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LA GRAMINOLA – NÚMERO 8 – 18 DE ENERO DE 2018


Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.

Ya sabes que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

La lista de “La Graminola” nos llega por primera vez sin ninguna novedad “electrónica o reggaetónica”. En esta ocasión música romántica, pop latino y una artista muy grande como es nuestra Vanesa Martín. Esperemos que se repita pronto.

 

 

 

En la sección de “Los Pioneros” rendimos un merecidísimo homenaje a Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper que fallecieron trágicamente en una fecha que se daría en llamar “El Día en el que Murió la Música.

 

 

 

La lista de los años 60 viene cargada de contrastes. Por un lado uno de los grupos asiduos como son The Beatles. Por otro un grupo que versionaba temas latinos a su manera como son The Sandpippers. Tenemos de todo.

 

 

La lista de los 70 presenta dos novedades. Con una de ellas aprovechamos para irnos de guateque. La otra es un momento histórico ya que el punk irrumpe en las listas graminoleñas por primera vez de la mano de los auténticos padres de la criatura. Para no perdérselo.

 

 

 

El álbum de la semana no es otra cosa que la segunda parte de la historia del mítico álbum de los 4 de Liverpool Abbey Road. Hoy cerramos capítulo de manera espectacular.

 

 

 

 

La lista ochentera llega con una única novedad, pero de lujo, ya que viene de la mano de uno de los grupos más emblemáticos de “La Movida Madrileña” y de mayor reconocimiento de nuestro país. Hablo de los inconfudibles Gabinete Caligari”

 

 

 

Dejaron su impronta en forma de música durante la década de los 90 y hoy vienen a visitarnos. Lighthouse Family colocan esta semana en la lista de aquellos tiempos una de las mas maravillosas canciones de su carrera como es “Raincloud”.

 

 

La sección en la que repasamos la actualidad musical que nos trajo el nuevo siglo deja bien claro que lo que se iba a llevar eran las colaboraciones entre artistas. En esta oportunidad son Eros Ramazzotti y Ricky Martin quienes unen sus fuerzas.

 

 

Hoy nos ponemos serios con la “otra música” y nos sumergimos en el mágico mundo de la música étnica. Francia, Sudameríca y Àfrica nos ponen a tono con la música con raíces que se hace por allí.

 

 

Como siempre cerramos con una gran contraportada. La novedad es un auténtico lujo pero lo que os recomiendo que no os perdáis es el tema en vivo. Es sublime. Por supuesto no pude faltar un sentido homenaje a la recientemente fallecida Dolores O’Riordan

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Deberíamos marcar el día 14 de enero de 2018 como un día muy especial, porque en él se estrenó la última lista de actualidad de “La Graminola” y aunque llega con nada más y nada menos que tres novedades, ninguna de ellas es de música electrónica ni reggaetón. Tampoco es que sea para tirar cohetes pero al menos ofrece música más variada. A ver si esto crea escuela.

Vamos a ir por el orden de mejor posición que creo que es lo correcto, por lo que para empezar vamos a viajar hasta Gran Bretaña desde donde nos llega uno de los muchos jóvenes cantantes que han ido surgiendo en los últimos tiempos. Están todos cortados por el mismo patrón y ofrecen una música bastante similar: melódica, mucha balada, romanticismo, abuso de los gorgoritos … El nombre muchas veces es lo de menos porque casi todos suenan igual, pero en esta ocasión se trata de Charlie Puth, uno de los asiduos de la lista últimamente.

En las próximas semanas está prevista la publicación de su segundo disco, que llevará el título de “Voicenotes”, y como uno de los adelantos nos llega “How Long”, una canción que ofrece más de los mismo y que ya forma parte de nuestra lista desde el pasado domingo. Veremos hasta donde llega.

La segunda entrada de la semana nos llega desde Colombia, pero que no se asuste nadie que se trata de música pop, con sus toques latinos de rigor, pero buen pop. Nos llega de la mano de uno de los grupos emergentes más de moda del momento que siempre ha sabido rodearse de grandes artistas para que colaboren en sus canciones y en esta ocasión vuelven a repetir el buen gusto a la hora de elegir.

Supongo que a estas alturas muchos os imaginaréis ya que me estoy refirendo a Morat, un grupo formado por cuatro amigos que se conocieron en el instituto y que desde su debut de la mano de Paulina Rubio no han parado de lograr éxito tras éxito. Después llegaría la colaboración con Álvaro Soler y en esta oportunidad el elegido ha sido su compatriota Juanes.

Morat han colocado una nueva canción en la lista del 14 de enero que llega con su habitual sonido. Música divertida y bailable, un pop muy sencillo en el que no falta el sonido del banjo que les da ese toque latino tan personal. Su título es “Besos en Guerra” y habrá que seguirlos muy de cerca hasta donde son capaces de llegar. Porque ya se sabe que estos grupos que entran arrollando en el panorama musical de actualidad muchas veces desaparecen a la misma velocidad. Daremos tiempo al tiempo para conocer su recorrido.

Para terminar con la tercera entrada en lista vamos a regresar a nuestro país, concretamente hasta Málaga, porque de allí es la artista que llega a continuación, una cantante y compositora muy especial que desde su debut en el año 2006 no ha parado de crecer y de progresar y ya es sinónimo de buena música. Su nombre: Vanesa Martín.

He de reconoceros que Vanesa es una de mis debilidades entre las artistas de actualidad. Seguramente será porque me recuerda mucho a otra cantante y compositora que en mis tiempos más mozos me tenía cautivado como era Mercedes Ferrer. Ambas siempre han mostrado tener carisma, talento y ser auténticos torbellinos encima de un escenario.

Precisamente con el escenario tiene que ver la canción con la que ha entrado en nuestra lista esta semana, que por cierto es la primera ocasión en la que lo consigue. Se trata de “Hábito de Ti”, un tema inédito que ha sido compuesto en exclusiva para promocionar el DVD que contiene una de sus actuaciones en la gira de presentación de su último álbum, “Munay”, con el que ha logrado el mayor éxito de su carrera … hasta el momento.

Una lista sin una entrada de reggaetón es una excepción, pero hay que disfrutarla. ¿Se repetirá en breve? La respuesta en siete días.

 

LOS PIONEROS

La sección de “Los Pioneros” del día de hoy es muy especial a la vez que de auténtico lujo. Vamos a darle todo el protagonismo a tres jóvenes músicos que tenían toda la vida por delante y que se han convertido en auténticos mitos del mundo del rock & roll, cuyo futuro se vería truncado con motivo de un desgraciado accidente de aviación.

El 3 de febrero de 1959, con un tiempo infernal, en medio de una tormenta de nieve el avión que traslada a Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens, pilotado por un joven e inexperto piloto de apenas 21 años, terminaba estrellándose tan sólo ocho minutos después de despegar llevándose por delante las vidas de tres artistas que estaban llamados a escribir muchas de las páginas más destacadas de la historia de la música. El triste suceso recibiría el nombre de “El Día en Que Murió La Música” y hoy quiero desde esta revista rendirle tributo a tres auténticos mitos del rock & roll.

 

BUDDY HOLLY / THAT’LL BE THE DAY

Los tres artistas estaban embarcados en una agotadora gira que había organizado precisamente Buddy Holly, quien tras su separación de su grupo de acompañamiento de siempre, The Crickets, se encontraba prácticamente en la bancarrota. Habitualmente los traslados se realizaban en un autobús, pero éste se había quedado sin calefacción por lo que Holly tomaría la decisión de alquilar una pequeña avioneta en la que él y un par de acompañantes pudieran trasladarse.

En un primer momento, su bajista Waylon Jennins iba a ser uno de los que se subiera al avión, pero éste finalmente le cedería su asiento a The Big Bopper que padecía un fuerte proceso gripal. Cuando Holly se encaminaba a embarcar en el avión se cruzó con Jennins y bromearía con él diciéndole: “espero que tu autobús se congele”, a lo que el bajista le contestaría en el mismo tono desenfadado: “espero que tu avión se estrelle”. Las palabras resultarían premonitorias y provocarían en Jennins una eterna sensación de culpabilidad.

El carisma y la genialidad de Holly le habían llevado a convertirse en fuente de inspiración de muchos otros artistas. El mismísimo Elvis Presley siempre comentó que uno de los grandes culpables de que se dedicase al rock & roll fue el malogrado cantante. Con apenas 22 años ya había cosechado grandísimos éxitos, pero si yo me tengo que quedar con uno sería este mítico “That Be’ll The Day”.

Cualquier muerte de un artista, más si cabe si se produce en plena juventud, es un auténtico drama y una gran pérdida, pero la desaparición de Holly nos privaría sin ningún lugar a dudas de un músico que habría estado a la altura de gente como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry y el resto de grandes monstruos de la historia del rock.

 

THE BIG BOPPER / CHANTILLY LACE

Jiles Richardson era el verdadero nombre de The Big Bopper, el más veterano de los tres músicos pero con solamente 28 años de edad. Su carrera había sido más fácil que la de sus dos jovencísimos acompañantes, ya que sus inicios llegarían en el mundo de la radio donde se haría muy popular por su manera de dirigir sus programas y de presentar las canciones de puro rock & roll que siempre pinchaba en su emisora.

Dado el tremendo carisma que poseía y la atracción que ejercía sobre su audiencia, pronto le llegaría el ofrecimiento para dar el salto al otro lado y convertirse en un verdadero ídolo interpretando sus propias canciones. De esta manera nacería el fenómeno Big Bopper cuyo mayor éxito y auténtica seña de identidad sería “Chantilly Lace”, su primer número uno que sonaba a todas horas en la emisora. Aquel grito inicial de “Hello baaaaaaaaby” se convertiría en uno de los sonidos de la historia del rock.

La fama le había desbordado y tenía pensado dejar a un lado su carrera de cantante durante una temporada y retomar sus tiempos de presentador radiofónico. La razón principal era la de disfrutar de ese bebé que estaba a punto de llegar ya que su mujer estaba embarazada. Desgraciadamente no podría llevar a cabo sus deseos.

 

RITCHIE VALENS / LA BAMBA

Ritchie Valens era el más joven de todos, solamente tenía 17 años, pero ya estaba demostrando que poseía un talento descomunal. Pese a su juventud su figura crecía día a día habiendo surgido prácticamente de la nada. Es uno de esos casos de artistas que nacen de manera inesperada dentro de una familia muy humilde, sin apenas medios para subsistir y que encuentra en el mundo de la música la salida a todas sus penurias. Lamentablamente, el fatal accidente daría al traste con su carrera como cantante y dejaría a su familia sumida en la más profunda depresión. Lo que pudo haber sido y finalmente no fue.

Californiano de nacimiento y de ascendencia mexicana, su verdadero nombre era Ricardo Valenzuela, pero si quería abrise camino en el mundo de la música tenía que “americanizar” más su nombre, escogiendo finalmente el de Ritchie Valens. Es muy difícil pasar a la historia de la música cuando se tienen solamente 17 años de edad, pero él sería capaz de hacerlo, porque una canción como “La Bamba” ha sido versionada hasta la saciedad y pasen los años que pasen siempre estará de actualidad.

Como os podéis imaginar muchos han sido los homenajes y reconocimientos que otros artistas han ido dedicando a estos tres personajes a lo largo de sus carreras, bien dedicándoles alguno de sus discos, bien haciendo mención a lo sucedido en alguna de sus canciones. Sin lugar a dudas, una de ellas, que sería grabada en el año 1971, se lleva la palma, por lo que creo que es un magnífico broche de oro para la sección de hoy acabar con esa composición.

Se trata de uno de los clásicos de la música de los 70 obra de ese monstruo que es Don McLean. Su famoso “American Pie” habla del nacimiento y la evolución del rock & roll hasta el momomento en que la compuso y su punto de partida es precisamente el triste acontecimiento. Para el bueno de Don, el día en que murió la música también fue el día en el que nació el rock & roll para todo el mundo. El merecido homenaje dura más de ocho minutos, pero ciertamente la situación requería recrearse en la suerte ese tiempo y más.

He de reconoceros que cuando más disfruto al escribir los distintos artículos que se incluyen en “La Graminola” es precisamente cuando hablo de nuestros queridos pioneros. Creo que la verdadera esencia de la música, de toda la música, está aquí. Tampoco me queda ninguna duda de que Holly, Bopper y Valens tienen gran parte de culpa de todo lo que ha ido viniendo detrás y que tanto tanto nos gusta.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Iniciamos ya el viaje en el tiempo a lo largo de las distintas listas de “La Graminola” y como siempre para empezar nos trasladamos hasta los años 60. En esta oportunidad lo hacemos concretamente al día 14 de enero de 1968, día que estrenábamos el nuevo ránking semanal que venía con dos novedades muy distintas entre sí. Vamos con la primera.

Desde Estados Unidos nos llegaría ese día el nuevo éxito de un grupo que en sus inicios se sumergería en la música folk-rock de aquel país sin tener demasiada trascendencia. Sin embargo, en el momento en que comenzaron a versionar canciones vinculadas a la música latina empezarían a calar hondo en el público. Su nombre: “The Sandpippers”.

Dos años atrás habían logrado su mayor éxito al versionar la tan popular “Guantanamera” y en esta oportunidad no se alejarían lo más mínimo de las tierras cubanas haciendo lo propio con una de las más famosas composiciones de Luis Aguilé. Ese 14 de enero de 1968 lograban colocar en la lista su segunda canción, “Cuando Salí de Cuba”, con la que permanecerían en lista durante 14 semanas alcanzando el puesto 20 como mejor posición.

La otra incorporación a la lista viene de la mano de auténticos “cinco estrellas”, por lo que os invito a todos a poneros de pie para recibir a los inconfundibles e inimitables The Beatles.

El enfrentamiento entre Lennon y McCartney era público y notorio y a estas alturas de su trayectoria juntos, el ambiente que rodeaba a los cuatro músicos de Liverpool estaba claramente enrarecido. Por este motivo no era de extrañar que cada nueva canción que componían siempre venía rodeada de una sospecha de pasarse factura mutuamente, aunque en la mayoría de las ocasiones la realidad era bastante distinta.

La canción en cuestión es “Hello Goodbye”, compuesta por McCartney, y dado que la letra va contradiciéndose continuamente, muchos vieron en ella una especie de crítica hacia Lennon, aunque ellos siempre lo desmintieron alegando que era una simple canción de amor y desamor. Con ella alcanzarían el número uno tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, una vez más, aunque en nuestra lista se conformarían con el número 4 como mejor posición durante las 38 semanas que permanecieron en ella.

Eso sí, ninguno de los dos dejaba de pasar una oportunidad para pasar factura de alguna forma al otro. Lennon manifestaría con el paso del tiempo que esa canción no acababa de convencerle y se hacía cruces de pensar que la cara B del sencillo incluía “I Am The Walrus”, curiosamente compuesta por él mismo. Genio y figura.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Damos ahora el habitual salto en el tiempo de diez años para situarnos en el día 15 de enero de 1978, con el estreno de una nueva lista que presentaba dos notables novedades, una procedente de nuestro país y otra del Reino Unido. Empezaremos con la de por aquí pero advierto que la que procede de las islas británicas es el pistoletazo de salida de un movimiento musical que iba a revolucionar totalmente la década de los 80. Pero eso será a su debido tiempo.

En un primer momento, el grupo Laredo emprendió su andadura discográfica moviéndose en el terreno de la musica folk con tendencias pop que por aquella época había cosechado bastante éxito. Sin embargo, la música estaba cambiando y de algún modo ese estilo estaba empezando a plegar velas, por lo que sus primeros movimientos no tendrían la repercusión debida, al menos en España porque en Latinoamerica conseguirían cierta aceptación.

Lo curioso del caso es que el éxito cosechado por otros artistas les llevaría a imitarles y lograr por fin el espaldarazo que necesitaban. Ya han aparecido por aquí un par de canciones que enlazando temas de éxito de otras épocas terminaban por enganchar al público. Café Creme y su “Unlimited Citations” es uno de estos ejemplos pero el más claro y evidente es el “Rockollection” de Laurent Voulzy que esa semana todavía continuaba en el número uno.

Las pretensiones de Laredo no serían demasiado grandes y se centrarían en canciones que habían triunfado en la década de los 60 en nuestro país de los principales grupos españoles de aquella época. Por “El Último Guateque”, la verdad es que el título está muy bien escogido, pasarían Juan y Junior con “La Caza”, Los Sírex con “La Escoba”, Los Canarios con “Get On Your Knees” y Los Brincos con “Mejor”. La duda: ¿llegarán también al número uno como sus antecesores? Lo sabremos con el paso de las semanas.

Ya os aviso que el éxito que cosecharían sería extraordinario, pero cuando parecía que había grupo para rato solamente cosecharían un éxito más. Pero eso ya os lo contaré en unas semanas. Prometido queda.

Como os comentaba hace un momento, la otra entrada en la lista del día 15 de enero de 1978 está considerada como el auténtico himno del punk, que por aquella época daba sus primeros coletazos y amenazaba con provocar una auténtica revolución en el mundo de la música como así sería.

Pronunciar los nombres de Johnny Rotten, Steve Jones, Paul Cook Glen Matlock, Sid Vicious y el de su manager Malcolm McLaren es hablar de la historia de la música. Sex Pistols permanecería juntos únicamente tres años y únicamente publicarían un disco de estudio pero su fuerza, su manera de provocar y su música les convertirían en auténticas leyendas.

Su mayor éxito, su tema más emblemático y, además, el himno oficial del punk es la canción que entraría en lista ese día. hablo de “God Save The Queen”, una irreverente composición que ataca claramante a la Reina de Inglaterra y que fue censurada de manera brutal en el momento de su publicación. Muchas tiendas de discos se negarían a vender el disco pero el efecto que conseguirían, como suele suceder en estos casos, sería el contrario ya que su popularidad y su éxito serían descomunales.

Para que nos hagamos una idea de la censura que tuvieron que soportar baste con un detalle. La canción llegaría al número 2 de las listas de ventas en el Reino Unido y según parece no llegó al número uno porque desde amplios espectros de la política británica presionaron para que se “retocara” esa lista y no aparecieran en lo más alto que era el lugar que verdaderamente les correspondía. Lo que queda claro es que algo estaba cambiando en España porque aquí se vendió sin mayores incidentes y, como vemos, incluso formaría parte de la familia graminoleña.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Lo prometido es deuda. La semana pasada dedicábamos el póster central al que para muchos es el mejor disco de The Beatles, uno de sus discos más versátiles y originales que mostraría innumerables peculiaridades. El trabajo quedó a medias ya que dejábamos para hoy la parte más curiosa de este álbum, un medley de nueve canciones y de algo más de dieciséis minutos de duración que muestra muchas situaciones distintas.

Recordad que en aquella época lo que se llevaba eran los discos de vinilo con su cara A y su Cara B, pues bien, estas nueve canciones de las que nos vamos a ocupar en el día de hoy ocupaban esa cara B que está considerada como la mejor de la historia de la música. Yo no sé si será la mejor pero la más original y extraordinaria sin ningún lugar a dudas.

El medley se abre con “You Never Give Me Your Money”, una canción escrita por McCartney que habla de el estado cercano a la bancarrota en el que se encontraba “Apple Corps”, la empresa que habían creado para pagar menos impuestos y gestionar todos sus ingresos. Se trata de una canción en la que nos encontramos a un George Harrison más brillante y potente que nunca a la hora de tocar la guitarra, siendo él el verdadero protagonista de esta composición.

Si cuando la semana pasada abordamos la primera parte del disco nos encontramos con que el denominador común más claro era la originalidad y, en ocasiones, rareza de algunas de sus canciones, el medley del que nos ocupamos hoy redunda en estas características.

La segunda canción iba a titularse en un prinicipio “Here Comes the Sun King”, pero para evitar equivocaciones finalmente llevaría el nombre de “Sun King”. Estaría compuesta por Lennon y está repleta de originalidad en los apenas dos minutos que dura.

La fuente de inspiración sería “Albatross” de Fleetwood Mac que por aquella época habían abrazado el sonido de la psicodelia. Finalmente Lennon le daría un toque menos estridente a la par que original. Para empezar en este tema cantan tanto Lennon como McCartney como Harrison y su final roza el esperpento. Por un lado terminan cantando en una lengua extraña que es mezcla de inglés, italiano, español y portugúes y finaliza abruptamente, como si estuviese inacabada, para dar paso sin solución de continuidad a la siguiente composición. Ya os lo había dicho, cualquier parecido con lo hecho hasta entonces es pura coincidencia.

De los cuatro componentes del grupo, el que menos fe tuvo en este trabajo sin duda alguna fue Lennon. Como ya os he comentado en varias ocasiones, la decisión de disolverse estaba tomada y solamente faltaba escoger el momento, por lo que podía decirse que de alguna manera se estaban dejando llevar. De hecho, la aparición de “Abbey Road” tenía la intención en un primer momento de ser una especie de epílogo en su carrera juntos.

De ahí que en algunos momentos Lennon se mostrase demasiado crítico no tan solo con las composiciones que McCartney aportó al disco sino incluso con las suyas propias. Una de sus aportaciones sería “Mean Mr. Mustard”, una composición que creó durante la estancia del grupo en India y con la que no se sentiría demasiado satisfecho. Lo que sucede es que cuando alguién tiene el talento que el poseía, hasta cuando componen por componer logran grandes resultados.

Cualquier medley que se precie tiene como principal base argumental el equilibrio a la hora de escoger como enlazar las canciones que lo componen. Quiero decir que para que una serie de canciones unidas sin pausas logren sonar bien es muy importante escoger el orden en que van a ir apareciendo y en que momento de cada una de ellas se va a producir el correspondiente cambio. A ellos esta circunstancia no pareció preocuparles en exceso.

Puede parecer escuchando estas nueve canciones unidas sin solución de continuidad que las colocaron de manera totalmente aleatoria, pero eso no es cierto. Quisieron hacer algo distinto y lo consiguieron. Buscaron que cada nuevo corte fuese una sorpresa y en ocasiones rompiera totalmente con lo que acababa de sonar. Esta manera de crear su medley fue sin duda la clave de su gran éxito.

La mayoría de las canciones apenas superan el minuto de duración y siempre queda la sensación de quedarte con ganas de más. Da la sensación de que la canción no está completa y que te encantaría escucharla entera. Ésta era otra de las sensaciones que quisieron provocar: dejarnos siempre con ganas de más, como sucede con otra de las composiciones de Lennon, este “Polythene Pam”, otro de los momentos álgidos de esta colección de composiciones.

A diferencia de lo que sucedía con Lennon, McCartney sí que daba la impresión de poner todo su empeño en el que el disco fuese excepcional y lograra un gran éxito. Sus composiciones aportaron en esta ocasión mucho más que las de su compañero y en ellas puso mucho empeño en contar cosas que sucedía alrededor del grupo, vivencias propias. Podría decirse que mientras Lennon se tomó la grabación de “Abbey Road” como una obligación más, Paul lo vería como la oportunidad de hacer algo muy grande ahora que estaban tan cerca de arrojar la toalla.

En una de sus canciones, McCartney haría referencia a un suceso acontecido en sus propias carnes, cuando un grupo de fans entró por una ventana en su casa y se llevó algunas fotografías personales. Lo curioso del caso es que la cabecilla de esa “invasión”, terminaría siendo contratada por el grupo para trabajar en su corporación. Eran originales hasta decir basta. Eso sí, el buen rollito ayudaría a que pudiese recuperar la mayoría de esas fotos. Todos contentos.

La canción en cuestión llevaría el título de “She Came In Through The Bathroom Window” y muestra un sonido contundente muy similar al del resto de las aportaciones de Paul al disco.

La uniformidad que ha brillado por su ausencia hasta este momento aparece por fin en las tres últimas canciones del medley. Una parte simplemente excepcional, una auténtica genialidad, una especie de pequeña sinfonía de algo más de cinco minutos que puede considerarse como una de las mejores creaciones que fueran capaces de ofrecer en toda su carrera. Aunque solamente fuera por disfrutar de estas tres pequeñas composiciones unidas magistralmente, merecería la pena haber comprado el disco.

Analicemos brevemente estas tres maravillas:

La primera de las tres canciones es “Golden Slumbers” y McCartney se basaría para componerla en una canción de cuna que escuchaba cuando era niño. En ella contrasta de manera notable la dulzura y suavidad de la melodía con la gran intensidad y contundencia que Paul muestra en esta oportunidad con su voz.

A continuación llega otra auténtica genialidad ya que nos encontramos ante un momento nunca antes repetido y casi único. Se trata de “Carry That Weight” la única oportunidad que hemos tenido de escuchar la voz de los cuatro miembros de la banda cantando en una misma composición. Para quitarse el sombrero.

El cierre y momento culminante llega de la mano del tema titulado “The End”, aquí no se quebraron mucho la cabeza para elegir el título, una cancion impresionante, prácticamente instrumental y con arreglos orquestales que muestra un solo de batería de Ringo y a continuación un solo de guitarra de cada uno de los otros tres miembros del grupo, como si de un desafío se tratase. No podían haber elegido un final más espectacular.

No queda más que disfrutar de este excepcional trío de composiciones, en el que se incluye una magistral frase que lo resume todo: “Y al final, el amor que te llevas es equivalente al amor que das”.

Así es como debería haber acabado el disco, pero como todo él es una auténtica caja de sorpresas, todavía quedaría un brevísimo “número final” en forma de una canción que pasa por ser la más corta de toda la carrera de The Beatles con tan sólo 23 segundos de duración.

Esta breve composición lleva el título de “Her Majesty” y en un principio iba a ser el enlace entre los temas “Mean Mr. Mustard” y “Polythene Pam”, pero finalmente fue descartada esta posiblidad porque no les acababa de convencer. Sin embargo, la discográfica decidiría incluirla en el álbum en el último momento y al final del todo, por lo que se produce una pausa entre “The End” y esta última sorpresa que le da un efecto todavía más misterioso.

Esta canción está considerada como el primer “tema oculto” de la historia de la música, ya que su inclusión fue tan tardía que las portadas ya estaban fabricadas por lo que no aparece en los créditos de ninguna de ellas. Un disco único con un broche final también único.

Éste parecía que iba a ser su último disco juntos, pero después vendrían dos más a cada cual más genial: “Hey Jude” y “Let It Be”. Nunca sabremos si la estructura de “Abbey Road” habría sido la misma de saber que todavía iban a aguantar un año más juntos, pero de lo que no cabe duda es de que es un álbum digno de ocupar dos de nuestras páginas centrales como ha hecho en las dos últimas semanas. El listón se ha colocado muy alto pero os aseguro que lo que nos visitará en las próximas fechas en esta sección merecerá igualmente la pena.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Tras disfrutar de la espectacular página central de hoy, retomamos el viaje que hacemos a través de las listas y en el tiempo, para situarnos en la mágica década de los 80. Más concretamente en el día 17 de enero de 1988 momento en el cual estrenábamos nueva clasificación que presentaba una única novedad en forma de entrada, de la mano de uno de los grupos más importantes de la historia del pop español que se encontraba en su mejor momento.

Acababa de salir al mercado uno de los discos más emblemáticos de nuestra música y que iba a convertirse en un auténtico acontecimiento. Me estoy refiriendo al mítico “Camino Soria” de los inconfundibles Gabinete Caligari con Jaime Urrutia a la cabeza. Habían sido uno de los grupos abanderados de la movida madrileña y habían sabido evolucionar debidamente hasta convertirse en una de los bandas más destacadas del momento.

El primer sencillo en aparecer de este disco sería “La Sangre de tu Tristeza”, el que podía considerarse como la primera canción de su nueva y exitosa etapa. Sabían que se jugaban muchísimo y resultaron ganadores. Qué mejor puesta de largo que presentar el correspondiente videoclip en el también mítico programa televisivo “La Bola de Cristal”.

Ésta sería la única novedad que presentaría la lista graminoleña ese día, pero como podemos comprobar fue de auténtico lujo. “La Sangre de tu Tristeza” permanecería en lista 23 semanas alcanzando el top 12.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

El repaso a las novedades de la lista de los años 90 va a ser igual de breve que el que acabamos de darle a la de los 80, ya que no tendríamos más que una nueva canción que llevarnos a la boca en el ránking que estrenábamos el día 18 de enero de 1998. Eso sí, ya os advierto que es una canción de una calidad indiscutible.

Lighthouse Family habían irrumpido en el panorama musical internacional años atrás, convirtiéndose de inmediato en uno de los dúos más reconocidos en el Reino Unido. Sus composiciones de gran calidad, la manera de tocar el piano de Paul Tucker y, sobre todo, el carisma y la particularísima y acariciante voz de Tunde Baiyewu calarían claramente en el público.

Acababan de publicar su álbum “Postcards From Heaven” y como primer sencillo del mismo aparecería “Raincloud”, la canción que iba a suponer su debut en las listas graminoleñas y que tras 44 semanas en lista se quedaría al borde de llegar a lo más alto, teniendo que conformarse con el segundo puesto como mejor registro.

Sin duda alguna se encontraban en su mejor momento y durante un para de años más todavía disfrutarían de un gran prestigio. Sin embargo, fue tanta su exposición mediática, tantas sus actuaciones, tan grande su promoción que finalmente terminarían como vulgarmente se dice “quemándose”. Tras diez años juntos terminarían separándose y sus momementos de gloria se irían tan rápido como llegaron. Una pena porque su música era espectacular.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Acabamos el repaso semanal de nuestras listas más graminoleñas adentrándonos en la música de hace apenas diez años. Concretamente con la única novedad que iba a presentar la que estrenábamos el día 13 de enero de 2008, un dueto, entonces se llamaban así y no estaban tan extendidos, que permanecería con nosotros durante mucho, mucho tiempo.

Eros Ramazzotti acababa de publicar un recopliatorio de grandes éxitos titulado “E2” y como suele ser habitual en él se incluían algunos temas inéditos. El más destacado y elegido para promocionar el álbum sería una colaboración con el mismísimo Ricky Martin que se atrevería a cantar en italiano junto a Eros el tema “Non Siamo Soli”.

Por supuesto que no faltaría la versión en español tanto del álbum al completo como de esta canción en particular. En nuestro país llevaría el título de “No Estamos Solos” y permenecería en la lista durante nada más y nada menos que 57 semanas, alcanzando como mejor posición el puesto número cuatro. Además, esta canción es la última que Ramazzoti ha sido capaz de colocar en lista, suerte muy distinta a la de Martin que continúa siendo asiduo al ránking graminoleño.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Poco a poco nos vamos acercando al final y por ello nos adentramos en la sección más especial de “La Graminola”, la que siempre nos trae una música distinta y, al menos eso espero, muchos recuerdos. Hoy tiene un carácter muy distinto al habitual, más serio, de mayor calidad. Hoy vamos a deleitarnos con tres ejemplos de música étnica, de música con raíces, de la mano de tres grandísimos grupos que no son de los que más venden pero que merece la pena escuchar. Para empezar vámonos hasta Francia.

En el año 1972 iba a tomar forma en el país galo un grupo que iba a realizar música totalmente instrumental basándose en ritmos tradicionales y étnicos, bebiendo de las fuentes de distintas influencias, siendo la más marcada la de la música tradicional irlandesa, sin hacerle ascos al jazz, a la música clásica e incluso al rock. Su nombre: Gwendal.

De manera inmediata se convertirían en una referencia para muchos de los grupos que vendría después. De hecho, cualquiera de los grupos de heavy que incorporan en su música arreglos de música folk y similares, sin duda alguna Mago de Oz son el máximo exponente en nuestro páis, siempre han manifestado que beben de esa fuente que los franceses han sabido mostrarnos desde hace más de cuarenta años.

Su primer disco ya mostraría bien a las claras el esplendor de su gran talento. Su título sería “Iris Jig” y la canción que le da título alcanzaría un grandísimo éxito. Sin duda alguna nos encontramos ante una auténtica obra maestra.

Ni que decir tiene que Gwendal son una auténtica banda de culto y un fenómeno de masas en su país, pero el tirón que siempre han tenido en España ha sido también bastante notable. Baste con decir que el primer disco en directo que grabaron en su carrera en el año 1981 tuvo como escenario el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid. Este éxito entre el publico español sigue latente hoy en día, ya que los galos han sabido ir evolucionando en la instrumentalización de su música con el paso del tiempo. Son grandes, muy grandes.

Cambiamos radicalmente de registro y nos trasladamos ahora hasta tierras africanas, más concretamente hasta Sudáfrica, donde surgiría en el año 1960 un grupo coral que interpretaba su música utilizando como único instrumento sus propias voces y que se convertiría en uno de los abanderados por la lucha de la regeneración política de su país y por el fin del apartheid. Me estoy refiriendo a Ladysmith Black Mambazo.

Sin embargo, su repercusión internacional llegaría años más tarde, concretamente en el año 1986, cuando Paul Simon publicó su afamado y triunfal álbum “Graceland”, en el que daría la oportunidad a los sudafricanos de participar en varias de las canciones que en él se incluía y suponiendo el lanzamiento a nivel mundial de este grupo que calaría profundamente en el público de casi todo el mundo.

De hecho, algunas de las canciones fueron compuestas a medias por el propio Simon y el alma máter de los sudafricanos, Joseph Shabalala, dejándonos canciones espectaculares en las que el talento del norteamericano se veía arropado por la música tradicional zulú cantada a capella por un grupo de acompañamiento simplemente espectacular, dejándonos joyas como este “Diamonds on the Soles of Her Shoes”.

Para cerral la tan especial sección de “otras músicas” del día de hoy, vamos a volver a dar un grandísimo salto trasladándonos en esta oportunidad hasta el continente americano, más concretamente hasta Brasil, desde donde nos llega una preciosa y maravillosa historia de dos hermanos que casi sin proponérselo se convirtieron en un grupo de referencia de la música tradicional lationamericana. Sinceramente con la mágica historia que les rodea no me excplico que nadie haya sido capaz de rodar una película al respecto. Os lo cuento.

Mussapere y Herundy eran dos de los treinta hijos de uno de los caciques de una tribu indígena brasileña que vivía bastante apartada de la civilización. Corría la década de los años 30 cuando ambos se encontraron en la selva una guitarra olvidada por un grupo de exploradores blancos que habían pasado por allí. Ellos no habían visto en la vida un instrumento similar y tardaron unas cuantas semanas en darse cuenta de lo que podían hacer con ella, pero finalmente comprendieron que tocando sus cuerdas podían lograr sonidos bastante agradables.

De una manera inexplicable, ambos fueron capaces de aprender a tocar la guitarra de manera autodidacta, tomando la decisión de abandonar la tribu y encaminarse hasta la civilización buscando más respuestas y adentrarse más profundamente en el mundo de la música. Para ello se dirigieron a Río de Janeiro donde pronto llamaron la atención de los cazatalentos al darse cuenta del diamante en bruto que tenían ante sus ojos … y ante sus oídos. Tras la oportuna promoción iban a convertirse en uno de los dúos de música instrumental lationamericana más grandes de la historia.

Como véis la historia es una auténtica delicia, digna de una película o de un cuento de hadas. El dúo de hermanos brasileños tomaría el nombre artístico de Los Indios Tabajaras, ése era el nombre de su tribu, y durante muchos años lograron un grandísimo y rotundo éxito en toda Latinoamérica y en nuestro país. Su repertorio es gigantesco, pero yo me quedo con su versión de esa maravillosa canción que es “El Cóndor Pasa”.

No me canso de deciros que la música es algo muy especial que nos deja de manera inesperada historias tan mágicas y especiales como ésta. Hoy la sección de “También Es Música” ha dejado a un lado su habitual espíritu “erótico-festivo” y se ha puesto más serio, pero de lo que no me cabe ninguna duda es de que ha merecido la pena entrar en este territorio que a buen seguro protagonizará estas páginas en alguna ocasión más.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento de cerrar el número de “La Graminola” de hoy, y como siempre vamos a hacerlo con esa música que nos sigue llevando a otros tiempos y otros lugares y a alguna de las suculentas novedades que se cuecen actualmente en el panorama musical internacional. Es nuestro postre de cada semana, el que siempre nos deja un buen sabor de boca, aunque también un momento triste con la desaparición de una grandísima artista.

 

NOS HA DEJADO

 

El día 15 de enero se ha convertido en un día muy triste con la desparición de una cantante con mayúsculas: Dolores O’Riordan, la inconfundible voz de The Cranberries

 

Suele decirse cuando una persona desaparece de nuestras vidas eso de “siempre se van los mejores”, pero es que en casos como éste es simplemente la verdad pura y dura. Es difícil encontrar una vocalista tan maravillosa como ha sido la irlandesa Dolores O’Riordan, capaz de pasar en décimas de segundo de los graves a los agudos, de una voz suave y acariciante a otra contundente y arrebatadora.

Al frente de The Cranberries, junto a sus inseparables Feargal Lawler, Mike Hogan y Noel Hogan se convertiría en una de las bandas de referencia de los años 90, dejándonos una lista muy amplia de grandes éxitos y de canciones que se transformarían en auténticos himnos de esta década. Un grupo espectacular con una cantante espectacular.

Su vida siempre estuvo marcada por la tragedia y las dificultades. Cuando era muy niña su padre quedaría postrado en una silla de ruedas tras un accidente de tráfico y desde los ocho hasta los doce años sufriría abusos sexuales de una persona muy cercana a su entorno de la que nunca ha querido facilitar su identidad. Todas estas circunstancias la llevarían a padecer anorexia y en repetidas ocasiones ha caído en las garras de la depresión, intentando incluso quitarse la vida en una ocasión. Por si fuera poco, últimamente sufría fuertes dolores de espalda que la obligaban a suspender muchas de las actuaciones que tenía programadas en directo con motivo de la vuelta a la actividad del grupo después de varios años separados.

Sin duda alguna, su tema más representativo, el más conocido y el que es su auténtica seña de identidad es “Zombie”, una canción incluida en su segundo álbum, “No Need To Argue” publicado en el año 1994 y que habla del conflicto que vivía en aquella época Irlanda del Norte, más concretamente con un atentado del IRA que supuso la muerte de dos niños de corta edad. Una agria crítica, una maravillosa canción, una genial interpretación.

The Cranberries siempre han sido uno de mis grupos preferidos de la década de los 90 y por eso me voy a permitir obsequiaros con otra de sus canciones. Concretamente con la que a mí más me gusta y que considero una de las mejores composiciones de la música pop de esa época.

Se trata de una de las canciones incluídas en su álbum de debut, “Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?”, publicado en el año 1992 y que lo tiene absolutamente todo. Un inicio espectacular totalmente instrumental para dar paso después a la voz de Dolores más dulce que nunca y mostrar todos sus registros vocales con constantes inflexiones de voz. Se trata de “Dreams”, una canción mágica, una canción para soñar.

Nos dice adiós una artista de las grandes que nunca tuvo las cosas fáciles. De hecho la reunión del grupo de nuevo tras varios años separados estaba siendo también un auténtico infierno por sus constantes enfrentamientos con Noel Hogan. Todavía no ha trascendido las verdaderas causas de su muerte, aunque la policía ha descartado “causas extrañas”, pero habrá que permanecer atentos a las noticias que lleguen cuando se conozcan los resultados de la autopsia. De lo que no cabe ninguna duda es de que su música y, sobre todo, su manera de cantar ya se han convertido en irrepetibles.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

 

Que mejor canción para adornar el apartado que cada semana le dedicamos a la música en vivo que un auténtico himno que ensalza la música interpretada en directo. Además en un escenario tan espectacular como es la Ópera Estatal de Viena. La versión original es una maravilla, pero la que nos ofrecen en el día de hoy es una obra antológica.

 

He de reconoceros que cuando se me pasó por la cabeza este apartado de “La Graminola” en el que disfrutamos de magníficas versiones de grandes canciones interpretadas sobre un escenario en directo dudé bastanta a la hora de darle un título. Finalmente me decanté por el conocido de “Mejor en Directo”, pero por un momento pensé en denominarlo “Live is Life”, como la canción que viene a continuación, todo un clásico ochentero.

En el año 1985, un grupo austriaco llamado Opus logro un éxito de esos descomunales, gracias a una canción titulada “Live is Life” y que venía a rendir homenaje a la música en directo. Su melodía pegadiza y ese estribillo que invitaba al público a cantar lo de “na na na na na” les llevaría a los más alto de las listas de éxitos del mundo entero y se convertiría en una de esas canciones con las que pones a la gente en órbita en cualquier fiesta que se precie. Como ya digo, todo un clásico.

Más allá de este éxito, su trascendencia fuera de su Austria natal ha sido bastante poca, pero por aquellos lares si que se han mantenido en el candelero y son uno de los grupos mejor considerados en su país. En el año 2009, prácticamente 25 años después de triunfar con esta canción, publicaron un disco grabado en directo nada más y nada menos que en la Ópera Estatal de Viena, titulado “Tonight at the Opera” y en el que no podía faltar su famoso “Live is Life” que se vestiría de etiqueta con un espectacular acompañamiento orquestal. Merece la pena disfrutar de la canción de siempre, con un público más selecto de lo habitual pero entregado como el que más. Hoy os dejo una auténtica joyita.

 

EFEMÉRIDE

 

 

Tal día como hoy pero del año 1954 venía al mundo uno de los cantautores españoles más prolíficos y exitosos de siempre: José Luis Perales. Que levante la mano el que no haya cantado en alguna ocasión alguna de sus composiciones.

 

 

El 18 de enero de 1945 nacía en la localidad conquense de Castejón José Luis Perales, uno de los cantautores españoles más respetados y que más discos ha vendido en España y Latinoamérica. Hablar de él es hablar de prestigio. Hablar de él es hablar de la música en lengua española de los 70 y los 80.

Aunque sigue publicando discos regularmente, sus mayores logros fueron los cosechados en estas décadas que os menciono y últimamente ha desarrollado también su faceta como escritor. Su capacidad creativa está fuera de cualquier duda tanto por los éxitos logrados interpretados por él mismo como por grandes composiciones para otros artistas como el archiconocido “Porqué Te Vas” interpretado por Jeanette.

Para felicitarle debidamente por su 73 cumpleaños voy a marcharme al principio de los principios, al año 1973, momento en el cual publicaba su primer disco bajo el título de “Mis Canciones” y en el que se incluía la que iba a ser su puesta de largo en escena: “Cosas de Doña Asunción”.

 

NOVEDAD

 

Siempre se ha dicho que los viejos rockeros nunca mueren, y en el caso de Morrissey esa afirmación es una verdad como un templo. Acaba de publicar nuevo disco con las mismas ganas y las mismas fuerzas que siempre. Menos mal que nos siguen quedando los artistas de siempre para salir al rescate de la poca originalidad de la música de hoy en día.

 

La figura de Morrissey nunca ha dejado indiferente a nadie, y no solamente por su música. Su carácter indomable, por momentos insoportable, su involucración en temas sociales y políticos, nunca se ha mordido la lengua, y el haber sido el líder indiscutible de una de las mejores bandas de la historia del pop británico como fueron The Smiths, forman parte de su “historial académico” y le convierten en uno de esos artistas que está muy por encima del resto, en un auténtico referente.

Su nuevo trabajo lleva el título de “Low in High School” y nos muestra a un Morrissey más luchador y peleón que nunca, una vez superado un agresivo cáncer, y en el que despliega toda su fuerza tanto musical como letrista de siempre, con párrafos por momentos hirientes, por momentos melancólicos y suaves. Es un pedazo de disco, de lo mejorcito del año sin ningún lugar a dudas.

Cada nuevo disco es capaz de introducir algún pequeño avance que le hacen mantener una evolución lenta pero constante y en esta oportunidad no le hace ascos a utilizar sintetizadores de última generación. De lo que no cabe ninguna duda es de que su talento permanece intacto, ofreciéndonos canciones como “I Wish You Lonely”, un tema que invita a pensar que no todo está perdido en el mundo de la música de actualidad y que mientras sigan existiendo tipos como él capaces de hacer estas cosas, algún día la buena música volverá a reinar en el mundo.

Esto ha sido todo por hoy, Graminoleños.

Ya sabéis, nos vemos y nos escuchamos otra vez en siete días. Hasta entonces.

JUAN JOSÉ GOMARIZ

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LA GRAMINOLA – NÚMERO 7 – 11 DE ENERO DE 2018


LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA

Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.

Ya sabes que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

¿Quién es el personaje tan peculiar que aparece en la imagen? Pues es uno de los protagonistas de las novedades que presenta la lista de “La Graminola” de esta semana y ya os aviso que éste es su aspecto habitual. Junto a él y su acompañante femenina tendremos la habitual entrega de reggaetón. No podía faltar.

 

 

 

La sección dedicada a los pioneros hoy es muy especial ya que está protagonizada por grupos que cantaban en español, aunque dos de ellos llegaron desde Latinoamérica.

 

 

 

Cuando viajas a la década de los 60 y degustas la música que se escuchaba por entonces y formaba parte de nuestra lista, lo normal es que te encuentres con grandes clásicos. Como la única entrada de la lista del 7 de enero de 1968, nada más y nada menos que “The Letter” de The Box Tops.

 

 

En los 70 empezaron a aparecer artistas que hacían canciones a su manera, los famosos medleys. La semana pasada disfrutábamos de uno que venía desde Francia y en esta ocasión con otro que llegaba desde Canadá, con prácticamente todos y cada uno de los éxitos más significativos de los cuatro de Liverpool. Música de The Beatles de principio a fin.

 

 

Y ya que estamos hablando de Paul, John, George y Ringo que mejor que dedicarles nuestro póster central con el que pasa por ser el mejor disco que grabaron en toda su carrera. Nos ocupamos hoy de la primera parte dedicada a esa joya titulada “Abbey Road”.

 

 

 

La sección dedicada a los 80 viene cargada de auténticos himnos con la francesa Desireless, nuestra Marta Sánchez al frente de Olé-Olé y, sobre todo, con el debut de George Michael en solitario. Bueno, bonito y barato.

 

 

Todos amamos la música de los 80 pero también tenemos nuestro rinconcito en el corazón para la de los 90. La lista noventera de “La Graminola” nos trae también buena música, en esta oportunidad de la mano de The Corrs y uno de los más grandes grupos latinos de la historia como son Maná. Ya os digo, buenas canciones.

 

 

 

La lista del nuevo milenio presenta dos novedades, una eminentemente musical protagonizada por Jarabe de Palo y La Mari y otra muy futbolística con la que uno de los principales equipos de nuestro país celebraba su centenario. Un himno mítico que todos hemos tarareado en alguna ocasión seamos o no sevillistas.

 

 

 

La sección dedicada a las otras músicas, a las más especiales y disparatadas está bastante relacionada hoy con el mundo de los que algún día, hace ya bastante tiempo, fuimos unos tiernos niños. Todo ello dirigido por un anfitrión de lujo, nuestro querido Horacio, el discjockey campeón. Seguro que a muchos de vosotros va a traeros muchos recuerdos.

 

 

El momento de la despedida llega con France Gall, Clarence Clemons, Jackson Browne, Nirvana y Evanescence como protagonistas. Un grandísimo broche de oro.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Ya está aquí el momento en el que repasamos la lista más actual, la que contiene las canciones que más suenan en nuestro país, la que estrenamos el pasado día 7 de enero y que presenta dos novedades en forma de entrada que corresponden a … ¿Os imagináis que tipo de música presentan estas dos canciones? Pues sí, efectivamente, las habituales colaboraciones entre artistas, una de música electrónica y otra de música latina. No falla, es lo que hay.

Así que vamos a por la primera de ellas, que viene de la mano de dos artistas norteamericanos bien distintos que nos ofrecen una canción hecha única y exclusivamente para bailar. Una joven artista de esas que se inició en el mundo de la televisión siendo muy niña y un DJ que está ganándose un lugar en el panorama musical actual en gran medida por la incógnita que rodea a cual es su verdadera identidad.

Ella es Selena Gómez quien se inició en el mundo de las series televisivas para niños y jóvenes desde que tenía siete años, gracias sobre todo a la factoría Disney donde partició en episodios de “Zack & Cody” o “Hannah Montana” hasta que logró el papel de protagonista en “Los Magos de Waverly Place”, que la daría a conocer y le abriría las puertas para adentrarse en el mundo de la música.

Él responde al nombre de “Marshmello” y se ha convertido en uno de los productores y DJ de música electrónica de referencia del momento. Siempre aparece en público con su cara tapada con una máscara y nadie conoce realmente su identidad, lo que le da todavía más tirón entre el público. Se especula con que detrás de esa máscara se esconde el DJ Chris Comstock, más conocido como “Dotcom”, aunque solamente son especulaciones.

Juntos entran en la lista de esta semana con su tema “Wolves”, una canción que utiliza como introducción una melodía con una guitarra acústica con un marcado sonido country que acompaña a la voz de Selena hasta que finalmente rompe para ponernos a bailar. Ya os aviso que lo de “Marshmello” va a traer cola y a buen seguro que pronto le tenemos otra vez por aquí.

Vamos ahora con la segunda entrada de la semana, la habitual entrada de reggaetón de la que no nos libramos en ningún número de “La Graminola”. En esta oportunidad la colaboración viene de la mano de un panameño y un colombiano. Muchas veces parece lo de aquellos chistes de van un inglés, un francés y un español …

Dicen los entendidos que el inicio del reggaetón llego de la mano del “dembow”, un soniquete que comenzó a elaborarse en Puerto Rico y que según cuentan era una mezcla del reggae de siempre con ciertos ritmos cercanos al rap y al hip-hop. Si ellos lo dicen será verdad. Pues bien, la canción que viene a continuación es una especie de homenaje a semejante “soniquete”.

El panameño Joey Montana, que daría sus primeros pasos gracias al proyecto “La Factoría” y el colombiano Sebastián Yatra colocan en la lista este “Suena el Dembow” con el que los amantes de este ritmo deben gozar lo que no está escrito. A mí no me deja de sonar a un toque ciertamente cansino, pero es lo que triunfa ahora, así que no se hable más.

No sé si a vosotros os pasa lo mismo, pero yo cada semana tengo una sensación de “deja vue” cada vez que abordamos la lista de actualidad. Posiblemente sean manías mías.

LOS PIONEROS

Los que hayáis seguido “La Graminola” desde su transformación en una revista semanal, habréis comprobado que el protagonismo absoluto de esta sección lo han copado los artistas extranjeros, sobre todo norteamericanos. Muchos os estaréis preguntando que si aquí, en España, no hubo “pioneros”. Pues sí los hubo y de vez en cuando iremos dándoles el protagonismo que merecen. Y qué mejor que empezar hoy con los que pueden considerarse como los grandes responsables de que cuando todavía no habíamos entrado en la década de los 60 en nuestro país se empezara a escuchar rock & roll.

 

LOS LLOPIS / LA PUERTA VERDE

Aviso que los dos primeros grupos que van a aparecer a continuación no eran españoles, pero cantaban en español, durante mucho tiempo se afincaron aquí y fueron los responsables de que los jóvenes de estas tierras se interesaran por esa nueva música que no era demasiado entendida por sus mayores y en la que las autoridades franquistas veían cierto peligro. Como podemos comprobar no iba a ser tarea fácil.

Corría el año 1952 y el cubano Ñolo Llopis se trasladaba a Estados Unidos para iniciar sus estudios universitarios. Poco después le seguiría su hermano Francisco y muy pronto los dos quedarían atrapados por una música que estaba empezando a abrirse camino en Norteamérica: el rock. Cuando volvieron a su país unirían sus fuerzas con un saxofonista llamado Leandro y con otro joven cubano llamado Manolo Vegas que iba a convertirse en el vocalista del grupo y líder carismático del mismo. Habían nacido Los Llopis.

Pronto sus versiones de las canciones que triunfaban en los Estados Unidos, que con el paso del tiempo iban a convertirse en grandes clásicos de la historia de la música, empezarían a tener un gran éxito. Su manera de interpretarlas introduciendo su pequeño toque personal y siempre cantando en español les abriría el mercado latinoamericano primero y el español después.

Allá por el año 1959 viajaron por primera vez a España y en su primer concierto en un local de aforo bastante reducido y con una importante protección policial se convertiría en todo un acontecimiento, lo que les llevaría a instalarse durante unos cuantos años en nuestro país, pudiendo considerarse como los grandes responsables de que el rock & roll se instaurara definitivamente entre los gustos de los jóvenes españoles, gracias a canciones como esta versión de “La Puerta Verde”, el famoso “Green Door” de Jim Lowe.

 

LOS TEEN TOP / POPOTITOS

De Cuba viajamos hasta Méxito porque si Los LLopis fueron los primeros en introducir el rock en español en nuestro país, Los Teen Tops serían los primeros en lograr un éxito nunca visto hasta ese instante y arraigar definitivamente en España este estilo. Para que nos hagamos una idea, grupos como éstos imitaban a los Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry y compañía, y los primeros artistas nacidos en España que se adentraron en el mundo del rock a quien imitaban era a Los Teen Tops.

El grupo fue fundado en 1958 e inicialmente estaba formado por Armando Martínez, Sergio Martell y Jesús Martínez “El Tutti”. Pero sería un año después con la llegada de un nuevo vocalista cuando darían el salto definitivo hacia el éxito. El nuevo cantante del grupo iba a convertirse en una de las figuras del rock en español más grandes de Latinoamérica y su carisma y forma de cantar le convertirían también en un auténtico ídolo en nuestro país. Su nombre: Enrique Guzmán.

Para que nos hagamos una idea, Enrique Guzmán podría considerarse como el Miguel Ríos mexicano (o al revés porque primero llegó Enrique y después apareció Miguel), y cuando el grupo se disolvió definitivamente, el vocalista iniciaría una carrera como solista repleta de éxitos, siendo considerado como uno de los artistas más grandes que ha dado la música del pop y el rock en su México natal.

Pero centrándonos en su época de mayor esplendor hay que circunscribirse al inicio de la década de los 60, momento en el cual triunfarían a lo grande versionando también las grandes canciones de rock de las indiscutibles figuras norteamericanas. Yo me quedaría con la versión que hicieron del tema de Larry Williams titulado “Bony Moronie”. Gracias a ella los jóvenes españoles se enamorarían perdidamente de una novia que tenía unas piernas “como un par de carricitos”. Me estoy refiriendo a “Popotitos”.

Una vez introducido en España el rock & roll, de manera inmediata empezarían a surgir grupos españoles que abrirían el camino a los que vendrían después. Sin duda alguna el primero de todos es el que viene a continuación, una banda que no sería la que mayor éxito cosecharía pero que sería precursora absoluta del rock español. Un grupo repleto de grandes músicos que acabaría de manera trágica dando lugar a otros dos grupos que son historia del rock en España. Mejor os lo cuento.

 

LOS ESTUDIANTES / LA BAMBA

Ellos fueron los grandes artífices de que el rock hecho aquí se abriera camino dentro de los gustos de los jóvenes españoles de principios de la década de los 60. De hecho fueron el primer grupo español en publicar un disco que contenía canciones de rock.

Durante sus siete años de vida, por sus filas fueron entrando y saliendo continuamente distintos componentes, pero todos ellos tenían el denominador común de ser unos músicos de tremenda calidad. Los más destacados serían Fernando Arbex, Manolo González y Pepe Barranco, quienes una vez desaparecido el grupo fundarían nuevas bandas por todos conocidas como ahora os contaré.

Además no se contentarían con hacer versiones de otros artistas sino que las alternarían con composiciones propias y con canciones totalmente instrumentales, apoyándose en su gran calidad a la hora de tocar. Como ya os digo ellos fueron el primer grupo en publicar un disco de rock & roll, en el cual se incluían cuatro temas entre los que destacaba su particular versión de “La Bamba”.

Su andadura finalizaría de manera trágica en el año 1964 cuando dos de sus miembros, Luis Arbex, hermano de Fernando, y Luis Sartorius fallecían en un accidente de tráfico. El grupo se disolvería y cada uno de sus integrantes iniciaría nuevos proyectos. Pepe Barranco formaría Los Pekenikes, mientras que Fernando Arbex y Manolo González darían cuerpo a Los Brincos. Palabras mayores.

Y hasta aquí llega la primera sección de “Los Pioneros” dedicada a grupos que introdujeron en España el rock. No será la última, os lo garantizo.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Empezamos nuestro particular viaje en el tiempo de cada semana trasladándonos hasta el 7 de enero de 1968, momento en el cual estrenábamos nueva lista graminoleña en la que se presentaba como única novedad la entrada de una canción que con el paso de los años se ha convertido en un auténtico clásico y que adquiriría gran notoriedad por culpa de un conflicto bélico que coincidiría en el tiempo con este tema.

En el año 1967 iniciaba su andadura un grupo liderado por el cantante Alex Chilton que muy pronto serían considerados como uno de los primeros grupos que habían sido capaces de fusionar el soul con el pop. Tomaron el nombre de “The Box Tops” y desde el primer momento se habló de su música como “soul de ojos azules” ya que un estilo que estaba casi reservado en exclusiva para cantantes de raza negra era interpretado a la perfección por Chilton con esa voz rota y desgarrada que poseía, aún siendo blanco.

A finales de ese año 1967 publicaron el que iba a suponer el mayor éxito de su carrera, una canción titulada “The Letter” con la que se dieron a conocer y se ganaron el favor de público y crítica. Fue tanta la popularidad que alcanzaría esta composición que se convirtió en uno de los “himnos” de la Guerra del Vietnam que tenía dividida a la opinión pública norteamericana. Su primer gran bombazo y prácticamente el único, del que podríamos disfrutar durante 14 semanas para verles llegar hasta el puesto 23 de nuestra lista.

Después de escribir una de las cartas más famosas de la historia de la música, damos un salto en el tiempo y nos marchamos hasta el año 1978 para seguir disfrutando de la mejor música.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

La semana pasada veíamos como se colocaba en lo más alto de la lista una canción un tanto especial pero que como vamos a ir comprobando en las próximas semanas, desde ésta misma sn ir más lejos, crearía cierta tendencia. Os refresco la memoria.

El día 1 de enero de 1978, el francés Laurent Voulzy asaltaba el número uno de la lista de esa semana con una canción que contenía distintas secuencias de grandes éxitos de la música de los 60, lo que se dio en denonimar un “medley”. Pues bien, apenas siete días después, la única entrada en lista que se produciría el 8 de enero de ese mismo año estaría protagonizada por una canción de idénticas características, aunque en esta ocasión centrada en la música de uno de los grupos más importantes de la historia del rock.

En esa oportunidad sería un grupo canadiense quien se encargaría de dar un repaso a la música de The Beatles, con una canción de casi diez minutos de duración que incluía prácticamente todos sus éxitos. El grupo en cuestión atendía al nombre de “Café Creme” y estaba formado por distintos músicos de estudio, vamos que no buscaban más que conseguir un gran éxito sin la ambición de que el proyecto tuviera continuidad. A este medley le pondrían el peculiar título de “Unlimited Citations” y con él triunfarían en medio mundo, llegando lejos, muy lejos en nuestra lista como podremos comprobar a lo largo de las próximas semanas.

La proliferación de “medleys” a partir de este momento sería bastante grande y The Beatles volverían a ser protagonistas de otro tema con estos parámetros pero que superaría con creces al que hoy hemos asistido, con una calidad excepcional. Pero para eso habrá que esperar a que llegue su momento, tendréis que tener paciencia …

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Ya sabéis que la parte central de cada revista está dedicada a un álbum que puede considerarse como esencial dentro de la historia de la música y que desgranamos debidamente. Hasta ahora por aquí han ido pasando grandísimos artistas con maravillosos discos por lo que no es de extrañar que los protagonistas de nuestro póster de hoy sean los que son. Además de esta manera enlazamos la sección dedicada a la música de los 70 que acabamos de disfrutar con el álbum de la semana.

Si hablamos de grandes discos no puede faltar alguno de The Beatles, pero si hablamos de obras maestras hay que hablar de “Abbey Road” el que está considerado por muchos como el mejor disco de toda su carrera. Otros le ponen esa etiqueta a “Revolver”, a “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” o a “The White Album”, que en algún momento también pasarán por aquí, pero para empezar con los cuatro de Liverpool disfrutaremos del primero de ellos. Eso sí, dado que el álbum está formado por 17 canciones, va a protagonizar el poster de “La Graminola” tanto esta semana como la que viene.

THE BEATLES / ABBEY ROAD (PARTE 1)

Lo primero que hay que comentar sobre este disco es su espectacular portada. Nos encontramos ante una de las portadas de la historia de la música más famosas, más imitadas y recreadas, más comentadas , mas analizadas y que más repercusión ha tenido, incluyendo una teoría bastante imaginativa y de auténtica ciencia ficción que afecta a Paul Mccartney.

Esta teoría consiste en afirmar que Paul había fallecido hacía unos años y que estaba siendo sustituido por un doble. Los que defendían esta versión se basaban en lo que se veía en la portada. Hablaban de que había un mensaje subliminal en ella indicando la veracidad de ese fallecimiento, basándose en que Paul era el único que caminaba descalzo y con el paso cambiado con respecto a sus otros tres compañeros. De cualquier manera, la imagen de los cuatro atravesando el paso de cebra del cruce de las calles Grove End Road y Abbey Road en Londres es una de las más famosas de siempre.

Otra de las características más marcadas de este álbum es que las últimas nueve canciones del disco eran muy cortas y estaban entrelazadas en una especie de medley, algunas incluso no llegan a reproducirse enteras, lo que sorprendería totalmente a crítica y público que consideraría esta variante una auténtica genialidad. Así que en el día de hoy nos encargaremos de las ocho canciones propiamente dichas, las primeras del disco, y la semana que viene de ese imaginativo medley.

El álbum se abre con una de las canciones más oscuras en cuanto a sonido y con un ambiente más envolvente de toda su carrera que vendría acompañada de cierta polémica por un par de circunstancias. Se trata de “Come Together”, tema escrito por John Lennon, aunque ya sabemos que pese a que tanto él como Paul McCartney escribían sus canciones por separado, en los créditos siempre las firmaban como compositores Lennon & McCartney.

Dos complicados asuntos rodearían a esta canción. Por un lado Lennon la compondría para la campaña electoral de Timothy Leary quien competía con Ronald Reagan para convertirse en el nuevo gobernador de California. Todo se iría al traste cuand Leary fue detenido por posesión de marihuana. Por otra parte tendrían que hacer frente a una demanda judicial ya que una de las partes de su canción tenía demasiadas coincidencias con un tema de Chuck Berry titulado “You Can’t Catch Me”, aunque finalmente la sangre no llegaría al río y habría acuerdo amistoso.

“Abbey Road” sería publicado en el año 1969 y cerca estuvo de no ver la luz. Para aquel entonces las relaciones personales entre los miembros del grupo, sobre todo entre Paul y John, estaban bastante deterioradas y los cuatro veían como se acercaba a toda velocidad el final de su carrera juntos. Pese a ello accederían a grabar este álbum que en un principio se suponía iba a ser el último, motivo por el cual volcaron todo su talento y su profesionalidad en que fuera un trabajo único. Y bien que lo consiguieron.

En el disco podemos encontrar varios de los clásicos de su carrera, uno de ellos muy especial. De todos es sabido que John y Paul llevaban casi en exclusiva las tareas de composición de sus canciones, pero había siempre alguna excepción entre las que se encuentra el tema que viene a continuación, una canción que nacería del talento de George Harrison.

Esta canción había sido compuesta hacía ya tiempo por George, pero en un primer momento pensó en ofrecérsela a otro artista, ya que estaba acostumbrado a que sus composiciones finalmente o bien fuesen excluidas del disco o tuvieran un lugar menos destacado. En esta ocasión sorprendería a todos la decisión de que incluso fuese publicada como cara A de un sencillo, algo extraordinario que no había sucedido nunca antes. El tema se convertiría en el primer número uno de la carrera de The Beatles sin estar compuesto por Lennon o McCartney. Estoy hablando de la maravillosa “Something”.

La siguiente canción es una auténtica originalidad … o quizás el calificativo que mejor le vaya es “rareza”, ya que se trata de una composición relizada por McCartney en la que el ritmo de la música contrasta radicalmente con el de su letra. Me explico.

Se trata de “Maxwell’s Silver Hammer”, una canción con un ritmo trepidante, con una música alegre pero cuya letra narra la historia de un estudiante que mata con un martillo de plata a su novia, a su maestra y al juez que le termina juzgando. No cabe duda de que estaban convencidos de que llegaban al final y ya les daba un poco lo mismo lo que la crítica y el público pudieran opinar de sus canciones. Las componían, las grababan, las publicaban y punto. Podían permitírselo.

La variedad de ritmos que presenta el disco es excepcional. Normalmente The Beatles solían mostrar una gran uniformidad en sus discos. Muchos de ellos eran conceptuales y llevaban la típica continuidad de estos trabajos, mientras que otros se movían en las aguas del rock de sus primeros tiempos que poco a poco fue evolucionando hacia el pop-rock. Pues bien, en esta oportunidad tocan prácticamente todos los palillos posibles.

Una de las canciones que más me gustan de este espectacular disco es “Oh Darling”, una balada interpretada por McCartney, con un sentimiento que por momentos roza lo excesivo, y un ritmo que recuerda a las grandes baladas de rock de principios de los 60.

Pero el momento culminante del disco, en mi modesta opinión, viene a continuación. Como se suponía que iba a ser su último trabajo juntos, y habida cuenta de que las tensiones entre ellos eran bastante grandes, todo hay que decirlo, intentaron que el protagonismo de todos fuera más o menos igual, por lo que George y Ringo tendrían también sus momentos de gloria, algo que no siempre se permitía por parte de los acaparadores Lennon-McCartney.

De los cuatro, Ringo era el que menos protagonismo ha tenido en el grupo en las labores de composición. Siempre fue considerado como el “patito feo” y, sin embargo, de la mano de su talento saldrían algunas de las canciones a las que puede ponerse la etiqueta de excepcionales sin exagerar lo más mínimo. Una de ellas se incluye en “Abbey Road”.

Éste es el caso de “Octopus Garden”, una grandísima canción que interpretaría el propio Ringo y que se convertiría en uno de los momentos estelares del disco. Aquí os dejo una reciente versión de su autor en directo porque, aunque parezca mentira, no he podido encontrar ni un sólo vídeo con la canción original del álbum. Mucho internet pero los dichosos derechos de autor ejercen muchas veces de censores.

Como estamos comprobando, “Abbey Road” es verdaderamente un disco que se sale de lo normal. Su música es maravillosa pero sus principales características son su versatilidad y sus marcados contrastes. Canción a canción hemos ido escuchando como cada una de ellas se aparta de los cánones habituales del grupo y no hay una sola que nos deje de sorprender.

Pero si hay una que se lleva la palma es la que viene a continuación. Tiene una duración desproporcionada para la época, casi ocho minutos, algo impensable en una canción que no forme parte de una obra conceptual, y sin embargo solamente se escuchan en ella catorce palabras. Los acordes de guitarra se repiten una y otra vez con un sonido cercano al hard-rock y el final es brusco y abrupto, como si se hubiesen cansado de seguir tocando. Sin duda alguna, “I Want You (She’s So Heavy)” es una de las canciones más extrañas a la par que geniales que Lennon compusiera en The Beatles.

Todas y cada una de las canciones que se incluyen en este álbum tiene su pequeña historia detrás, sin excepción. Además, nos encontramos con una oportunidad casi única en su carrera, como es la tremenda calidad de los temas compuestos por Ringo y George que en ocasiones terminan por eclipsar a las creadas por sus otros dos compañeros de fatigas.

En este sentido, el talento de George Harrison estaba en todo su esplendor. Ya lo dejó claro con “Something” al principio del álbum e iba a repetir genialidad con otro de los grandes temas de su carrera en The Beatles, posiblemente el mejor de todos ellos.

El año 1969 fue muy duro para todos ellos, pero especialmente para Harrison. Fue arrestrado por posesión de marihuana, sufrió una amigdalitis que le trajo por la calle de la amargura y los enfrentamientos con el resto de los miembros del grupo hicieron el resto. Por aquella época atravesaban problemas económicos y las disputas eran continuas, por lo que decidió dejar el grupo durante unas semanas. En ese momento, apoyado por su gran amigo Eric Clapton, iba a componer una canción que hablaba de la liberación que sentía fuera de todos esos problemas, lejos de la compañía de los que durante algún tiempo habían sido casi sus hermanos. La canción no es otra que esa gran obra maestra titulada “Here Comes the Sun”.

Pero para gran historia y gran canción, la que viene a continuación. En esta oportunidad el responsable sería John Lennon con un tema que vería la luz gracias a la inspiración que le proporcionaría escuchar a la buena de Yoko Ono tocando el piano. Os cuento.

Yoko estaba interpretando al piano una tarde la conocida obra de Beethoven titulada “Claro de Luna” mientras John la escuchaba. En un momento dado él le solicitó que tocara las notas al revés, desde el final al principio, y ella así lo haría. De ahí surgiría una canción que tampoco encaja en el perfil habitual del grupo pero que una vez terminada está considerada como la mejor de todo el disco. No sé si será la mejor, pero la más conquistadora eso seguro.

Para terminar de rizar el rizo, la canción contaría con las voces de John, Paul y George que fueron grabadas por separado y por tripicado cada una de ellas. Una vez terminado el montaje obtendrían como resultado una canción suave y plácida con un coro de nueve voces titulada “Because”. De auténtico “chapeau”.

Las sorpresas no pararían aquí, pero para descubrirlas tendréis que esperar a la semana que viene con la publicación de un nuevo número de “La Graminola”, momento en el cual todos podremos disfrutar del resto de las canciones de este magnífico álbum que es “Abbey Road”. Así que ya sabéis, en siete días nos volvemos a ver por aquí, pero eso sí, ahora continuad leyendo y escuchando el resto de la revista porque viene buena, buenísima música.

Por cierto, habréis comprobado que los videoclips que acompañan al disco de hoy no son muy allá, pero es que poco más se puede hacer. Los tan traídos y llevados derechos de autor impiden poder afinar más, pero de cualquier modo sirven para recordar la buena música que contenía.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Vamos ahora con la mágica lista de nuestra década preferida, la de los 80. Y es que cuando la calificamos de mágica no es por capricho, es una realidad. En el día de hoy tres son los temas que van a sonar, dos de ellos totalmente emblemáticos para sus artistas. Como lo mejor es empezar por el principio, hagámoslo con el nuevo número uno de la lista que se estrenaba el 10 de enero de 1988.

Para ello vamos a viajar hasta Francia desde donde llega la artista que ese año lograría un tremendo éxito con una de sus canciones que iba a lanzarla al estrellato, aunque éste sería bastante efímero porque terminaría convirtiéndose en una de esas cantantes que acaba siendo devorada por el tremendo éxito de uno de sus temas.

La cantante en cuestión es Desireless quien nos pondría bailar una y otra vez con “Voyage, Voyage”, uno de los mayores himnos de la música de los 80. Fue tan rotundo su éxito que no sería capaz de remontar el vuelo después de esta canción. Ya sabemos, lo de que las comparaciones son odiosas.

Lo más curioso de esta canción es que a pesar de ser un auténtico bombazo en toda Europa y alcanzar el número uno en casi todos sus países, en su Francia natal nunca llegaría a liderar la lista, teniendo que conformarse con el segundo puesto. Aquí, si lo lograría, permaneciendo en lo más alto durante 6 semanas de las 48 que estuvo en ella. Buenos números.

Si esta canción es un auténtico himno, la que viene a continuación, primera de las dos entradas que tuvo ese día la lista, lo es igualmente, además de una descomunal composición de uno de los mejores artistas de los 80 y los 90 que no hace demasiado tiempo que nos ha dejado trágicamente.

George Michael publicaba su primer disco en solitario tras la disolución de Wham. La expectación era muy grande ya que él quería demostrar que era algo más que un producto para ser consumido por quinceañeras, y bien que iba a demostrar desde el primer momento que efectivamente era mucho más que eso.

Su debut en la lista graminoleña vendría de la mano de Faith, una espectacular canción con una introducción de un órgano de iglesia cuyo sonido va creciendo en intensidad, para dar paso al sonido de las guitarras con un riff inconfundible y a la voz susurrante de Michael criticando lo frívolo de las relaciones amorososas de aquella época. Ver para creer, escuchar para disfrutar.

La imagen de George Michael que aparece en el videoclip con gafas de sol, barba de varios días, chaqueta de cuero, pantalones vaqueros rotos y botas de vaquero pisando una gramola al ritmo de las guitarras es uno de los iconos más característicos del propio artista y del sonido de los 80. Muy grande.

Para cerrar el apartado de la música de los 80, más concretamente a las novedades que nos trajo la lista del 10 de enero de 1988, vamos con un tema patrio bastante más discretito que los dos anteriores, que viene de la mano de uno de los grupos más reconocidos y de mayor éxito de aquella época aunque para aquel entonces ya estaban empezando a retroceder. Estoy hablando de Olé Olé.

Ese año publicaban su cuarto álbum, titulado “Los Caballeros las Prefieren Rubias”, en el que el protagonismo absoluto de Marta Sánchez era ya más que notorio. Ese día colocaban en la lista graminoleña este “Yo Soy Infiel”, que permanecería en ella durante 5 semanas alcanzando como mejor puesto el número 34. Como ya digo todo bastante discreto.

Como decía Porky: “lástima que terminó el festival de hoy, pronto volveremos con más ilusiones”. Vamos que por hoy decimos adiós a los 80 pero seguimos con buena música porque le damos la bienvenida a la también especial década de los 90.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Dos son las canciones correspondientes a la década de los 90 que van a pasar por este apartado en el día de hoy, porque dos fueron las canciones que entraron en la lista que se estrenó el 11 de enero de 1998. Vienen de la mano de dos grandes grupos, uno irlandés y el otro mexicano. Para empezar viajemos al norte de Europa.

Dos años atrás, “The Corrs” habían irrumpido en el panorama musical internacional como uno de los grupos con un sonido más fresco y original mezclando buen pop con folk irlandés. Su álbum de debut titulado “Forgiven, Not Forgotten” fue sin duda alguna una de las grandes y más agradables sorpresas del año 1995.

En el año 1997 saldría al mercado su segundo álbum, titulado “Talk On Corners” en el que sin abandonar del todo los toques de música tradicional de su país, experimentaron un marcado giro más hacia el pop. Un disco en el que las baladas y los medios tiempos lucirían claramente.

El sencillo de presentación de éste su segundo disco sería precisamente una balada titulada “Only When I Sleep”, que si bien en un principio no tuvo tanta aceptación como los singles publicados de su primer trabajo, con el paso del tiempo se ha convertido en uno de sus grandes clásicos, dejándonos pocos años después una espectacular versión en vivo para su disco “Unplugged”. Pero como la que entró en lista la semana de la que nos estamos encargando es la versión de estudio, ésa es la que viene a continuación.

Lo curioso del caso es que esta canción sería el debut de The Corrs enla lista de “La Graminola” y no les iriía nada mal, ya que permanecería en ella durante 45 largas semanas llegando incluso a liderarla. Y eso sólo para empezar.

La segunda canción “noventera” nos viene desde México de la mano de uno de los grupos más destacados de habla hispano. Un grupo latino que hace música a la europea o música europea con toques latinos … En fin, no sabía muy bien como calificarlos debidamente pero lo que sí que queda claro es que son muy buenos.

Me estoy refiriendo a Maná que por aquel entonces eran el grupo de más exito en toda Hispanoamérica y ya habián conseguido también el reconocimiento en gran parte de Europa, sobre todo en España, donde se habían convertido en uno de esos grupos que se esperaba con muchas ganas cada vez que venían por aquí de gira.

Acababa de publicar su disco “Sueños Líquidos” de donde se extraería la canción que entraba en lista esa semana. Se trata de “Clavado en un Bar”, uno de esos temas que les acercaba cada vez más el estrellato en Europa, con un sonido que gustaba mucho por aquí en aquel entonces. Con él permanecerían en lista 11 semanas alcanzando como mejor posición la número 28. Discretos resultados para una gran canción.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Cerramos el capítulo del repaso que damos cada semana a las distintas listas graminoleñas de la historia, centrándonos en la que se estrenaba el día de Reyes del año 2008, momento en el cual se producía un relevo muy especial en el número uno. Una canción que ya había pasado por ese maravilloso primer puesto y que además pasa por ser el tema que más semanas ha permanecido en la lista de “La Graminola” de todos los tiempos. No añado la coletilla de “hasta ahora” porque dudo mucho que alguien sea capaz de llegar a sus números.

Nadie podía imaginarse ni por asomo cuando en el año 2005 el Sevilla F.C. celebraba su centenario, que el himno que un artista sevillano iba a grabar en conmemoración del mismo iba a convertirse en una de las canciones más vendidas en la historia de la música española. Su responsable, Javier Labandón, o lo que es lo mismo, El Arrebato, ha reconocido en algunas ocasiones que se vió totalmente desbordado por él exito que su canción iba a cosechar.

El día 6 de enero de 2008, cuando ya llevaba 119 semanas en lista, el “Himno Oficial del Sevilla F.C.” iba a recuperar el número uno que ya había ocupado antes durante 3 semanas. Lo cierto es que esta rumba tan descomunal no solamente calaría profundamente en la afición sevillista, sino que toda España, fuera del equipo que fuera, se sentiría atrapada por su magia.

Fueron más de tres años, se dice pronto, los que este himno permaneció en lista. Debutó el 2 de octubre de 2005 y durante 178 semanas ininterrumpidas formaría parte del ranking graminoleño. Que una canción relacionada con un equipo de fútbol que no sean el Madrid o el Barça obtenga estos números es como para considerar que esta composición es grande, muy grande. Y el Sevilla F.C., también.

La otra canción que viene a nuestras páginas en el día de hoy es la única entrada en lista de la semana del nuevo milenio de la que nos estamos ocupando. Una peculiar colaboración entre dos artistas de fuerte carácter y gran personalidad que con el paso del tiempo han tenido algo más en común. Estoy hablando de Pau Danes y La Mari.

El primero, alma máter de Jarabe de Palo, acababa de publicar junto a su grupo un nuevo disco titulado “Adelantado”, en el que iban a contar con importantes colaboraciones. La más destacada sería la que protagonizaría con La Mari, la mágica voz de Chambao, con este “Déjame Vivir” que permanecería 34 semanas en la lista alcanzando como mejor registro el puesto número 15.

Sirva el cierre al repaso semanal de las listas de distintas décadas para rendir un merecido homenaje a estos dos artistas. Son grandes no solamente por su música sino que también lo son por su ejemplo en la vida. La Mari superó hace ya bastante tiempo un cáncer de mama con una grandísima fortaleza, mientras que Pau Danés todavía continúa luchando contra esta endemoniada enfermedad. Primero fue un cáncer de colon y cuando todo parecía solucionado se encontró con una inesperada metástasis en el peritoneo. No me cabe ninguna duda de que ganará la partida definitivamente.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Vamos ya con esa sección que sé que muchos esperáis todas las semanas. Y es que hablar de esos otros artistas, de esas otras canciones que no son las mejores del mundo pero que nos traen igualmente muchos recuerdos y, en la mayoría de las ocasiones, nos dibujan una sonrisa en la cara, siempre merece la pena. Hoy tenemos de todo como en botica, pero para empezar vamos con dos hermanos que bien podían haber pasado por la sección de “Los Pioneros” por ofrecernos una de las primeras coreografías “virales” de la historia de la música moderna.

Tony Ronald, al que muchos recordaréis y en algún momento pasará por la revista, llegaría a nuestro país desde su Holanda natal a principios de la década de los 60 con el objetivo de abrirse camino en el mundo de la música. Para ello uniría sus fuerzas con un compatriota suyo llamado Charley Kurt formando el dúo “Tony & Charley”, aunque su recorrido sería bastante corto ya que no acabaron de encajar adecuadamente en gran medida porque el potencial de Tony era muy grande como se vería de manera inmediata al iniciar su carrera como solista.

Charley no se rendiría y lo volvería a intentar, en esta ocasión con su hermano Johnny, tomando el nombre de “Johnny & Charley”. En el año 1964 iban a lograr un éxito tremendo gracias a una peculiar canción, con una letra sencillísima y un baile con una coreografía muy fácil que se haría muy popular de manera inmediata. Con “La Yenka” dieron claramente en el clavo, convirtiéndola en un auténtico clásico de la música sesentera. Ya sabéis: “izquierda, izquierda, derecha, derecha, adelante, detrás … un, dos, tres”.

Para que nos hagamos una idea de lo que esta canción supondría en aquel momento baste con observar un detalle. En una por aquel entonces innovadora labor de márqueting, en la contraportada del single aparecían dibujadas unas pisadas que marcaban el movimiento que había que hacer para bailar “La Yenka”. Lamentablemente, el fallecimiento de Charley en un accidente de tráfico daría al traste con las aspiraciones musicales del dúo que pasaría a la historía únicamente con esta composición.

Cambiamos radicalmente de estilo para acercarnos a un programa infantil que se emitió por TVE entre los años 1981 y 1984, en el que entre sus secciones se incluía una que intentaba acercar la música de actualidad del pop español que empezaba a irrumpir como un auténtico cohete en aquella época. El programa en cuestión empezó denominándose “Sabadabada” y posteriormente tomaría el nombre de “Dabadabada”.

El programa estaba presentado por la joven Sonia Martínez, que en aquella época adquirió una gran popularidad que no supo asimilar, cayendo atrapada en el mundo de las drogas que la llevaría a su fallecimiento pocos años después. Pero junto a ella, la gran estrella era Horacio Pinchadiscos, una marioneta que hacía el papel de DJ en su sección, que presentaba las canciones de grupos como Los Secretos o Coz, por ejemplo, interpretadas también por marionetas.

Este peculiar personaje tenía incluso su propia canción que también adquirió gran popularidad. Aquello de “Horacio, como te lo montas tío”, se convirtió en una frase de moda. Más allá de que era un programa para niños, el acercar la buena música a los más jóvenes me parece un grandísimo acierto. Por cierto, junto a él intepretaban la canción un grupo infantil denominado “Regaliz” que también estaba de moda por entonces.

Para cerrar la sección de “música especial” del día de hoy, vamos a seguir con otro de los míticos programas infantiles de la historia de la televisión, que se emitiría entre los años 1974 a 1979 y cuya sintonía fue obra de uno de los grupos españoles de mayor éxito a finales de los 60 y principios de los 70.

Los Albas habían logrado bastante éxito en nuestro país gracias a sus versiones de temas en ocasiones de otros artistas, en ocasiones de canciones populares, interpretadas todas ellas con un sonido mucho más pop e intenso. En el año 1974 participarían en una de las ediciones del Festival de la Canción Infantil en el que resultarían ganadores. El premio sería grabar la sintonía de un programa infantil que iba a estrenarse de manera inmediata en TVE y que iba a convertirse en uno de los programas de este tipo más recordados de siempre.

El programa no es otro que “Un Globo, Dos Globos, Tres Globos” y ellos los responsables de aquella letra que decía: “un globo, dos globos, tres globos, la tierra es un globo donde vivo yo …” ¡Qué recuerdos!

Aquí cerramos el capítulo dedicado a la música más especial que volverá en siete días. Ahora os invito a todos a rematar la faena con nuestra espectacular contraportada. A por ella.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento del postre, de ese dulce sabor de boca que nos deja cada semana la contraportada de “La Graminola”. Ya sabéis, un triste adiós, un recuerdo, un directo y una novedad, todo para disfrutar a lo grande.

NOS HA DEJADO

 

 

Otra vez el mundo de la música francesa está de luto. En esta oportunidad el cáncer se ha llevado consigo a una de las reinas yeyés de la música del país vecino, la siempre avanzada a su tiempo France Gall.

 

 

Si hace unas semanas nos dejaba Johnny Halliday, dejando huérfana a la música francesa, hace unos días ha sido France Gall, una de las mujeres más queridas y reconocidas en el país galo, la que nos ha abandonado a los 70 años de edad víctima de ese cáncer que le rondó durante gran parte de su vida. Desde aquí quiero rendir un pequeño tributo a su persona.

Las décadas de los 60 y los 70 fueron sus mejores momentos, aunque un inesperado retorno en los 80 la devolvería al candelero. Sus primeros éxitos llegaron de la mano del siempre polémico Serge Gainsbourg, aunque cierto es que gracias a él lograría el mayor éxito de su carrera al ganar el festival de Eurovisión en el año 1965 representando a Luxemburgo con una canción compuesta por él.

Su relación después acabaría como el rosario de la aurora ya que la canción “Les Sucettes”, también obra de Gainsbourg e interpretada por Gall, tenía un doble sentido de carácter sexual muy evidente en su letra, circunstancia de la que no se había percatado la cantante, lo que le ocasionaría múltiples burlas. De cualquier modo deleitémonos con “Poupée de cire, Poupée de Son”, el tema con el que vencería en Eurovision.

Su vida siempre estuvo marcada por la tragedia. En el año 1992 sufrió la pérdida de su marido tras sufrir un infarto mientras jugaba un partido de tenis. Apenas un año después, justo cuando empezaba a superar el drama, le diagnosticaron un agresivo cáncer de mama que la tuvo fuera de la circulación durante unos cuantos años. Por si fuera poco, en el año 1997 su hija mayor fallecía como consecuencia de complicaciones surgidas en la fibrosis quística que padecía. Esta losa ya no sería capaz de soportarla y supondría el abandono definitivo de su carrera. El cáncer, el maldito cáncer repuntó hace unos cuantos meses y finalmente ha acabado con ella. Descanse en paz.

 

EFEMÉRIDE

 

 

El saxofonista de cabecera del mismísimo Bruce Springsteen, nació tal día como hoy en el año 1942. Clarence Clemons no solamente fue uno de los miembros más carismáticos de la E. Street Band sino que también el mejor amigo del Boss hasta el momento de su muerte.

 

Sin duda la mejor época de Bruce Springsteen, sus mejores tiempos, siempre se han producido cuando se sentía arropado y acompañado por la E. Street Band, dentro de la cual las figuras de Steve Van Zandt y Clarence Clemons brillaban con luz propia.

Clemons también hizo sus pinitos al margen de su querido amigo Springsteen y en el año 1985 publicaba un disco en solitario titulado “Hero” en el que se incluía como canción estrella un dueto con otro de los grandes de la música norteamericana como es “Jackson Browne”. Verlos y escucharlos en este “You’re a Friend of Me” es un auténtico privilegio.

Clarence Clemons fallecería en el año 2011 tras sufrir un derrame cerebral. El mundo de la música se quedaría huérfano desde aquel momento de uno de los acompañantes más carismáticos de la historia de la música.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

Que un grupo grunge sea capaz de sonar de manera espectacular en acústico parece difícil, pero si el encargado es Kurt Cobain, la cosa cambia considerablemente.

 

Los conciertos acústicos promovidos por la cadena televisiva MTV se pusieron de moda en la década de los 90 y no hubo artista que se preciara que no acabase atrapado en la tentación de ofrecer un concierto de estas características, que debiamente grabado terminaba apareciendo en el mercado en forma de disco en vivo. Pocos podía imaginar que Nirvana serían capaces de sonar con la magia que lo hicieron con sus guitarras “desconectadas”.

En el año 1993 ofrecerían su particular “unplugged” agrandando todavía más su silueta de gran banda dentro del panorama musical internacional. Entre las canciones que interpretarían aquel día se incluía una versión del clásico de David Bowie titulado “The Man Who Sold The World” y creedme que aunque parezca mentira, la copia casi supera al original. Simplemente una maravilla.

 

NOVEDAD

 

Los norteamericanos Evanescence acaban de publicar su último disco, un recopilatorio que contiene sus grandes éxitos de siempre, versionados de otra manera, así como varios temas inéditos. Un buen disco.

 

Parece que fue ayer y fue ya hace 17 años cuando Evanescence irrumpió en el mundo de la música cosechando un tremendo éxito con su álbum de debut “Fallen”, a base de hacer buen rock con unas señas de identidad muy claras. Podría decirse que fueron uno de los primeros grupos en hacer rock al estilo del nuevo milenio.

Después de distintos altibajos, de dejarlo y volver, de numerosos cambios en su formación, los estadounidenses se han embarcado en una nueva gira para promocionar “Synthesis”, su último trabajo, en el que se incluyen algunas de sus mejores canciones versionadas con arreglos orquestales y algunos elementos de música electrónica y varios temas nuevos. Suenan distintos pero siguen sonando con la misma potencia de siempre.

Entre las nuevas canciones destaca “Imperfection”, un tema que muestra todos los registros habituales del grupo con un inicio calmado e instrumental en el que predomina el sonido del piano para romper con gran potencia posteriormente aunque con un sonido más electrónico que eléctrico. Eso sí, lo que no ha cambiado lo más mínimo es la atrayente figura de su vocalista Amy Lee que con su voz es capaz de conquistarnos a todos, además de seguir manteniendo esa imagen mágica, enigmática, gótica, conquistadora.

Esto es todo por hoy. Ya sabéis que solamente tenéis que esperar siete días para disfrutar del siguiente número de “La Graminola”. Ya sé que se hará un poco largo, pero escuchando buena música lo llevaréis mucho mejor. Os espero a todos.

Hasta entonces, Graminoleños.

JUAN JOSÉ GOMARIZ.