

 

NOVEDAD

 

Los amantes de la música electrónica están de enhorabuena ya que una de las bandas más representativas de esta manera de hacer música, siempre partiendo desde el mundo del rock, acaban de publicar un nuevo álbum. Se trata de Nine Inch Nails uno de esos grupos a los que o adoras o no los puedes ni ver. Yo me encuentro más cerca de los primeros ¿y vosotros?

 

La novedad de esta semana nos trae música que quizás no sea para todos los paladares. Llega de la mano de una banda norteamericana que puede considerarse como una de las precursoras de esa música electrónica que lo inunda todo en la actualidad y que desde el año 1988 demostraron que eran unos avanzados a su tiempo. Estoy hablando de Nine Inch Nails.

La verdad es que hablar de grupo es un tanto excesivo ya que su único miembro de pleno derecho es su fundador Trent Reznor que compone en exclusiva todas sus canciones y luego se encierra en el estudio de grabación con músicos diferentes para cada disco para crear sus nuevos trabajos. Para realizar sus giras vuelve a cambiar de músicos para poder introducir los correspondientes arreglos con el objeto de que su música pueda ser interpretada sobre un escenario con todas las garantías.

Acaba de salir al mecado su último trabajo bajo el título de “Bad Witch” que es el tercer y último álbum de una trilogía que completan “Not the Actual Events” y “Add Violence”. En esta nueva entrega  se incluyen solamente seis canciones, dos de ellas instrumentales, que redundan en el sonido de siempre.

La carta de presentación de este trabajo es “God Break Down the Door” un tema que sin apartarse de su habitual manera de concebir la música introduce ciertos toques de jazz haciéndola un tanto diferente.

Así finalizamos el número de “La Graminola” de esta semana. En siete días volvemos a leernos y escucharnos.

Hasta entonces, Graminoleños.

JUAN JOSÉ GOMARIZ