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LA GRAMINOLA – NÚMERO 30 – 21 DE JUNIO DE 2018


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Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

La lista de actualidad de esta semana nos trae cambio en el número 1 con una de las canciones del verano y hace subir la temperatura con estas dos chicas: Becky G y Natti Natasha que entran en nuestro ránking. Más de lo mismo, ya os advierto.

 

La sección de “Los Pioneros” nos trae la maravillosa música de uno de los chicos más malos de la historia del rock & roll. Él es el grandísimo Chuck Berry y sin él nada habría sido igual.

 

 

La lista de la década de los 60 de esta semana no presentaba ninguna novedad que llevarnos a los oídos, pero para compensarlo disfrutaremos de uno de los clásicos de The Rolling Stones que vino precedido de una gran polémica por su letra y por su título. A partir de ese momento pasarían a ser conocidos como “Sus Satánicas Majestades”. No os lo perdáis.

 

 

La lista de los 70 está protagonizada en exclusiva por uno de los grupos italianos que triufaron a lo grande durante aquella época. Se hacían llamar Matia Bazar y nos presentan su mayor éxito: “Sólo Tú”.

 

 

Un grandísimo artista: Carlos Goñi. Un grandísimo grupo: Revólver. Un grandísimo disco: El Dorado. Con todas estas premisas el póster central de “La Graminola” de esta semana es un auténtico lujo. Buen rock & roll, mucho sentimiento, buenas letras y un sonido espectacular. Para disfrutarlo a lo grande.

 

 

 

La música de los 80 nos llega de la mano de un asiduo a nuestra revista como es Sting. En esta ocasión nos regala uno de los mejores temas de su carrera: “Fragile”.

 

 

Se hacían llamar Aqua”, fueron uno de los grupos más destacados del Eurodance de los 90 y nos ofrecen uno de sus clásicos.  Por cierto, también tenemos cambio de liderato.

 

 

Surgieron de la nada como un proyecto prometedor pero sus compromisos con sus respectivas bandas fueron los responsables de su corto recorrido. Son “The Last Shadows Puppets” y protagonizan la lista del nuevo milenio.

 

 

Desde esta semana y durante los tres proximos meses la sección más disparatada de la revista estará protagonizada por ritmos veraniegos de todos los tiempos. Para empezar nos visitan Luis Aguilé, Los 3 Sudamericanos y Los Mismos.

 

 

Tan refrescante como esta imagen es la contraportada de esta semana que nos trae como siempre una despedida de lujo. En esta ocasión la música corre a cargo de Mano Negra, Espontáneos y Reto Burrell. Una despedida que es simplemente un hasta la semana que viene.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Se nota que ya es verano definitivamente y no solamente por el ambiente climatológico sino también por la actividad musical. Si nos centramos únicamente en la calidad de los discos que van surgiendo en esta época nos daremos cuenta de que desciende considerablemente para adentraros en el siempre peligroso terreno de la “pachanga”, aunque cierto es que el resto del año no es tampoco para tirar cohetes, todo hay que decirlo.

Basta con echar un vistazo a las dos novedades más destacadas de la lista graminoleña de actualidad para corroborar lo que os estoy contando. En ella se produce el cambio en el número 1 y una nueva entrada y ambas vienen marcadas por el sonido veraniego y latino, sí hoy hay reggaetón, que prácticamente lo copa todo en estas fechas. Nos quedan tres meses duros, muy duros, musicalmente hablando.

Comenzamos pues con el cambio en los más alto de nuestro ránking. Tras nada más y nada menos que 21 semanas ocupando el lugar más privilegiado de nuestra lista, Camila Cabello & Young Thug con su “Havana” ceden su posición a un tema que ya os anuncié en su momento que tenía pinta de ser una de las canciones del verano de este año. Eso sí, no descartaría yo que esta pareja que ha cedido terreno esta semana pueda recuperar en un futuro el liderato, no me extrañaría nada.

Los protagonistas del nuevo número uno son también un dúo y de igual manera nos ofrecen un ritmo latino por los cuatro costados. Se trata de Luis Fonsi y Demi Lovato, quienes con este cálido “Échame la Culpa” (el “Despacito” de este 2018), ocupan el primer puesto de la lista de actualidad desde el pasado 17 de junio. Curioso lo de Fonsi que ha logrado por fin colocarse en lo más alto tras quedarse al borde de hacerlo el año pasado acompañado de Nicky Jam. Al final todo llega.

La nueva entrada de la semana es … para mí es una auténtica aberración. Sé que soy muy repetitivo pero creo que la cuerda de este tipo de música se está estirando tanto que en algún momento terminará rompiéndose. Mucho agradeceremos algunos que esto suceda. Bueno, al grano. El nuevo sencillo de nuestra lista nos lo traen dos jóvenes y atractivas señoritas que han revolucionado a todo el mundo con un videoclip de esos que … mejor lo veis en un momento.

Sus protagonistas son las norteamerican de ascendencia mexicana Becky G y la dominicana Natti Natasha, habituales colaboradoras de artistas como Daddy Yankee, Don Omar o Selena Gómez entre otros. Vamos la flor y nata de la música latina de nuestros tiempos.

La colaboración en cuestión lleva el título de “Sin Pijama”, el título ya anuncia lo peor, y su mayor mérito es un videoclip promocional que ha caldeado el ambiente considerablemente con las dos ¿artistas? luciendo palmito bastante ligeras de ropa acompañadas de unas cuantas modelos en ropa interior. No haré más comentarios que me enciendo …

 

LOS PIONEROS

La sección de “Los Pioneros” de esta semana esta protagonizada por uno de esos “chicos malos” de la historia del rock. Un músico excepcional, revolucionario en su momento, innovador y precursor del verdadero y genuino rock & roll, fuente de inspiración de tantos y tantos guitarristas que han ido viniendo después y poseedor de una personalidad conflictiva hasta decir basta que le llevaría protagonizar comportamientos nada apropiados que darían con sus huesos en prisión en varias ocasiones. Estoy hablando del grandísimo e inimitalbe Chuck Berry.

Comportamientos inapropiados al margen, su legado es maravilloso y su música es parte de la historia del rock & roll, con grandísimos clásicos, una inconfundible manera de tocar la guitarra y una personalidad arrolladora. Difícil es plasmar aquí debidamente su gran trascendencia en la historia del rock, pero vamos a intentar condensarla en tres de sus temas más representativos, tres auténticos himnos del rock & roll de todos los tiempos.

 

ROLL OVER BEETHOVEN

Hasta llegar a convertirse en una auténtica figura, Berry tuvo que ganárselo prácticamente sin ayuda. Desde muy niño se interesó por la música y se propuso aprender a tocar la guitarra. Como procedía de una familia muy humilde no podía permitirse ni comprarse el instrumento ni recibir clases para aprender a tocarlo, pero gracias a un vecino que le prestó su guitarra y a la ayuda de un libro que daba las claves para tocarlo debidamente lograría convertirse en todo un virtuoso guitarrista de manera autodidacta. Apuntaba maneras el chaval.

Los responsables del prestigioso sello “Chess” se dieron cuenta de manera inmediata de su potencial por lo que no dudaron en ofrecerle un contrato. Los resultados esperados se producirían de manera inmediata y en el año 1955 ya daría muestras de su valía con el primer gran éxito de su carrera titulado “Maybellene” que no era más que el anticipo de lo que estaba por venir tan sólo un año después.

Sería en el año 1956 cuando nos obsequiería con el que puede considerarse como el primer gran clásico de la historia del rock & roll, una composición que se abre con el riff de guitarra más conocido e imitado de la historia y que supuso una evolución del tradicional rhythm & blues hacia el rock & roll. Estoy hablando de el mítico “Roll Over Beethoven”.

Durante toda su carrera, Berry mostró una obsesión por convencer a todo el mundo de que la nueva “música clásica” era el rock, repudiando a la primera y promocionando al máximo la segunda, por eso no es de extrañar que en este primer gran clásico de su trayectoria arremetiera en su letra contra Beethoven o Tchaikovski. Genio y figura.

 

ROCK AND ROLL MUSIC

Con la irrupción del rock fue muy habitual que los artistas que se movían en su terreno adquirieran la fama de conflictivos y poco menos que delincuentes. Lo cierto es que en el caso de Chuck Berry esas acusaciones eran más que fundadas, además de literales, ya que su comportamiento siempre estuvo al borde de la ley, empezando sus correrías desde muy joven.

En el año 1944, cuando era muy joven y todavía no había iniciado su carrera musical propiamente dicha, realizaría un viaje con dos amigos en el que robarían un coche a punta de pistola perpretando tres robos más en distintas tiendas. Fueron detenidos y condenados a 10 años de prisión. Finalmente cumpliría tres años de condena en un reformatorio juvenil durante la cual perfeccionaría su canto y aprendería a boxear. Como podemos apreciar desde el principio apuntó maneras en lo relativo a comportamiento conflictivo y delictivo.

Con estas premisas, su defensa del rock no haría más que alimentar esa fama sobre sus músicos, algo que a él le importaba muy poco, como reflejaría en otro de sus grandísimos clásicos. Un tema del año 1957 que redunda en la defensa del rock & roll considerando que está por encima de cualquier otro estilo que pueda existir y que es la mejor música para bailar. Me estoy refiriendo a ese grandísimo tema que es “Rock & Roll Music”.

Ésta es una de las canciones más versionadas de toda su carrera y para muchos una especie de “catecismo” del que se nutrieron los grandes grupos de rock que surgirían durante las décadas posteriores.

 

JOHNNY B. GOODE

Para cerrar la sección pionera de hoy dedicada al maestro Chuck Berry vamos con otro de sus temas más representativos y que para muchos es realmente la composición donde empezó el rock & roll genuino y auténtico. Una canción que además es autobiográfica y nos cuenta parte de la historia de este inimitable guitarrista, compositor y cantante. Me estoy refiriendo a la mítica “Johnny B. Goode”.

Otra de las características más pronunciadas de la personalidad de Berry era sin duda alguna el perfeccionismo. Era capaz de pasarse horas y horas practicando con su guitarra con el fin de tocar cada vez mejor, algo que le llevaría a llegar prácticamente a la excelencia, según los entendidos en la materia, precisamente con este tema. De ahí la trascendencia que tendría en el mundo de la música moderna. De hecho, era capaz de tocar hasta con la boca. Impresionante.

La letra de esta composición está basada en su vida ya que habla de un joven de orígenes muy humildes que logra salir del anonimato para convertirse en una estrella. Una estrella capaz de dejarnos joyas como ésta.

La circunstancia de que en el título aparezca la palabra “goode” en lugar de “good”, cuando lo que realmente se dice es que el guitarrista, es decir, él mismo, toca bien, no es una casualidad ni un error. Responde simplemente a que Berry nació en un hospital ubicado en una Avendia que se llama “Goode”, de aquí el original juego de palabras.

En ese instante se encontraba en un momento espléndido que se vería enturbiado con otro escándalo que daría con sus huesos en la cárcel. Tendría lugar en el año 1959 cuando conoció a una joven apache a la que le ofreció trabajar como camarera en el club que acababa de abrir. Resultó que la chica ejercía la prostitución y Berry fue arrestado por haber trasladado de un estado a otro a una menor de edad para fines inmorales. Sería condenado a tres años de prisión de los que cumpliría únicamente dos. Tras salir de la cárcel todos los que le conocían afirmaron que ya no era el mismo, se había vuelto más distante y callado pese a que pudo comprobar que su influencia estaba calando en las emergentes bandas británicas que empezaban a protagonizar el mundo del rock tales como The Beatles, The Rolling Stones o The Animals.

A partir de ese instante serían constantes sus problemas con la justicia. Cumpliría cuatro meses de prisión y 1000 horas de trabajos comunitarios por evasión de impuestos y a finales de los 80 volvería a verse envuelto en otro escándalo. En esta ocasión sería acusado de voyeurismo al detectarse cámaras ocultas en los cuartos de baño femeninos de su club con las que grababa a las mujeres que los utilizaban. En esta ocasión se libraría de ir a prisión gracias a un acuerdo extrajudicial pero en el año 1990 volvió a enfrentarse a la justicia por tenencia de drogas y de vídeos con las citadas grabaciones. El chico malo era cada vez más malo.

El 18 de marzo de 2017 la policía lo encontraria muerto en su domicilio dejándonos de esta manera uno de los personajes más conflictivos a la par que esenciales del mundo de la música, más concretamente de la historia del rock & roll. Dejemos al margen sus escándalos y tropelías y quedémonos exclusivamente con su grandísimo legado musical. Es de justicia.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Empezamos ya el repaso a las listas de otras décadas que semanalmente nos ofrece “La Graminola” y para ello viajamos en el tiempo hasta el 17 de junio de 1968 para encontrarnos con el estreno de un nuevo ránking que no presentaba ninguna nueva entrada, por lo que habrá que tirar de inventiva para acariciar nuestros oídos con música de aquella época.

The Rolling Stones han sido asiduos protagonistas de nuestras listas desde que éstas vieron la luz en el año 1966. Eso no quiere decir que en ocasiones se hayan quedado fuera de ella de manera injusta algunos de sus temas más representativos, como sucedería precisamente en el año 1968 con la canción que os ofrezco a continuación.

Se trata de uno de sus temas más emblemáticos no exento de cierta polémica en su momento y que les traería algunos quebraderos de cabeza. Estoy hablando de “Sympathy for the Devil” y está claro que con ese título (traducido “Simpatía por el Diablo”) en la época en la que vio la luz iba a traer mucha cola. La sociedad era todavía muy conservadora y lo que no sabía era que todavía les quedaba mucho por ver y por escuchar.

Nos encontramos con una cancion espectacular en cuya letra el mismísimo diablo nos cuenta en primera persona sus andanzas y su versión de la historia de la humanidad en la que él es el gran protagonista. Todo ello viene acompañado de una melodía atrayente, casi hipnótica en la que el acompañamiento coral a la voz de Jagger es excepcional. Escuchándola de principio a fin es bastante complicado no caer bajo los encantos del rey de los infiernos.

Con todas estas premisas no es de extrañar que esta canción fuese incluso censurada en algunos medios radiofónicos y las acusaciones de adoradores del diablo les llegarían de inmediato. Se verían sorprendidos por estas manifestaciones ya que en ningún momento intentaron crear ningún tipo de polémica aunque esa mala fama que ya les precedía se vería acrecentada y en el fondo no les vendría nada mal ya que les daría bastante publicidad.

Posiblemente esta polémica fuera la responsable de que en nuestro país no lograra unos grandes resultados de ventas y no entrara en nuestra lista graminoleña, cosas de los falsos puritanismos. De lo que no cabe ninguna duda es de que nos encontramos ante una de las mejores y más originales creaciones de The Rolling Stones.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Nos situamos a continuación en el 17 de junio de 1978 para saborear desde Italia la única entrada que presentaba la lista graminoleña que estrenábamos ese día. Un tema que lograría un rotundo éxito tanto en Italia como en España y que vendría de la mano de un grupo que había ido creciendo poco a poco, paso a paso hasta lograr una tremenda popularidad. Ello son Matia Bazar.

El grupo había echado a andar en el año 1975 formado por Carlo Marrale, Piero Cassano, Aldo Stellita y Giancarlo Golzi a los que se añadiría la carismática vocalista Antonella Ruggiero, cuyo nombre artístico como solista era Matía y de ahí que la nueva formación tomara el nombre de Matia Bazar. Esto deja bien claro quien era la que cortaba el bacalao dentro de la banda.

Como cualquier grupo o solista italiano de la época que se preciara, pasaron por el Festival de San Remo y llegaron a representar a Italia en Eurovisión en el año 1979, pero antes nos dejarían su tema más representativo y de mayor éxito y que colocaban en nuestra lista aquel 17 de junio de 1978. Todo un clásico de la música italiana de los 70.

Como siempre han hecho los artistas italianos que han intentado abrirse camino en el panorama musical español, publicarían la correspondiente versión en nuestro idioma de este tema que no es otro que “Sólo Tú”, una deliciosa balada en la que la aguda voz de Matia contrasta con la susurrante de Carlo obteniendo unos resultados espectaculares.

Este tema permanecería en nuestra lista durante 45 semanas y alcanzaría el top 4. Como ya os cuento su popularidad sería tremenda y esos silbidos que aparecen durante la canción son parte de la historia de la música de los 70, habiendo dado lugar a su utilización en distintas campañas publicitarias televisivas.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Llegamos ya a la parte central del número de “La Graminola” de esta semana con nuestro habitual póster que esta semana nos llega de la mano de un grupo … o mejor dicho, de un solista que está considerado como uno de los principales talentos del rock español de los últimos tiempos. Un artista que a mí personalmente me encanta y que nos ha dejado hasta ahora unas cuantas joyitas como la que protagoniza la sección de “El Álbum de la Semana” de hoy.

Estoy hablando de Carlos Goñi y su proyecto Revólver, porque así habría que denominarlo desde el instante de la grabación en el año 1995 de ese gran álbum que es “El Dorado”, el trabajo que le consagraría definitivamente y que supondría el giro definitivo en su carrera pasando de ser un grupo al uso para convertirse en un solista con un acompañamiento siempre de lujo. Desde ese instante, Revólver sería Carlos Goñi y Carlos Goñi sería Revólver.

La historia de Carlos Goñi es bastante atípica, ya que tras unos arranques de su carrera un tanto dubitativos terminaría rompiendo gracias a un disco grabado en directo muy al principio de la misma, algo bastante poco habitual. Muchos conoceréis la historia pero por si acaso os refresco un poco la memoria.

Sus primeros pasos los daría dentro de un grupo denominado “Comité Cisne” pero la experiencia no le convencería demasiado, por lo que en el año 1990 daría forma a una nueva banda que atendía al nombre de Revólver contando con la compañía de Rafael Picó, Sergio Roger y Jorge Lario, publicando dos discos que no obtendrían demasiada repercusión ni unas ventas destacables, a pesar de contener muy buena música.

Lo curioso del caso es que esta situación daría un cambio radical cuando en el año 1993 decidió realizar una gira presentando las canciones de esos dos discos en formato acústico, logrando un grandísimo e inesperado éxito llenando las salas donde tocaban noche tras noche. Todo esto daría lugar a la publicación de un disco con lo mejor de esas actuaciones titulado “Básico”, que supondría el primer álbum en formato “unplugged” grabado por un artista español, algo que se había convertido en muy habitual en Estados Unidos con los famosos conciertos acústicos de la emisora televisiva MTV.

Después de prácticamente dos años de gira “acústica”, Goñi disiparía de su cabeza todas las dudas sobre que tipo de música quería hacer y se decantaría hacia un estilo de rock americano muy cercano a la música de Springsteen, para lo que prescindiría de los que habían sido sus tres compañeros de grupo e iniciar una carrera en la que el protagonismo más absoluto lo llevaría él mismo, sabiendo rodearse en cada momento de grandes músicos para acompañarlo. De esta manera surgiría ese disco que en mi opinión es el mejor de su carrera: “El Dorado”.

El disco se abre con un tema que ya da pistas sobre en que terreno se va a mover su nueva etapa. Atrás queda el sonido acústico para dar paso a un sonido eléctrico y rockero con una de las canciones que sin ser publicada como sencillo obtendría una gran aceptación por el público convirtiéndose en una de las preferidas en sus actuaciones en vivo. Estoy hablando de la sencilla “Tú y Yo”.

Una vez más el tema de los derechos de autor y esas cosas me impiden poneros el vídeo correspondiente a la versión que se inclúia en el álbum de esta canción, así que nos conformaremos con una de las versiones ofrecidas en uno de sus conciertos.

Este disco nos muestra además a un Goñi con una tremenda inspiración a la hora de dar forma a las letras de las canciones que lo integran. Nos encontramos ante un artista capaz de contar sus vivencias personales sin ningún tipo de tapujos y mostrar una sensibilidad total a la hora de relatarlas. Sin duda alguna, la palma se la lleva precisamente la canción que da título al álbum.

La canción tiene una curiosa historia detrás. Siempre se ha interpretado que “El Dorado” habla del sacrificio que sus padres llevaron a cabo buscando esa meta para que él mismo pudiera tener una vida mejor. Sin embargo la realidad es bastante distinta. El propio Goñi reconocería que esta composición estaba basada en sus progenitores y en la búsqueda de su propio “El Dorado”, pero no en el sentido positivo sino todo lo contrario. La obsesión de sus padres por alcanzar esa quimera le haría sentirse desamparado, por lo que más que un elogio se trata de un reproche. Sea como fuere, la canción es una gozada.

Como os comentaba hace un momento, el disco está plagado de canciones interpretadas con una sensibilidad espectacular y con unas letras de esas que te calan desde la primera escucha. Cierto es que Goñi no puede presumir de tener un vozarrón de los que impresionan y a determinadas notas le cuesta un poco llegar, pero a cambio nos ofrece una manera de interpretar de las que llegan a emocionar. Cuando se pone sensible o emotivo, sus letras son simplemente impresionantes.

Con estas premisas, está claro que uno de los terrenos en los que mejor se desenvuelve es en las baladas y entre todas las que ha compuesto a lo largo de su carrera creo que la que viene a continuación es la mejor de todas. Lo tiene todo, una melodía dulce y sensible, una interpretación llena de emoción y una preciosidad de letra.

Se trata de “Por Un Beso”, una espectacular canción con una letra profunda hasta decir basta que nos dice cosas tales como “Prefiero ser comida de lobos / A quemar mi vida pidiendo perdón / Por ser idiota sólo una noche / Y hacer un derroche de escaso valor.”

De lo que no cabe ninguna duda es de que “El Dorado” sería el disco de consolidación definitiva de Revólver. Llegaría al número 2 de las listas de ventas de nuestros país, únicamente superado por … pues por el “Greatest Hits” de Bruce Springsteen, curiosa coincidencia ya que su mayor fuente de inspiración en este disco fue precisamente la música del “Boss”. De hecho, tras la publicación de este trabajo, Goñi sería considerado como el Springsteen español, salvando todas las distancias, claro está.

Esta  influencia “Springstiniana” en particular y del rock procedente de América en general, sobre la música de Revólver es evidente en la práctica totalidad del disco, pero si hay un tema que encaja a la perfección en este concepto es el que aparecería como primer sencillo y que supondría el primer número uno de la carrera de Goñi en nuestro páis. Se trata de “No Va Más”, una canción en la que si cerramos los ojos sin saber quien toca y escuchamos su comienzo nos puede llegar a parecer que estamos ante la mismísima E. Street Band.

Springsteen es la mayor fuente de inspiración de Goñi en este disco, pero no la única. El rock hecho en Norteamérica se plasma en varias de las canciones del álbum e incluso se atreve a hacer un pequeño guiño al tex-mex con una canción que a mí personalmente me encanta y que navega entre esas aguas y las de la ranchera. Hay que decir que en este terreno siempre ha mostrado sentirse muy cómodo.

Me estoy refiriendo a “El Aire Sabe a Veneno” que en su versión de estudio incluída en este álbum es espectacular, pero que en la versión que Goñi y los músicos de los que se rodearía para grabar su segunda entrega de “Básico” ya va fuera de concurso. La canción da para ello y la impresión que produce es la de estar escuchando a un auténtico mariachi mexicano.

Una vez más me encuentro con el problema de ofreceros la versión que aparece en el álbum que estamos degustando, así que a cambio os dejo la versión incluída en “Básico 2” que es simplemente extraordinaria.

En el disco se van alternando temás más intensos, más rockeros, con otros más tranquilos y llenos de sensibilidad. Las vivencias, deseos, experiencias y situaciones que Goñi nos va mostrando son en ocasiones tan profundas como en el tema que llega a continuación. Está claro que una de sus señas de identidad siempre ha sido la de abrirse totalmente a su público con las letras de sus creaciones.

Nos encontramos ante una canción en la que Goñi nos habla del destino, de los deseos que tenemos en la vida y del valor de la experiencia. Nos cuenta como cuando somos jóvenes todo lo hacemos rápidamente sin mostrar paciencia y como con el paso del tiempo nos vamos dando cuenta de que no siempre hay que coger el primer tren que pase ante nosotros. Lo hace con una grandísima balada con ciertos tintes de blues y que vuelven a recordarnos a Springsteen, en esta ocasión al melancólico que nos cautivó en “Darkness On The Edge Of Town”.

Esta joya lleva el título de “Esperando Mi Tren”, y nos dice cosas tales como “Tan difícil como hacer fuego sólo con los ojos / es burlarse del destino / Cuando menos te lo esperas / suelta un golpe y te demuestra / quien es el que manda aquí.”

Me váis a perdonar pero he de repetirme otra vez más y … vamos que os dejo una versión en vivo por las razones que ya conocéis.

Os estaréis dando cuenta de que hoy estoy poniendo varios extractos de las letras de las canciones que forman parte del álbum de la semana, pero es que me parece que son tan buenas que merece la pena plasmarlas aquí. Os aviso, no será ésta la última vez que utilice este método en el día de hoy.

Casi sin solución de continuidad, seguimos con otra composición con un tono melancólico y pausado. Otra balada de las buenas en la que nos encontramos en esta oportunidad con un Goñi romántico a la par que apesadumbrado.

En esta ocasión nos cuenta la historia de dos jóvenes que se aman sin condiciones pero a los que con el paso del tiempo parece que la cosa se les va complicando. Su título es “Lisa y Fran” y su letra es una auténtica maravilla, una vez más. El talento de Goñi nos regala frases como éstas: “Prometieron no decirse el uno al otro te quiero / Por si había que marchar que aquello doliera menos / Pero llegado el momento les fue imposible no hacerlo / Y Lisa rompió a llorar cuando Fran dijo no puedo”. Sin palabras.

A continuación Goñi vuelve a darle un giro a su música y abandona ese tono melancólico y cercano al blues para retornar al rock con genuino sabor americano. Las guitarras vuelven a tomar el mando y el sonido intenso recupera el protagonismo.

Otro de los temas recurrentes en las letras de sus canciones ha sido el de hablar de la música en sí. De esta manera, la composición que llega a continuación puede considerarse hasta un tanto biográfica porque en ella se habla de lo afortunado que es al haber podido abrise camino a base de esfuerzo en el mundo de la música. Es Carlos Goñi en estado puro, es Revólver en estado puro.

La canción en cuestión lleva el título de “La Fortuna” y recobra los bríos de los temas que aparecen al principio, con un inicio más pausado que termina rompiendo con una guitarra intensa y un maravilloso acompañamiento de los teclados del acordeón. Lo dicho, Revólver en toda su esencia.

Expresar como él lo hace lo que significa en su vida su carrera musical con la letra de este tema me parece una auténtica gozada: “Pero la vida me puso en las manos esta guitarra y un poco de voz / Y hoy me encuentro feliz en mi banda y en una canción / Mi vida en una canción”. Otra gran genialidad.

A continuación Goñi nos ofrece otra de las canciones marcadas profundamente por el sonido “Springsteen”, posiblemente la más cercana a ese estilo. Un tema intenso, creativo y rockero por los cuatro costados.

Se trata de “Nacidos para la Gloria”, un tema que tiene un sonido tan cercano a la E Street Band que hasta por un momento el saxo que en ella aparece nos recuerda al del mítico Clarence Clemons. Otra gran canción más. Por cierto, en esta oportunidad he encontrado un vídeoclip con unas imágenes que nada tienen que ver con Goñi pero al fin y al cabo la música corresponde a esta canción. Menos da una piedra. Os recomiendo simplemente escuchar, con eso es suficiente.

Ya os comentaba al principio que para mí “El Dorado” es el mejor disco de toda la carrera de Goñi al frente de Revólver. Me parace un disco enorme de principio a fin pero si hay que ponerle un “pero”, en mi modesto entender, es el orden en el que aparecen las canciones ya que los dos últimos temas del álbum tanto por su estilo como por su estructura me parece que significan un pequeño bajón en la intensidad. Hemos visto como en muchas ocasiones en esta misma sección como grandes grupos y solistas terminan sus trabajos con temas que son un auténtico fin de fiesta de lujo. Goñi, sin embargo, nos ofrece dos canciones bastante más pausadas de lo que, en mi opinión, sería de desear.

La primera de esas canciones es una balada en toda regla que habla de lo que para Goñi significa el amor, esto es, entregarse sin ningún tipo de condiciones. Su título es “Si Es Por Ti”.

Para cerrar el álbum, Goñi elige un método cada vez menos utilizado pero que allá por los años 70 y 80 era bastante habitual que se produjera: acabar el disco con un tema totalmente instrumental. Esta tendencia se ha ido perdiendo con el paso del tiempo, no solamente a la hora de cerrar los discos sino que simplemente son muy pocos los que incluyen en sus álbumes canciones con estas características, algo que los que somos de mi quinta veíamos como de lo más normal en nuestros años mozos.

Así pues, el álbum se cierra con con “Dios en Agosto Está de Vacaciones” y con este tema instrumental Goñi nos traslada imaginariamente a los desiertos más recónditos de Norteamérica con un sonido de guitarra sureña en un quejido hecho música. Un cierre a la antigua usanza.

Así acaba este grandísimo disco, el mejor de la carrera de Revólver, en el que la influencia del “Boss” es más que evidente y llega incluso hasta la portada del disco. Para mí éste es el estilo y el sonido puramente Goñi, en el que mejor se defiende y con el que más aporta. Ya os he comentado que es uno de mis grupos (o no sé si lo correcto es decir solistas) preferidos aunque en los últimos tiempos se ha dejado llevar por un incomprensible afán de mestizaje con otros estilos. Aun haciendo buena música moviéndose en este terreno también yo me quedo con el que le llegó a convertir en el “Springsteen Español”. ¿Y vosotros?

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Una vez saboreado el lujo que supone el póster central de cada semana, vamos a continuar con el repaso a las listas de otras épocas empezando por la de los 80, para lo que iniciamos nuestro viaje en el tiempo situándonos en el 19 de junio de 1988, momento en el que se estrenaba nueva lista graminoleña en la que iba a producirse una única nueva entrada, eso sí, de auténtico lujo.

Hablar de la música de Sting siempre merece la pena. Si esa música procede de “Nothing Like The Sun”, sin ningún lugar a dudas el mejor trabajo de toda su carrera, es todo un lujo. Pero si además le añadimos la calidad de la canción que viene a continuación podría decirse que nos acercamos a la perfección.

En este álbum, Sting nos ofrece canciones maravillosas, repletas de sensibilidad y calidad. Una de ellas aparece en el disco cantada en tres idiomas distintos: inglés, español y portugués, y en todas ellas se puede apreciar la magia de su sonido y la belleza de su letra. Posiblemente nos encontremos ante una de las mayores genialidades de su carrera, y mira que tiene unas cuantas.

Prácticamente todas las canciones de este disco tienen algún tipo de historia detrás o están inspiradas en algún personaje más o menos popular. En esta ocasión Sting se basaría en la historia de Ben Linder, un ingeniero estadounidense asesinado por la Contra Nicaragüense en el año 1987 mientras trabajaba en un proyecto hidroeléctrico que ayudaría a mejorar las condiciones de vida de muchos habitantes del país sudamericano. Su título es “Fragile” y nos acompañaría en lista durante 18 semanas para alcanzar el top 19.

Nos encontramos ante una canción llena de encanto y que sirve para llenar de sensibilidad una situación trágica. Por este motivo sería el tema elegido por Sting para abrir el concierto de reapertura de la sala “Bataclan” de París donde se llevó a cabo el trágico atentado del año 2016, propiciando un momento sumamente emocionante.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Avanzamos ahora los diez años de rigor y nos situamos en la lista graminoleña que se estrenaba el 21 de junio de 1998 que nos traía como novedades más destacables el relevo en el número uno y una nueva entrada. Dos canciones con un sonido pop por los cuatro costados.

Tras 13 semanas de ocupar el número 1 con “Only When I Sleep”, The Corrs se bajaban del trono para dejar paso a Janet Jackson que conseguía de esta manera el segundo número uno de su carrera en nuestra lista y el primero en solitario ya que en la otra oportunidad en la que se situó en el puesto más privilegiado lo haría compañado de su hermano Michael.

La canción en cuestión es “Together Again”, y como ya os comenté en el momento de su entrada en lista está dedicada a algunos amigos de Janet que habían contraído el sida en los últimos años. Dado lo delicado del tema que trataba su letra, en un primer momento se compuso como una balada, pero una vez escuchada por los amigos afectados, éstos manifestarían a Janet que tenía que darle a la canción un aire más marchoso y bailable, porque de lo que se trataba era de seguir celebrando que pese a todo seguían juntos. Sus deseos se convertirían en órdenes y como compensación alcanzaría el primer puesto aunque solamente fuese por una única semana.

Vamos ahora con la única entrada que se producía en la lista noventera que estamos analizando en el día de hoy. Nos llega desde el centro de Europa de la mano de un grupo que por aquella época se encontraba en su mejor momento convirtiéndose en una de las bandas más representativas de lo que se dio en llamar “Eurodance”. Me estoy refiriendo a los daneses Aqua.

La publicación de su disco “Aquarium” supuso todo un acontecimiento en lo que a la música para bailar de aquella época se refiere. Se convirtió en uno de los discos de referencia de ese tipo de música y de él se extrajeron hasta cinco sencillos, todos ellos con bastante éxito. El quinto y último single en aparecer publicado sería precisamente la nueva entrada en la lista de aquel 21 de junio de 1998.

Me estoy refiriendo a “Doctor Jones”, uno de los temas más populares en lo que al “Eurodance” se refiere y con el que nos acompañarían durante 36 semanas para alcanzar el top 3. En el correspondiente videoclip puede apreciarse como aprovechan para parodiar de alguna manera al personaje de “Indiana Jones”, algo bastante habitual en sus vídeos promocionales, llenos de optimismo y comedia.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Para acabar el repaso semanal de las listas de otros tiempos nos situamos a continuación en el 15 de junio de 2008 y damos paso a la única entrada que se producía en la lista del nuevo milenio de aquel día. Está protagonizada por un grupo con muy buena pinta compuesto por tres miembros de tres bandas de prestigio por aquella época y que nos dejaron como regalo el tema que viene a continuación, su única presencia en nuestra lista. Lo malo es que también nos dejarían con la miel en los labios.

En ese año, Alex Turner, miembro de Arctic Monkeys, Miles Kane de The Rascals y James Ford, componente de Simian Mobile Disco daban cuerpo a una colaboración muy especial que iba a dar como resultado un proyecto denominado The Last Shadow Puppets, obteniendo el reconocimiento de la mayor parte de la crítica especializada. Estaba claro que con esos mimbres el cesto resultante tenía que ser bastante bueno.

Como consecuencia de esta colaboración publicarían un álbum titulado “The Age of The Understatement” y de él se extraería como primer sencillo el tema que le da título que se convertiría en la única entrada del grupo en nuestra lista. Buena música independiente que nos acompañaría durante 12 semanas para alcanzar el puesto 31 como mejor registro.

Este proyecto mostró muy buenas maneras y muchos habrían deseado que hubiese tenido continuidad pero dado que sus tres integrantes estaban volcados con sus carreras en sus correspondientes bandas su andadura comenzaría y finalizaría con este álbum, en un primer momento, aunque en el año 2016 publicaron un nuevo trabajo titulado “Everything You’ve Come to Expect” con el que no tendrían tanta repercusión.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Aunque casi no lo parezca porque hasta hace apenas una semana todavía teníamos un tiempo otoñal, casi invernal, ya es verano en “La Graminola”. Ésta es una época del año en la que la música cobra un especial protagonismo ya que la fiesta y la diversión viven su mejor momento.

Hubo una época en la que la música que se hacía en esta época del año era muy especial. El público en general esperaba con expectación que saliesen al mercado esas canciones que iban a alegrar la época estival, las vacaciones y esos momentos de ocio de los que tanto disfrutaba todo el mundo. Incluso algunos artistas y grupos se especializarían de alguna manera en este tipo de música disputándose el “título honorífico” de “Canción del Verano” de cada año, algo que era sinónimo de éxito y popularidad.

Así pues, durante los próximos tres meses, la sección de “También Es Música” se va a llenar de sol y optimismo para hacerse eco de esas canciones que triunfaron en los veranos de otros tiempos y que dejaron su impronta durante esa época del año. En la mayoría de las ocasiones será música comercial y sin mayores pretensiones, auque alguna excepción habrá, pero a buen seguro que nos traerá muy buenos recuerdos. Ojo, no estarán todas las que son pero si serán todas las que están. Con esta manifestación solamente quiero advertir que faltarán las más grandes ya que he querido que pasen por aquí aquellas que no entraron en nuestra lista, que fueron un tremendo disparate o que tuvieron alguna historia curiosa detrás. Así que ya sabéis, desde hoy y hasta finales de septiembre disfrutaremos cada semana de tres canciones que tuvieron esa etiqueta de “canción del verano”. Todos a ponerse el bañador, las gafas de sol y el cerebro en modo “a bailar”.

 

LUIS AGUILÉ / JUANITA BANANA

Para empezar vamos a situarnos en el verano del año 1966, con una canción que no fue concebida como un tema para esa época en concreto, pero que debidamente adaptada y versionada se convirtió en uno de los habituales disparates que se publicaban año tras año por esas fechas.

Existe una canción tradicional mexicana que cuenta la historia de una muchacha, hija de un vendedor de bananas, cuyo sueño es convertirse en cantante de ópera. Ese año 1966, un grupo norteamericano denominado “The Peels” adaptaría esta composición convenientemente para convertirla en una canción pop con un aire desenfadado y original, tomando el título de “Juanita Banana”.

Aprovechando el tirón que tuvo en Hispanoaméricana, de manera inmediata llegaría a nuestro país de la mano del inimitable Luis Aguilé, consiguiendo un rotundo éxito y convirtiéndose de inmediato en una de las canciones del verano del año 1966. La verdad es que este tema encaja a la perfección en la sección más disparatada de nuestra revista ya que lo tiene todo: una parte relatada más que cantada, una historia peculiar y un estribillo en plan operístico inspirado nada más y nada menos que en “Rigoletto” de Giuseppe Verdi. Creo que para empezar el verano de “También Es Música” no está nada mal.

 

LOS TRES SUDAMERICANOS / PULPA DE TAMARINDO

Viajamos hasta el verano del año siguiente, 1967, para disfrutar de otro de los temas con sonido y sabor estival por los cuatro costados. Otra canción que procede de Sudamérica, algo bastante habitual en este tipo de música, y que fue versionado por distintos artistas, algo también muy usual en aquella época cuando una canción calaba entre el público de nuestro país.

De las distintas versiones que circularían de esta canción yo me quedo con la que nos ofrecerían Alma María Vaesken, Casto Darío Martínez y Johnny Torales, tres paraguayos conocidos artísticamente como “Los 3 Sudamericanos” y que gozarían de una tremenda popularidad a finales de los 60 y principios de los 70. La canción veraniega que nos regalaron en ese año 1966 llevaría el título de “Pulpa de Tamarindo” y pondrían a bailar a todos a un trepidante ritmo de cumbia.

 

LOS MISMOS / EL PUENTE

Tan sólo un año después, otro trío aunque en esta oportunidad procedente de nuestro país, concretamente de Valladolid, repetía fórmula y lograba un rotundo éxito veraniego con una canción desenfadada que se convertiría además en uno de los mayores éxitos de su carrera y que significaría su espaldarazo definitivo. En esta oportunidad, una canción del verano iba a convertir a sus protagonistas en uno de los grupos más populares de nuestro país de finales de los 60 y principios de los 70.

Una de las formaciones más repetidas en aquellos tiempos era la de grupos integrados por tres miembros de los cuales uno era una mujer que además era la que llevaba la voz cantante. Ésta era la composición que mostraba un grupo creado en el año 1965 bajo el nombre de “Los Jollys”, aunque su momento éxito no acababa de llegarles. Tendrían que esperar cuatro años para que en 1969, ya con nuevo nombre, lograran triunfar a lo grande con un tema veraniego a más no poder que les lanzaría definitivamente a la fama. Estoy hablando de “Los Mismos”.

En el verano de aquel año publicarían un tema titulado “El Puente”, una canción del verano auténtica y que supondría el pistoletazo de salida hacia una carrera repleta de éxitos con temas de este mismo corte y unas cuantas versiones de composiciones que triunfaban más allá de nuestras fronteras. Nos encontramos pues ante una de esas situaciones repetidas bastante frecuentemente de canciones de este estilo que supondrían el espaldarazo definitivo de sus autores. ¿Quién no recuerda aquello de “Será maravilloso / Viajar hata Mallorca …”.

Por cierto, no es de extrañar que con una canción con esta letra se alzasen con el primer premio del Festival de la Canción de Mallorca que se celebraba cada verano por aquellas fechas.

Éstas son simplemente tres muestras de lo que la música puede ofrecernos en los meses de más calor. Temas desenfadados, en ocasiones incalificables pero que todos hemos cantado en alguna ocasión enfervorizados por los buenos momentos que nos ofrecen estas fechas veraniegas. La semana que viene, más.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

El verano acaba de empezar pero el número de “La Graminola” de esta semana tiene que terminar. Para ello vamos como siempre con una efeméride, con música española y con una novedad destacada. Las tres últimas canciones del número de hoy que ponen la guinda a un gran pastel pueden considerarse un “final feliz”.

 

EFEMÉRIDE

 

Nos vamos de cumpleaños para felicitar a un músico francés con ascendencia española (padre gallego y madre vasca) que en muchas ocasiones ha sido más popular por sus ideas políticas y algunas polémicas declaraciones que por su música en sí, aunque nos ha dejado algunas perlas obra de su talento musical. Él es Manu Chao y hoy cumple 57 añazos.

 

Para celebrar la efeméride del día de hoy nos vamos de cumpleaños, porque el 21 de junio de 1961 nacía en París un personaje muy peculiar que ha protagonizado momentos muy especiales dentro del mundo de la música, con una carrera llena de situaciones con un marcado tinte político. Se trata de Manu Chao, un artista que no ha dejado indiferente nunca a nadie y que musicalmente hablando siempre ha mostrado tener un grandísimo talento moviéndose a la perfección en las aguas de la fusión y el mestizaje de distintas culturas musicales.

Dejemos a un lado el aspecto político para centrarnos en el músical. Manu Chao se iniciaría muy pronto en el mundo de la música formando parte de grupos como Hot Pants o Los Carayos, pero su gran momento llegaría en el año 1987 cuando junto a su hermano Antoine y un grupo de amigos de distintas razas y culturas crearía un grupo que daría sus primeros pasos como una banda callejera tocando en el metro de París. Tomarían el nombre de  “Mano Negra”, inspirándose en una asociación anarquista española así denominada.

Sus composiciones y su manera de interpretar, moviéndose en terrenos tan dispares como el rock, la rumba, el hip-hop o la salsa y cantando en francés, español, inglés o árabe, llamarían muy pronto la atención y poco a poco irían adquiriendo gran popularidad hasta que una multinacional se fijó en ellos y les ofreció un buen contrato. En esta ocasión Chao y los suyos aparcarían por un momento sus ideas anarquistas para echarse en los brazos del capitalismo, algo que ya hemos vivido muchas veces en el mundo de la música. Como decía el gran Groucho Marx “éstos son mis principios, si no le gustan tengo otros”.

Su primer trabajo sería un soplo de aire fresco en el panorama musical europeo y llevaría el título de “Patchanka” que era como ellos definían su manera de hacer música. Dentro de este disco se encontraba una auténtica genialidad a ritmo de rumba titulada “Mala Vida”.

Su andadura juntos duraría ocho años y nos dejaría unos cuantos temas bastante destacables. En el año 1995 Manu iniciaría su carrera en solitario con un tremendo éxito de entrada  que iría decayendo con el paso del tiempo, en gran medida por su involucración cada vez más profunda en temas políticos y sociales. Eso sí, nos dejaría su famoso soniquete de “Me Gustas Tú”, otro hito en su carrera.

 

LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA

 

Uno de los grupos españoles más cañís. Llegaron con fuerza pero tuvieron poco recorrido. Son “Espontáneos” y como curiosidad os diré que conocí  a su cantante Jesús López cuando trabajaba en la radio.

 

La sección que dedicamos a la música española con aquellos artistas que tuvieron sus momentos de gloria pero terminaron engullidos principalmente por el cambio de modas está protagonizada esta semana por uno de los grupos más castizos del pop español de finales de los 80. Me estoy refiriendo a “Espontáneos”.

El nombre del grupo lo dice todo y es que las letras de sus canciones estaban identificadas totalmente con la Fiesta Nacional. Nos encontramos ante un grupo madrileño que se iría abriendo camino poco a poco a finales de los ochenta gracias a que en el año 1988 lograrían ser semifinalistas del famoso “Festival Villa De Madrid” que tantos buenos grupos ha dado al panorama musical español.

Gracias a ello, una versión pop del famoso tema de Nino Bravo, “Un Beso Y Una Flor” sería incluida en un disco recopilatorio promocional de varias bandas nuevas titulado “Hortaleza Pop Rock”, lo que llevaría a Paco Trinidad, auténtico productor de moda de la época, que impulsó las carreras de grupos como Los Ronaldos, Ducan Dhu, Hombres G o Los Rebeldes, entre otros, a fijarse en ellos y producir su primer disco en el año 1989.

Dentro de ese primer álbum se incluía la canción “Ritmo Taurino”, con la que lograrían bastante éxito y gracias a la cual se darían a conocer en toda España. Ya sabéis, aquella canción que nos decía sabiamente: “Hay que saber beber”.

Como podemos comprobar tenían un ritmo y una manera de enteder la música muy similar a la de Seguridad Social, pero al diferencia de éstos no tendrían demasiado recorrido. El fallecimiento de su bajista Javier García, sería el comienzo del final, tras lo que el vocalista Jesús María López se dedicaría a la radio, de donde procedía, quedando el grupo disuelto definitivamente.

 

NOVEDAD

 

Rock americano hecho en Suiza. Dicho así suena algo raro pero lo que no suena nada rara es la música que nos trae la novedad de la semana. Es obra de un veterano músico suizo que atiende al nombre de Reto Burrell y que a pesar de no ser demasiado conocido en nuestro país es capaz de ofrecer grandes canciones como las que contiene su último álbum. En otros tiempos habría sido superventas, seguro.

 

La novedad de esta semana no deja de tener cierto exotismo y puede considerarse una pequeña rareza, porque es bastante poco habitual que desde tierras suizas nos llegue un artista vinculado al rock con sabor americano más auténtico y que pese a no tener una promoción mediática como merece sí que está considerado por los críticos especializados como una “rara avis” de mucha calidad dentro del panorama musical europeo.

Así pues, desde Suiza nos llega un grandísimo artista llamado Reto Burrell que tras unos inicios vinculados al punk lleva más de 20 años haciendo buen rock, bebiendo de las fuentes de artistas americanos tan espectaculares como Tom Petty o The Allman Brothers. Rock americano con sabor europeo y del bueno.

Acaba de salir al mercado su undécimo álbum bajo el título de “Shampoo Or Gasoline” en el que se mantienen sus habituales señas de identidad: guitarras intensas, buenas composiciones y un estilo inconfudiblemente rockero. Música de la buena que ayuda a pensar que no todo está perdido en el mundo de la industria musical de nuestros días.

Como muestra escuchemos “Rising to the Bait” uno de los muchos temas que merecen la pena de este trabajo y que supone un especial cierre al número de esta semana.

Esto es todo por esta semana. En siete días más música, más estilos, más historias, más disfrute.

Hasta entonces, Graminoleños.

JUAN JOSÉ GOMARIZ

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LA GRAMINOLA – NÚMERO 29 – 14 DE JUNIO DE 2018


Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA. Desde aquí puedes saborear más contenidos y más música.

Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música española.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

La lista de actualidad nos trae esta semana una única entrada protagonizada por el productor de moda del momento y una de las cantantes emergentes que acaba de publicar disco. Son Marshmello & Anne Marie.

 

 

 

La sección de “Los Pioneros” de hoy se nos pone romántica gracias a una de las voces más destacadas de la década de los 60 en cuanto a lo de crear baladas y canciones de amor se refiere. Un auténtico referente para muchos de los cantantes melódicos que vienieron después como fue Bobby Vinton.

 

 

La lista graminoleña de los 60 nos trae dos nuevas entradas protagonizadas por dos grupos cuya característica principal es su capacidad coral. Los indispensables Bee Gees y los geniales Los Ángeles nos visitan hoy.

 

 

La lista de éxitos de los 70 viene con dos nuevas canciones debajo del brazo. Una de ellas tiene aires eurovisivos pero la principal está protagonizada por una de las voces más especiales y originales del panorama musical de aquella época y de siempre. Hablo de la siempre cautivadora y conquistadora Bonnie Tyler.

 

 

 

Aprovechando que se cumple el 40 aniversario de su estreno, el póster central de esta semana está protagonizado por una de esas películas que calaría a lo grande entre los que son de mi generación y aún en nuestros días sigue cautivando a todo tipo de público. Cojamos todos el peine y sumerjámonos en el fabuloso mundo de la brillantina.

 

 

La lista de los 80 nos trae cambio en el número 1, una nueva entrada de uno de los números 1 de nuestro país y, sobre todo, la irrupción de una artista de las grandes como es Sade Adu.

 

 

Los 90 fueron suyos gracias a la televisión y al cine, pero también la música le proporcionó buenos momentos. La lista noventera de esta semana nos trae un tema del polifacético Will Smith.

 

 

La lista del nuevo milenio viene también con cambio en el número 1 y con dos entradas que llegan desde México y Zaragoza. Maná y Amaral, dos grupos consagrados desde hace tiempo nos acarician los oídos con dos de sus canciones.

 

 

Rendimos un merecido homenaje a un mítico programa televisivo que sirvió, entre otras cosas, para acercar la música de actualidad, la música de “La Movida” a los más pequeños de la casa. Un programa infantil que gustaba a los jóvenes. Un programa juvenil que gustaba a los niños. La historia y la música de “La Bola de Cristal” se dan una vuelta por nuestra revista.

 

 

 

Como cada semana, acabamos con una efeméride, la música hecha en nuestro país y una novedad destacada. Pero si hay que destacar a alguien es al personaje tan popular y querido por todos que tenemos aquí al lado. Si queréis saber porque aparece en el número de “La Graminola” de hoy no os podéis perder la contraportada.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

La lista de actualidad de “La Graminola” de esta semana presenta como novedad más destacada la única incorporación de un nuevo tema que nos llega de la mano de una de las habituales colaboraciones que se producen en el panorama musical internacional. Uno de los productores más originales y creativos del momento y una joven cantante que desde hace tres años ha ido creciendo poco a poco son sus protagonistas.

De todos es sabido que desde hace unos cuantos años la importancia de los productores musicales ha ido creciendo de manera exponencial hasta terminar siendo parte activa de la interpretación de las canciones de los distintos artistas que triunfan por ahí. Antes eran unos perfectos desconocidos para el público en general, salvo los más grandes, y ahora aparecen en los créditos de los discos como si de un intérprete más se tratase.

Con estas premisas, no es de extrañar que haya una serie de productores con los que todo artista que se precie esté deseoso de trabajar ya que es sinónimo de éxito. Uno de ellos, posiblemente el más especial en la actualidad, es el norteamericano Marshmello, que además de ofrecer muy buenos resultados en su labor tiene detrás de si un halo de misterio bastante grande toda vez que siempre aparece en público con su cara cubierta con una especie de máscara desconociéndose su aspecto e incluso cual es su verdadera identidad. Originalidad y talento en una sola dosis.

Una de las afortunadas de contar con su producción es la inglesa Anne Marie, una joven cantante que llevaba dando guerra desde el año 2015 colaborando con otros artistas y que el año pasado publicaba su primer álbum bajo el título de “Speak Your Mind”, del que se extrae el tema que forma parte de nuestro ránking desde el pasado 10 de junio.

El resultado de esta colaboración es un tema titulado “Friends” que si bien no ofrece nada nuevo la verdad es que se deja escuchar.

 

 

LOS PIONEROS

Hoy vamos a ponernos tiernos, románticos y sensibles en la sección pionera. Y es que no solamente de nuevos estilos o clásicos del rock ha vivido el mundo de la música. Cualquier tendencia siempre ha tenido algunas figuras que han sido icónicas en su momento y que han ido inspirando y abriendo camino a muchos artistas que han ido llegando más tarde. El territorio de las baladas no es una excepción a esta regla no escrita.

El que podíamos denominar “pionero romántico” que protagoniza la sección de hoy era popularmente conocido como “El Príncipe Polaco”, por su ascendencia polaco-lituana a pesar de haber nacido en Pensilvania. Una de sus especialidades sería la de conseguir que canciones que en tiempos precedentes pasaron con más pena que gloria se convirtieran en auténticos clásicos cuando él los interpretaba. Estoy hablando de Bobby Vinton, uno de los auténticos héroes de las baladas y que nos deja a continuación tres de los temás más representativos de su legado.

 

BLUE VELVET

Vinton siempre apuntó muy alto y sus primeros pasos dentro de su carrera musical los inició al frente de su propia orquesta de la que era su director, por lo que es fácil entender que su formación musical era más que considerable. Sin embargo este primer proyecto no produciría los resultados esperados y sus pretensiones variarían de alguna manera, encaminando su futuro a simplemente cantar, algo que se le daba bastante bien.

El éxito no acababa de llegar pero él no cejaría en su empeño y en el año 1963 iba a darle la vuelta a la tortilla gracias a la versión que se sacaría de la manga, o mejor dicho de su talento, de un tema que databa del año 1934 y que había pasado con más pena que gloria en manos de distintos artistas, siendo el que más se acercó a lo que se podía llamar algo de éxito Tonny Bennet en el año 1951, aunque realmente sería producto más que nada de su voz, carisma y popularidad que por la aceptación que pudiera tener entre el público la canción en cuestión.

En el año 1963 Vinton rescataría esta composición, la daría un toque muy personal y gracias a su manera de cantar y apoyándose en su atractivo físico iba a conseguir el primer gran éxito de su carrera y a crear tendencia a la hora de interpretar música romántica. Una canción que se ha convertido en un tremendo clásico y cuyo título es “Blue Velvet”.

Esta canción volvería a ponerse de moda en el año 1990 cuando David Lynch la utilizó como tema central de la banda sonora de su icónica película del mismo título, convirtiéndose en uno de esos temas que permanece de actualidad por mucho que pasen los años.

 

MR. LONELY

Aunque una de sus especialidades siempre fue la de lograr grandes resultados con versiones de temas antiguos de otros artistas, también mostraría su poderío como compositor logrando buenos resultados con algunas de las canciones que fueron producto única y exclusivamente de su talento. La canción que viene a continuación es la más representativa de esta faceta.

Vinton sirvió en el ejército durante los años 50 y en aquella época compuso una canción que hablaba de un soldado que se encontraba en una misión en el extranjero y no podía comunicarse con su familia sintiéndose muy solo. En aquel momento todavía no había iniciado su carrera musical de manera propiamente dicha y esa composición quedó aparcada en aquel momento. Poco podía imaginarse que unos cuantos años después iba a significar su espaldarazo definitivo en el mundo de la música.

Con el estallido de la guerra del Vietnam, la letra de la canción encajaría a la perfección con las sensaciones que los soldados destinados en el frente manifestaban en aquellos momentos y en el año 1964 decidiría sacarla al mercado convirtiéndose en un tremendo éxito y en una de las canciones preferidas por el público norteamericano por razones evidentes. La preciosa melodía, lo desgarrador de su letra y la sensibilidad y sentimiento con la que Vinton la interpretaría con una parte en la que ofrece un falsete estremecedor le otorgarían definitivamente el calificativo de figura internacional. Por si fuera poco su título no podía ser más acertado: “Mr Lonely”.

Lo curioso del caso es que su discográfica no había confiado demasiado en él hasta ese momento y no tenían ninguna esperanza en que su recorrido mereciera la pena, opinión equivocada a todas luces ya que Bobby Vinton se convertiría en el solista que más discos vendería en Estados Unidos durante la década de los 60.

 

SEALED WITH A KISS

Para cerrar la sección pionera del día de hoy dedicada al romanticismo de Bobby Vinton, vamos con otro de sus éxitos más rotundos en el que nuevamente vuelve a dejar de algún modo en evidencia a otros artistas ya que lo lograría con su particular versión de una canción con la que otros no fueron capaces de triunfar. Como ya os comentaba ésta era una de las especialidades de la casa.

La canción data de finales de los 50 y en las voces de artistas como Brian Hyland o The Four Voices no lograrían apenas repercusión. Habría que esperar al año 1972 cuando Vinton decidió recuperarla, darla un lavado de cara y convertirla en otro de los grandes éxitos de su carrera.

Estoy hablando de “Sealed With A Kiss”, otra preciosa y sentimental balada con unos arreglos especiales que la diferencian de las versiones realizadas con anterioridad y cuyo sonido de bongos del principio es parte ya de la historia de la música moderna.

Como hemos podido comprobar, el mundo de las baladas y las canciones románticas también ha tenido sus pioneros, siendo Bobby Vinton uno de sus máximos representantes. Aunque su actividad ha ido decreciendo con el paso del tiempo nunca ha abandonado definitivamente su carrera. Durante unos cuantos años fue el propietario del “Bobby Vinton Blue Velvet Theatre” en Branson donde dio rienda suelta a esa ilusión que siempre tuvo por interpretar su música apoyado por una gran orquesta.

Vendería el teatro en el año 2002 y la única condición que impondría para llevar a cabo dicha venta sería la de que una vez al año pudiera volver para interpretar sus canciones durante una noche acompañado de una orquesta, algo que repite incluso en nuestros días. Genio y figura.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

No nos alejamos demasiado del momento que hemos vivido en nuestra sección pionera de hoy ya que continuamos en la década de los 60 con el objeto de iniciar el repaso a las canciones que triunfaron en otros tiempos y que formaron parte de las listas graminoleñas. Para empezar nos trasladamos hasta el 10 de junio de 1968 para degustar las dos entradas que se producían aquel día, protagonizadas ambas por dos grupos caracterizados por las sincronizaciones vocales de sus miembros. Vamos con ellas.

La primera nos llega desde nuestro propio país de la mano de un grupo que surgió en el año 1963 bajo el nombre de Los Àngeles Azules pero que despegaría definitivamente en el año 1966 pasando a denominarse simplemente Los Ángeles. A partir de ese momento serían considerados como una de las mejores bandas españolas del momento gracias a sus armonías vocales que calaron claramente entre público y críticos.

Se convirtieron en uno de los grupos pioneros en traer a España sonidos y estilos que triunfaban en los países anglosajones, que eran los que marcaban las pautas a seguir en el panorama musical internacional, y rápidamente adquirieron un gran prestigio. Fueron asiduos durante bastante tiempo a nuestra lista y aquel 10 de junio de 1968 colocaban en la misma su tema más conocido y exitoso y con el que iban a lograr los mejores registros graminoleños.

Se trata de “Mañana Mañana” una melódica composición en la que la compenetración coral es excepcional y con la que consiguierons los mejores resultados de su carrera, al igual que en nuestra lista donde permanecerían durante 37 semanas para alcanzar el top 8.

La andadura del grupo finalizaría trágicamente en el año 1976 cuando dos de sus miembros, Alfonso Gonzáles (Poncho) y José Luis Avellaneda fallecían en un desgraciado accidente de tráfico, llevándose por delante a uno de los mejores grupos vocales que ha dado la música de nuestro país.

La segunda entrada de aquella semana estaba protagonizada por uno de los grupos de mayor éxito a nivel internacional que presentaba también la característica de una compenetración vocal excepcional entre los tres miembros que realizaban esas labores. Estoy hablando de Bee Gees, que como ya sabéis, por aquella época eran un quinteto ya que a los tres hermanos Gibb había que sumar la labor del guitarrista Vince Melouney y el batería Colin Petersen.

La canción que colocaban en nuestra lista aquel día es una de las mejores baladas de su carrera, al menos de su época como quinteto y alejados del falsete que les llevaría al estrellato, y fue compuesta por Barry Gibb tras una discusión con sus hermanos, algo bastante habitual en aquellos tiempos y que incluso provocaría la salida provisional del grupo por parte de Robin.

Estoy hablando de “Words”, una canción que curiosamente no fue incluída en ninguno de sus álbumes y que únicamente aparece en sus recopilatorios, algo que desconocían los propios hermanos Gibb que reconocieron que su actividad era tan frenética en aquella época y tantos los sencillos que publicaban que no eran capaces de controlar donde aparecía cada uno de ellos. Donde sí aparecerían sería en nuestra lista durante 13 semanas para alcanzar el puesto 23 como mejor registro.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Dos son también las entradas que presentaba la lista graminoleña que estrenábamos el 10 de junio de 1978. Podríamos decir aquello de “mujeres al poder” ya que ambas están protagonizadas por carismáticas féminas que se encontraban en por aquel entonces en uno de los mejores momentos de su carrera. Vamos a empezar por la que para mí es la mejor de las dos y que puede considerarse como una de las mejores baladas que nos deparó la década de los 70.

La galesa Gaynor Hopkins acababa de publicar su segundo disco tras un prometedor comienzo con su primer álbum. Lo que no esperaba nadie es que una de las canciones que conformaban ese nuevo trabajo iba a lanzarla de manera fulminante hacia el estrellato y convertirse en una de las figuras más populares del momento. Como supongo que la mayoría de vosotros no sabréis de quien estoy hablando os dire que se trata de la carismática Bonnie Tyler.

Lo que más llamaría la atención de esta artista sería su manera de cantar ya que su voz rasgada se convertiría en su principal atractivo, llegando a ser comparada con Rod Stewart por este motivo. Lo cierto es que esa característica voz no era natural sino que llegó provocada por una operación de unos nódulos que tenía en las cuerdas vocales que tuvo lugar meses antes de la grabación del disco. Sea como fuere, los resultados serían fundamentales para que se convirtiera en una de las principales artistas de aquella época.

Como os podréis imaginar la canción que nos regalaba en la lista de aquella semana no es otra que “It’s a Heartache”, una de las composiciones más emblemáticas de la década de los 70, un tremendo éxito en todo el mundo y la canción más representativa de toda la carrera de Tyler. Un auténtico lujo que nos acompañó durante 48 semanas para quedarse al borde de lograr el número 1 teniendo que conformarse con el número 2. Una grandísima canción, una grandísima artista.

Al mismo tiempo, la norteamericana Juice Newton grabó una versión de este tema y aunque su calidad es tambien bastante grande, quedaría eclipsada por el original grabado por Tyler.

La segunda entrada de la semana setentera también tiene protagonismo femenino aunque en esta ocasión se trata de un dúo español que en aquel momento alcanzaba cotas de popularidad tremendas no solamente en nuestro país sino que también en el resto de Europa. No es de extrañar esta circunstancia ya que para poder abrirse camino en el mundo de la música abandonaron nuestro país para instalarse en Alemania desde donde darían su salto definitivo, historia que ya os he contado no hace mucho. Estoy hablando de Baccara.

Su popularidad era tan grande y su éxito en el centro de Europa tan rotundo que aquel año 1978 llegarían a participar en el festival de Eurovisión representando a Luxemburgo e interpretando una canción en frances que atendía al título de “Parlez Vous Français?”. Volvían a ser una vez más profetas lejos de nuestras tierras antes que en su propio país.

Los resultados que obtendrían en el festival sería más que dignos, acabando en séptima posición y en cuanto a las ventas que lograrían de esta canción se repetiría la tónica bastante habitual de lograr mejores registros en algunos países europeos que en nuestro país. En cuanto a nuestra lista, nos acompañarían durante 22 semanas para alcanzar el top 21, unos resultados más que aceptables.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

El mundo de la música y el del cine siempre han ido cogiditos de la mano como hemos podido comprobar en muchísimas ocasiones. Para los que sois de mi generación, para los nacidos en las decadas de los 60 y de los 70, hay una película que sin lugar a dudas marcaría un antes y un después en cuanto al cine musical. Una de esas películas que habremos visto un sinfín de ocasiones y con la que seguimos vibrando al escuchar su banda sonora.

Además, en estas fechas se cumplen ya 40 años de su estreno y que mejor manera que rendir un merecido homenaje a esa película, fundamental para entender lo que supone el cine musical, que darle todo el protagonismo del póster central de “La Graminola” de esta semana. Así que todos preparados para disfrutar con la música, los bailes y todas las historias que rodearon al rodaje de la inolvidable “Grease”.

Cuando se estrenó la película en España venía acompañada ya de los ecos de su tremenda acogida en Estados Unidos, pero para nosotros la mayoría de sus intérpretes eran unos perfectos desconocidos, a excepción de Olivia Newton John que tenía cierta popularidad en su faceta como cantante. Así pues gente como Stockard Channing, Jeff Conaway, Barry Pearl, Michael Tucci, Kelly Ward, Didi Conn, Jamie Donnelly o Dinah Manoff eran actores que nada nos decían.

Pero el gran atractivo de esta película era la presencia de John Travolta quien había adquirido una tremenda popularidad un año antes con su papel de Tony Manero en otra de las emblemáticas películas musicales de la historia del cine como es “Saturday Night Fever”. Si con ella se puso en circulación, con Grease daría el salto definitivo en su carrera como actor, aunque su intento de abrirse camino también en el mundo de la música no fuese tan fructífero.

Todos nos sabemos de memoria sus canciones, todos conocemos sus diálogos, todos recordamos perfectamente y al milímetro cada una de sus coreografías, pero lo cierto es que es una película que está llena de anécdotas y noticias que quizás no sean conocidas por todos. Desde la página central de “La Graminola” del día de hoy vamos a intentar contaros todo lo que rodeó al rodaje de esta película que hasta la llegada de “Mamma Mía” fue el musical cinematógrafico de mayor recaudación de la historia. Empecemos pues a llenarnos de brillantina.

“Grease” nacería en forma de musical en el año 1971 de la mano de Jim Jacobs y Warren Casey, produciéndose su estreno en un pequeño teatro de Chicago. El éxito cosechado en su puesta de largo les llevaría a estrenarlo en Broadway tan sólo un año después, convirtiéndose en uno de los musicales preferidos por el público norteamericano. Su salto al cine era cuestión de tiempo.

Sería en el año 1978 cuando de la mano del director Randal Kleiser la obra llegó al cine convirtiéndose en la película musical del año y batiendo todos los records habidos y por haber en recaudación. Además de inmediato se convertiría en una de las películas de referencia de la juventud de aquella época, tanto por su música como por sus personajes y coreografías.

La mayoría de las canciones que integran la banda sonora y aparecen en la película están interpretadas por los propios actores, pero hay algunas excepciones en las que son grandes músicos vinculados a las décadas de los 50 y 60 los que realizan este cometido. Esto sucede con la canción que abre la película y que toma su título, que sería intepretada por Frankie Valli, el que fuera líder del grupo The Four Seasons. Se trata de un tema completamente nuevo que no pertenece al musical teatral y que fue compuesta nada más y nada menos que por Barry Gibb. De inmediato se convertiría en una de las dos canciones de la banda sonora que llegaría al número uno en Estados Unidos.

Curiosamente las opiniones de los críticos especializados fueron bastante malas cuando se produjo su estreno. Calificaron la película de insufrible, con una música deplorable, unos actores nefastos y unos número musicales carentes de originalidad. Vamos que se lucieron, porque la película caló de inmediato en el público de todo el mundo y reventó taquillas allá donde se estrenaba. Su música se oía una y otra vez en las emisoras de radio y todos querían ser Danny o Sandy, imitando sus movimientos y sus coreografías.

Una de las características que más llamaría la atención sería la forma de caminar que tenían los protagonistas masculinos, los famosos “Thunder Birds”. Pues bien, todo tiene una explicación. Resulta que Jeff Conaway, que interpretaba a Kenickie, el inseparable amigo de Danny Suko (John Travolta), era más alto que este último por lo que para que no se notara demasiado al director se le ocurrió la idea de que caminara de esa manera tan especial.

La película está repleta de momentos espectaculares como el que nos ofrecen los “Thunder Birds” y las “Pink Ladies” por separado indagando sobre las vacaciones de verano que vivieron Danny y Sandy sin saber lo cerca que estaban de reencontrarse, a los compases de la mágica “Summer Nights”.

De los actores que se eligieron para actuar en la película, únicamente Olivia Newton John tenía experiencia como cantante y, curiosamente, fue la que más dudó en tomar parte en la película. Con anterioridad el papel de Sandy había sido ofrecido a diferentes actrices, entre la que se encontraba Carrie Fisher, la Princesa Leia en la saga de “La Guerra de las Galaxias”. Tras muchas dudas, la capacidad de convicción de John Travolta conseguiría que Olivia se decidiera a interpretar a Sandy.

Una de las cosas que más llamaría la atención es que aunque los protagonistas de la película eran estudiantes de instituto, todos los actores superaban con creces la edad que deberían tener esos protagonistas. El caso más llamativo sería el de Stockard Channing, que interpretaba el papel de Rizzo, quien superaba incluso la treintena. Está claro que lo que realmente importaba era la música porque pensar que ella podía aparentar ser una adolescente de instituto … pues como que no lo acabo de ver.

La rivalidad entre Rizzo y Sandy es patente durante toda la película. El personaje de la primera estaba basado en Marilyn Monroe y el de la segunda en Sandra Dee, lo que llevaría a uno de los momentos de lucimiento de Stockard interpretando el tema “Look At Me I’m Sandra Dee”.

Hay bastantes aspectos que cambian en la película con respecto a la obra teatral original. En unas ocasiones canciones o coreografías y en otras pequeños detalles. En esta canción hay un momento en el que se hace referencia a Elvis Presley. Esta referencia se introduciría sobre la marcha ya que durante el rodaje de la película se produciría el desgraciado acontecimiento del fallecimiento del “Rey del Rock”, que estuvo muy cerca de intervenir en la película, pero eso os lo cuento un poco más adelante.

Olivia Newton John tuvo sus momentos de lucimiento en solitario. El más especial llegaría mientras interpretaba la canción “Hopelessly Devoted To You”. Esta canción sería incluída en el ultimo momento y la escena se rodaría cuando la película ya estaba terminada. Curiosamente, y a pesar de haber estado muy cerca de no ver la luz, este tema sería nominado al Oscar a la mejor canción, aunque finalmente no lograría ganar la estatuilla que iría a parar a manos de Donna Summer por su “Last Dance” de la película “Por Fin Es Viernes”.

Una de las escenas más espectaculares de la película es sin duda alguna cuando los chicos están intentando preparar su coche para una carrera contra su banda rival. Es el momento del baile más imitado y más recordado de toda la película al ritmo de “Grease Lightning”. ¿Quién de los de mi quinta no ha meneado ese brazo de derecha a izquierda y de arriba a abajo como hacia Travolta? Sin duda alguna es mi momento preferido.

Esta escena y esta canción tienen su historia. Jeff Conaway había interpretado en el teatro el papel de Kenicky, y en la obra teatral esta canción la interpretaba él llevando el mando de la coreografía ya que le correspondía a su personaje el protagonismo al ser quien iba a disputar la carrera. Sin embargo, Travolta en cuanto vio la coreografía de la escena se enamoró de ella y decidió que tenía que ser suyo el protagonismo más absoluto. Una vez más, su capacidad de convicción le haría salirse con la suya y aunque hubo algún roce entre los dos actores no repercutió lo más mínimo en el rodaje.

En la película hay colaboraciones muy especiales. La más llamativa quizás sea la de Frankie Avalon, otro de los cantantes veteranos que triunfaría en la época en la que la película está ambientada, que interpretaría al Ángel de la Guarda de Frenchie, personaje interpretado por Didi Conn, en la canción “Beauty School Dropout”.

La intención incial era que quien interpretase el papel de angelito fuese el mismísimo Elvis Presley, pero su repentino fallecimiento acabaría con esa posibilidad y el bueno de Avalon viviría un pequeño mal momento cuando fue elevado a las alturas ya que sufría de vértigo y lo pasó bastante mal durante el rodaje de la escena.

La banda sonora no solamente cuenta con la música de las distintas escenas en las que los actores realizan las correspondientes coreografías sino que también cuenta con algunas colaboraciones muy especiales. Me estoy refiriendo a canciones que suenan en segundo plano, como fondo, bien en la cafetería, bien antes de iniciar el baile o en situaciones similares. Vamos con dos de ellas que creo que son dignas de mención y a mí personalmente me encantan.

Louis St. Louis, un curtido y veterano músico colaborador habitual tanto en la obra teatral como en la película, aporta un par de canciones de su propia cosecha. Una de ellas es la titulada “Rock & Roll Party Queen” y es sonido puramente Grease.

La otra gran colaboración llega de la mano de una artista que a mí particularmente me encanta. Una de las cantantes norteamericanas triunfadoras en la década de los 50 y los 60 con los primeros albores del rock & roll. Hablo de Cindy Bullens que nos deja joyas como “Freddy My Love” o mi preferida “It’s Raining On Prom Night”, una preciosa balada que me emociona cada vez que la escucho.

Pero posiblemente la colaboración más especial llega en el momento del concurso de baile que se celebran en el Instituto. La música que los alumnos de Rydell High bailan una detrás de otra corre a cargo de un grupo consagrado en Estados Unidos y en el resto del mundo llamado Sha Na Na, aunque en la película toman el nombre ficticio de “John Casino & The Gamblers”.

De sus gargantas y de sus instrumentos saldrían clásicos del rock & roll como “Blue Moon” de Billy Eckstine, “Tears On My Pillow” de Little Anthony & The Imperials, “Hount Dog” de Elvis Presley (como véis muy presente en toda la película) o su particular y espectacular versión del tema de Danny & The Juniors titulado “Rock & Roll Is Here To Stay”.

La grabación de las escenas del baile fue el momento más duro que los actores y el resto del equipo tuvieron que soportar. Estas escenas fueron rodadas en el gimnasio del Instituto en verano, una vez finalizadas las clases, con todas las ventanas cerradas y sin aire acondicionado alguno, lo que llevaría a que varios de los que allí se encontraban sufrieran pequeños desmayos. Se agradecen esos sufrimientos porque todas las escenas quedaron espectaculares.

Eso sí, el momento culminante del baile, la escena principal de ese instante de la película vendría de la mano del tema titulado “Born To Hand Jive”, en el que Danny comienza bailando con Sandy y termina haciéndolo con Cha Cha di Gregorio tras una habilidosa maniobra de ésta.

John Travolta se convirtió en todo un símbolo tras esta película. Podríamos decir que su personalidad eclipsaría a la del resto de los actores y actrices que intervinieron en ella. De hecho, algunos de sus compañeros de reparto comentarían que cuando él rodaba lo llenaba absolutamente todo. Tras darse a conocer como Tony Manero en “Fiebre del Sábado Noche”, el personaje de Dany Suko le lanzaría definitivamente al estrellato.

Después le tocaría, a base de mucho esfuerzo, demostrarle a todo el mundo que no era únicamente una cara bonita y que detrás de ella había un grandísimo actor. De cualquier modo siempre podemos contemplar sus momentos de lucimiento en la película como es la interpretación de una de sus baladas más exitosas, “Sandy”.

Como os comentaba al principio, las críticas de los “entendidos” fueron atroces al principio aunque con una pequeña excepción. A la mayoría de ellos la aportación de Stockard Chaning, en su pape de Rizzo, era de lo poco que podía salvarse de la película y, por consiguiente, en su opinión el momento estelar musicalmente hablando de Grease venía de su mano.

Ese momento en concreto es su interpretación de la canción “There Are Worse Things I Could Do” y ciertamente interpretar a una adolescente de 18 años cuando en realidad se tienen 33 es un mérito tremento. Bravo por Stockard

Al personaje de Sandy hubo que introducirle algunos cambios para la versión cinematográfica. En la versión teatral se trataba de otra estudiante más del instituto, de nacionalidad norteamericana. Sin embargo, el acento australiano de Olivia Newton John llevaría consigo que en la película Sandy pasase a ser una alumna de intercambio de esa nacionalidad.

Su dulce voz volvería a brillar con luz propia en la interpretación de “Look At Me I’m Sandra Dee (reprise)” tras la carrera de coches en el canal. Por cierto, el rodaje de esas escenas sería otro de los momentos más duros y delicados de la película ya que las condiciones higiénicas del agua estancada que allí había no eran las más idóneas y algunos de los miembros del equipo cogería alguna pequeña infección.

Poco a poco vamos llegando al final de la película y lo hacemos con los dos últimos números musicales que vienen prácticamente entrelazados y son un auténtico broche de oro. Un final simplemente espectacular.

Para empezar llegaría el momento en el que Sandy cambia totalmente de imagen para recuperar a Dany. Para este número a Olivia Newton John le dieron carta blanca para que luciera un aspecto explosivo y sería ella la que decidiría embutirse en sus famosos pantalones de cuero negro. Unos pantalones que le estaban tan ajustados que terminaron reventando y para poder utilizarlos tuvieron que cosérselos a su ropa interior.

Curiosamente, “You’re The One That I Want” estuvo muy cerca de no ser incluida en la película ya que a su director no le gustaba lo más mínimo, la odiaba. Finalmente se convertiría en el segundo número uno de las listas norteamericanas, la canción preferida por la mayoría de sus fans y el verdadero momento estelar de Grease. Así que deleitemos nuestros oidos y ojos.

Sin solución de continuidad llega el número final en el que todos los participantes en la película interpretan una canción que se convierte en un pequeño tributo al rock and roll de la época, además de un canto a la amistad. Estoy hablando de “We Go Together”.

Este número se resultó tan espectacular ya que aprovecharon que durante el rodaje una feria de verdad pasó por allí y pudieron grabar sus escenas a lo grande, convirtiéndose en un maravilloso punto y final a la película. Expresiones como “rama lama ding dong”, “sha na na na”, “boogdie dee boogdie dee”, “change change change de boop duap” o el famosísimo “Uambabuluba balam bambu” que aparecen en esta canción son grandes “gritos de guerra” de algunos de los clásicos del rock de los 50 y los 60.

De cualquier manera, lo que está claro es que Grease fue un fenómeno de masas en su momento y gracias a que sus canciones nunca han pasado de moda y a los distintos momentos en los que se ha ido llevando al teatro en todo al mundo han conseguido que hoy en día continúe muy presente en el panorama musical. Os puedo asegurar que es la película que más veces habré visto en mi vida de la misma manera que estoy convencido que todavía la veré unas cuantas veces más.

Unos años después, concretamente en 1982, se intentaría reeditar el éxito con el estreno de “Grease 2”, pero la película protagonizada por una jovencísima Michelle Pfeiffer y en la que solamente Didi Conn (Frenchie) repetía de la película original, sería un estrepitoso fracaso.

Siempre se ha especulado con una tercera película pero en la que participaran los artistas que protagonizaron la primera. De hecho, el correspondiente guión se les hizo llegar hace algunos años tanto a John Travolta como a Olivia Newton John, pero nunca se han decidido a dar el paso. Además, con el fallecimiento de Annette Charles (Cha Cha di Gregorio) y Jeff Conaway (Kenicky), las cosas ya no serían igual.

En fin, espero que hayáis disfrutado como yo recordando buenos tiempos de la mano de la brillantina más famosa de la historia, que pese a tener ya cuarenta años de edad sigue poniendo a bailar a jóvenes y menos jóvenes sin discriminación alguna.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Continuamos nuestro habitual recorrido por las listas graminoleñas de distintas épocas y nos situamos ya en la mágica década de los 80. Concretamente viajamos hasta la lista que se estrenaba el 12 de junio de 1988 que presentaba dos nuevas entradas de dos artistas que se encontraban en un magnífico momento y que nos regalarían dos canciones para recordar.

Pero vamos a empezar on otra novedad todavía más importante que presentaba dicha lista, un trepidante cambio en el liderato de nuestro ránkingfavorito. Digo trepidante porque la rapidez con la que el artista que se colocaba ese día en lo más alto de la lista lo hizo en un tiempo récord ya que lo logró tan sólo cinco semanas después de haber entrado en la misma, cifras nunca vistas ni antes ni después.

Estoy hablando del señor Tino Casal y su maravillosa versión de “Eloise”. Como hace apenas un mes que ya os hablé detenidamente de la historia de esta canción no nos queda otra cosa más que volver a disfrutar de ella para celebrar su más que merecido número uno.

Vamos a continuación con las dos entradas de aquella semana. La primera de ellas nos llega desde nuestro propio país de la mano de uno de los solistas más prestigiosos de nuestra música y que en aquel instante se encontraba en un momento extraordinario. Acababa de publicar nuevo disco, el noveno de su carrera, bajo el título de “XXX”, con el que mostraría una nueva evolución en su sonido y una madurez ya definitivamente asentada. Estoy hablando de “Miguel Bosé”.

Este álbum fue concebido con la idea de que Bosé pudiera introducir su música en el mercado norteamericano, aunque sus resultados no serían lo suficientemente satisfactorios en este aspecto, si bien tanto en nuestro país como en Latinoamérica conseguiría triunfar a lo grande una vez más, siendo considerado por algunos éste album como uno de los mejores de su trayectoria.

El tema que colocaba en nuestra lista aquel 12 de junio de 1988 es una de las canciones destacadas de este álbum. Se trata de “Corazón Infame”, un medio tiempo con el que nos acompañaría durante 22 semanas para lograr como mejor registro el puesto número 7.

La segunda entrada de aquella semana es un auténtico lujo. Nos llega de la mano de una artista de los pies a la cabeza, con una voz cautivadora y una música original y especial que conquistó al público desde su irrupción en el panorama musical internacional cuatro años atrás. Una artista única con una belleza tanto artística como física bastante pronunciada. Estoy hablando de “Sade”.

Lo curioso del caso es que el proyecto inicial nació como una banda y no como una solista, pero fue tanto el protagonisto que su vocalista, la cantante inglesa de ascendencia nigeriana Sade Adu, lograría y tanta la seducción que el público en general experimentó con ella, lo que provocaría un giro total para terminar convirtiéndose en la protagonista absoluta. Ese giro provocaría que los músicos que la acompañaban, Stuart Colin Mattewman, Paul Spencer Denman y Andrew Hale se convirtieran en únicamente su grupo de acompañamiento.

Con sus dos primeros discos logró un éxito total en toda Europa y en el año 1988 publicaba su tercer álbum bajo el título de “Stronger than Pride”, reeditando los buenos resultados cosechados con los dos anteriores, convirtiéndose de esta manera en una de las principales artistas del panorama musical internacional de aquel momento.

Una de las canciones más destacadas de este álbum sería “Love Is Stronger Than Pride”, con la que se colocaría en nuestra lista aquel día para acompañarnos durante 18 semanas y alcanzar el top 14. Auténtica música cinco estrellas.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Damos un salto de diez años y nos situamos en la lista graminoleña que se publicaba el 14 de junio de 1998, la cual presentaba como gran novedad la entrada de un tema que con el paso de las semanas alcanzaría incluso el puesto más alto. Nos la trae un artista polifácetico y carismático que ha ido alternando su carrera de actor con la musical obteniendo buenos resultados en ambas.

Will Smith es uno de esos artistas que como vulgarmente se dice parece haber nacido de de pie. Todos los proyectos en los que se ha ido embarcando han terminado siendo un rotundo éxito y la popularidad que adquiriría interpretando el papel principal de la televisiva serie de “El Príncipe de Bell Air” le catapultaría a la fama y le convertiría en uno de los actores más conocidos y carismáticos de Hollywood.

Durante el rodaje de la serie ya apuntaría maneras a la hora de hacer música con su gran amigo Jazzy llegando a publicar un álbum juntos tomando el nombre artístico de “Jazzy Jeff & Fresh Prince”, pero sería precisamente en el año 1998 cuando aparecería en el mercado su primer disco como solista bajo el título de “Big Willie Style”, convirtiéndose en una de las sorpresas musicales de aquel año.

La canción más representativa de este álbum y su primer sencillo de éxito como solista sería “Getting Jiggy With It”, el tema que incluiría en nuestra lista graminoleña del 14 de junio de 1998 y con la que nos visitaría durante 42 semanas para alcanzar como os comentaba antes el número 1 durante 4 de ellas.

Por si fuera poco, el título de la canción utiliza un juego de palabras que ayudaría a que su popularidad fuese todavía mayor. La expresión “jiggy” es una desviación de un término despectivo utilizado para hacer mención a las personas de color, “jigaboo”. Will le daría ese giro para hacer mención a ese don que estas personas parecen tener a la hora de bailar. Además utilizaría un sampler en su melodía de uno de los temas más destacados de la música de los 80: “He’s a Greatest Dancer” de las grandísimas “Sister Sledge”.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Finalizamos ya el repaso en el tiempo que abordamos cada semana con la música que nos traía el nuevo milenio, por lo que nos situamos en el 8 de junio de 2008 para disfrutar de tres grandes canciones, dos nuevas entradas y el cambio en el número uno. Vayamos por orden y empecemos por el tema que se situaba en lo más alto de nuestro ránking.

Se trata de un auténtico lujo, tanto por la canción en sí como por la grandísima artista que la protagoniza, una de las mejores cantantes de la actualidad, poseedora de una espectacular voz, como es Alicia Keys. Si buscamos calidad, en sus discos la encontraremos a raudales.

Las comparaciones siempre se ha dicho que son odiosas, pero en algunas ocasiones se hacen inevitables. Siempre se habló de ella como la nueva Withney Houston, aunque en mi modesto entender está un poco por debajo de ella en cuanto a potencia vocal. Pese a esta manifestación creo que su voz es impresionante y capaz de llegar a cualquier registro que se proponga, dulce por momentos, intensa cuando hace falta.

En el año 2007 publicaba su tercer disco titulado “As I Am”, en el cual se incluía “No One”,  nuevo número 1 de nuestra lista desde aquel día, puesto que ocuparía durante 5 semanas, sustituyendo en lo más alto de la clasificación a Juanes y su “Me Enamora”

Vamos ya con las dos entradas que se producían en nuestra lista aquella semana, protagonizadas por dos grupos de gran prestigio y mucho éxito, uno español y otro mexicano, que nos regalaban dos canciones con un largo recorrido que alcanzaron los puestos de privilegio del ránking graminoleño. Empecemos por el producto nacional.

Eva Amaral y Juan Aguirre, o lo que es lo mismo, Amaral, se han convertido en uno de los grupos con mayor protagonismo y de mayor éxito desde su aparición en el panorama musical español allá por el año 1992. Sus discos se venden como auténticas rosquillas y sus giras muestran unas actuaciones en directo con una entrega, calidad e intensidad bastante elogiables. Además, a estas alturas de la película mostraban ya una veteranía y profesionalidad más que evidentes.

Por aquellas fechas acababa de salir al mercado un nuevo álbum bajo el título de “Gato Negro / Dragón Rojo”, un disco doble compuesto por 19 canciones con el que iban a lograr de nuevo un tremendo éxito de ventas y unas críticas bastante buenas por parte de los entendidos en la materia. Un disco arriesgado no solamente por el número de canciones que lo integraban sino por los distintos estilos y sonidos que en él se incluyen.

En esta ocasión muestran un sonido algo más intenso y unas letras más comprometidas de lo habitual, dejando atrás el pop claro y limpio que hablaba del amor y de lo cotidiano que había protagonizado hasta ese instante sus discos. Esta evolución se aprecia claramente en el sencillo que sirvió como presentación del álbum, una canción titulada “Kamikaze” con la que nos acompañarían durante 39 semanas para alcanzar el top 3.

De lo que no cabe ninguna duda es de que nos encontramos antre un disco totalmente innovador dentro de su carrera hasta el punto de que en él se incluye por primera vez una canción interpretada por Juan Aguirre titulada “Es Sólo una Canción” y que a mí personalmente me parece una de las mejores de todo el álbum.

La segunda entrada de aquella semana es una de esas canciones que tiene una curiosa historia detrás de ella. Se trata de un tema que fue compuesto en el año 1984 y que nunca ha perdido actualidad y sobre el que se ha argumentado siempre que su letra estaba inspirada en una vivencia personal de su autor aunque realmente no fuera así. Os cuento la historia al completo pero ya os digo que es más bonita la versión ficticia que la verdadera.

Marco Antonio Soler es uno de los cantantes latinos de mayor prestigio desde hace mucho tiempo. El mexicano es el autor de esta segunda entrada en la lista graminoleña del año 2008 de la que hoy nos estamos encargando aunque versionada por unos compatriotas que no le van a la zaga en cuanto a prestigio musical. El tema en cuestión se ha convertido en un clásico y en un auténtico himno que ha pasado de generación en generación en su país y fuera de él. Estoy refiriéndome a “Si no te Hubieras Ido”.

La versión que se fue extendiendo sobre cual había sido la inspiración de Solís para escribir su letra es la siguiente: Cuando contrajo matrimonio con Beatriz Adriana, ésta ya tenía un hijo de su anterior matrimonio llamado Leonardo con el que congenió bastante bien, manteniendo una relación casi paternal. Aun después de la ruptura del matrimonio, Solís siguió manteniendo relación con el chico y en el año 2000 saltaría la trágica noticia. Leonardo fue secuestrado y cinco días después la policía encontró su cadáver. Según empezó a comentarse, ésta es la motivación de su composición, pero por muy tierno y emotivo que suene no es la realidad.

Lo cierto es que la canción fue grabada por Marco Antonio Solís por primera vez en el año 1999 cuando decidió publicar un disco cantando aquellas composiciones propias que habían sido interpretadas por otros artistas. “Si no te Hubieras Ido” fue compuesta para un disco de una artista mexicana llamada Marisela en el año 1984 y logró bastante éxito, lo que quiere decir que fue grabada con anterioridad al luctuoso suceso de su hijastro. Aclarado queda.

Solís es un grandísimo compositar y esta canción es una maravillosa, pero centrándonos en la lista de la que nos estamos encargando tenemos que viajar hasta el año 2008 momento en el que Maná realizaron su propia versión. Cuando juntas una canción extraordinaria con un grupo versátil y de calidad como los mexicanos los resultados no pueden ser más que excepcionales.

En nuestra lista también demostrarían la calidad de su versión ya que se mantendrían en ella durante 42 semanas para alcanzar el top 5.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Los que venís siguiendo “La Graminola” desde el principio sabéis que por esta sección ha sido bastante habitual que hayan pasado artistas vinculados al mundo de los niños, Esos ídolos que todos hemos tenido cuando éramos unos tiernos infantes y que nos han dejado buenos momentos musicalmente hablando. También han pasado por aquí artistas más o menos serios haciendo música muy alejada de la infantil, como en botica hemos tenido de todo. Pues bien, en el día de hoy el protagonismo de la sección lo va a tener un programa televisivo que unía ambas facetas, la infantil y la adulta, y que con el paso del tiempo se ha convertido en una especie de hito dentro de la música y la televisión hecha en nuestro país.

Muchos fueron los momentos musicales que esta serie nos obsequió y muchos los personajes que calarían entre el público infantil por un lado y juvenil por el otro, ya que la versatilidad que sus distintas secciones ofrecía daba para que todos prestásemos atención a lo que nos enseñaba. De lo que no cabe ninguna duda es de que el programa ideado y dirigido por la gran Lolo Rico supuso un soplo de aire fresco, originalidad y creatividad que todos hemos agradecido siempre.

Así pues “La Graminola” va a rendir un pequeño homenaje a este programa que fue emitida por TVE entre los años 1984 y 1988 y para ellos voy a ofreceros tres de las canciones más recordadas del programa. Nos encontrábamos en pleno apogeo de La Movida y de la Transición y el modernismo que a ambos movimientos estaban mostrando se pondría también de manifiesto en la manera de hacer televisión, tan distinta a la de ahora, mucho mejor que la de ahora.

Lo mejor es empezar por el principio y ello nos lleva al tema central de esta maravillosa serie. Una canción interpretada por uno de los iconos más representativos de La Movida y del pop español como era Alaska que además tenía un papel primordial dentro del desarrollo del programa, convirtiéndose de esta manera no solamente en una de las artistas del panorama musical español más importantes sino en un personaje de gran popularidad entre el público infantil.

De los que sóis de mi quinta ¿quién no recuerda aquello de “Te sientas enfrente y es como el cine / todo lo controla, es un alucine / es como un ordenador personal / es la Bola de Cristal”?

El programa estaba presentado por Isabel Bauzá y Gerardo Amechazurra y contaba con colaboradores habituales tales como Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Fedra Lorente, Enrique San Francisco o Anabel Alonso, así como artistas vinculados a la música como la citada Alaska, Pablo Carbonell, Loquillo, Javier Gurruchaga, Santiago Auserón o Kiko Veneno. Posiblemente ésta sería la clave del éxito del programa, acercar a las figuras que estaban surgiendo dentro de la música española a los más pequeños de la casa.

Pero hablar de “La Bola de Crital” es hablar de un grupo de personajes que se convirtieron en imprescindibles para los más pequeños. Unos muñecos que lograron una tremenda popularidad y cuyos nombres conocíamos todos de memoria. De esta manera “La Bruja Avería”, “La Bruja Truca”, “El Hada Vídeo”, “Maese Cámara” y “Maese Sonoro” deleitaban cada semana a los niños con sus aventuras acercándoles al mismo tiempo al mundo de la cultura y la música. Una jugada muy completa.

De todos estos personajes, el que mayor popularidad adquiriría sería “La Bruja Avería” quien tenía la habilidad de estropear cualquier aparato eléctrico al que se acercase. Tenía su propia canción que era interpretada por otro de los personajes fundamentales de la historia del pop español como era Santiago Auserón, líder indiscutible de Radio Futura y que nos repetía una y otra vez aquello de “no se ría, no se ría, de la Bruja Avería”.

Estos personajes eran ademas unos auténticos revolucionarios, impregnándose de los grandes cambios que estaba viviendo la sociedad española en aquel momento. Su lema era “Viva el mal, viva el capital” y nos obsequiaron semana tras semana expresiones tales como “Soy Avería y aspiro a la Alcaldía”o la más auténtica de todas como era “Desenseña a desaprender cómo se deshacen las cosas”. Geniales.

El programa estaba inicialmente estructurado en tres secciones bien diferenciadas aunque existía una cuarta que en un principio estuvo separada de él y se emitía de manera independiente, que posteriormente se incorporaría al final de las otras tres cada semana. Llevaba el título de “La Cuarta Parte” y estaba dirigida al público adolescente, aunque los peques tampoco se la perdían empapándose de todo lo que se cocía en nuestro país.

Dentro de esta sección se emitían videoclips y actuaciones en vivo de los artistas que estaban protagonizando la música en nuestro país. De hecho puede considerarse “La Bola de Cristal” como el auténtico programa precursor en emitir videoclips musicales hasta el punto de que la mayoría de los artistas más representativos de “La Movida” llegaron a grabar vídeos exclusivos para el programa de los temas con los que triunfaban. Podríamos decir que en este aspecto se convirtió en una auténtica referencia para el público juvenil interesado por la música pop y rock de nuestro país.

Fueron muchas las intervenciones musicales que el programa emitió durante sus casi cuatro años de duración, por lo que hay donde elegir, pero como hay que quedarse con una de ellas voy a hacerlo con un tema de unos jovencísimos por aquel entonces Loquillo y Trogloditas que nos ponían a bailar rockabilly al ritmo de “El Pupitre de Atrás”.

De lo que no cabe ninguna duda es de que “La Bola de Cristal” fue un auténtico hito dentro de la televisión española y se convirtió en una auténtica referencia para los niños y jóvenes españoles. Un programa capaz de sentar ante el televisor tanto a los más pequeños como a los adolescentes disfrutando a lo grande de todos sus contenidos.

Lamentablemente, hace mucho, mucho tiempo que ya no se hacen programas como éste y si a eso le sumamos la obsesión por el reggaetón …

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento de echar el cierre por hoy y como siempre vamos a rematar la faena con las tres últimas canciones que nos van a mostrar estilos vastante distintos entre sí y  una indudable calidad. Como siempre vamos a empezar con un pequeño homenaje a uno de los grandes compositores de música para el cine, continuaremos con buen pop español y finalizaremos con una novedad de auténtico lujo. Empecemos pues a despedirnos (por hoy).

 

EFEMÉRIDE

 

Una vez más música y cine se dan la mano gracias a un compositor especializado en bandas sonoras de películas de todos los tiempos. Él es Henry Mancini y conmemoramos el aniversario de su fallecimiento. Auténtica música cinco estrellas.

 

Para disfrutar de la efeméride de esta semana nos vamos al cine, porque el músico que la protagoniza es uno de los compositores más reconocidos dentro del séptimo arte ya que desarrolló su carrera en exclusividad para crear las bandas sonoras de algunas de las películas más destacadas de la historia del cine, una de las cuales terminaría siendo una especie de himno para los amantes de las series de dibujos animados como ahora os contaré. Estoy hablando de Henry Mancini que tal día como hoy del año 1994 fallecía dejándonos un legado imborrable.

Desde muy niño mostró su interés por la música y tras aprender a tocar la flauta se dio cuenta de que eso era demasiado poco para él y a la temprana edad de 12 años dominaba ya el piano a la perfección y empezó a componer sus propias obras. En el año 1952 consiguió entrar a trabajar en los estudios Universal y a crear composiciones junto a otros músicos con el fin de que fueran incluidas paulatinamente en las películas que se fueran rodando. Pronto se dieron cuenta de que él no era uno más y su peso empezó a crecer de manera rápida y progresiva.

Asi pues, películas como “Desayuno con Diamantes”, “Días de Vino y Rosas”, “Arabesco”, “Charada”, “Dos En La Carretera” o “Hatari”, entre otras, llevaron su impronta en lo que se refiere a su banda sonora, llevándose la palma y adquiriendo una tremenda popularidad otra de sus composiciones, por la que es claramente reconocido y que todos hemos escuchado miles de veces.

En el año 1963 se estrenaba una película dirigida por Blake Edwars y protagonizada por David Niven, Peter Sellers, Capucine, Robert Wagner y Claudia Cardinale, una comedia que iba a cosechar un tremendo éxito, crear una saga de ocho películas más y dar lugar a una serie de animación infantil televisiva de un éxito y popularidad descomunales. Estoy hablando de “The Pink Panther”, o lo que es lo mismo, “La Pantera Rosa”.

Así pues, desde aquí rendimos un merecido homenaje a la figura de este genial creador de bandas sonoras que fue “Henry Mancini” y de paso recordamos los años más tiernos de nuestra infancia con uno de nuestros personajes favoritos con la música que siempre la acompañaba y que es parte también de la banda sonora de nuestras vidas.

 

LA EDAD DE ORO DE LA MÚSICA ESPAÑOLA

 

La sección dedicada a la música española nos la traen hoy unos chicos que aputaban muy buenas maneras pero que como tantos otros se quedaron por el camino. Se trata de Circodelia.

 

La sección que dedicamos cada semana a la música española nos llega en esta ocasión desde muy cerca en el tiempo de la mano de un grupo que mostró muy buenas maneras cuando irrumpió en el panorama musical de nuestro país pero que poco a poco fue perdiendo fuelle hasta terminar desapareciendo mucho antes de lo que pudiese haberse pensado.

Circodelia es de esos grupos que se lo curraron a la antigua usanza, tocando en garitos de todo tipo hasta que alguien se fijara en en ellos. Y quien lo haría sería nada más y nada menos que Alejo Stivel, el antiguo cantante de Tequila, que se convertiría en el productor de su primer disco, atraído por la forma de cantar y de actuar sobre el escenario de su vocalista Víctor “La Cobra” Pérez, que de algún modo le recordaba a él mismo.

Su primer trabajo, publicado en el año 2002, llevaría el título de “Las Chicas De Las Canciones” y el tema que le daba título lograría una buena acogida y un importante éxito, apoyándose en un sonido fresco y una imagen “stoniana” que les auguraba un futuro cuanto menos prometedor.

Aunque publicarían después un par de dicos más, pronto llegarían las disputas entre sus miembros por aquello de “esta no es la música que yo quiero hacer”, “es muy comercial”, “es demasiado pop” … vamos, lo típico. Por este motivo terminarían separándose y desde ese momento cada uno por separado se ha dedicado a colaborar con otros artistas. Una pena porque sus inicios auguraban buenos momentos.

 

NOVEDAD

 

La novedad de la semana nos trae música celta de la mano de Loreena McKennitt que rompe su silencio tras ocho años sin publicar temas nuevos.

 

Para cerrar el número de hoy vamos a viajar hasta Canadá, vamos a apagar las luces y a crear un ambiente relajado, porque vamos a sumergirnos en las aguas de la música celta y new age de la mano de una de las auténticas divas de este estilo como es la señora Loreena McKennitt, quien después de ocho años sin publicar material nuevo ha decidido regalarnos un nuevo álbum con la habitual calidad de siempre.

Su nuevo disco lleva el título de “Lost Souls” y con su habitual manera de tocar el piano, su inconfundible arpa y su dulce voz, demuestra que a sus 61 años de edad no ha perdido ninguna de sus virtudes y sigue ofreciendo buena música. Si los viejos rockeros nunca mueren, ella, a pesar de no serlo, tampoco.

En esta ocasión, Loreena mezcla temas inspirados en poemas de distintos autores con otros basados en Oriente Medio, no pudiendo evitar hacer referencia a temas bélicos dotándolos de un sonido épico como solamente ella sabe hacer. En estas aguas se mueve el sencillo que se ha elegido como carta de presentación del álbum.

Se trata de “Breaking of the Sword”, una composición dedicada al denominado “Día del Recuerdo” por el que anualmente se rinde homenaje a los miembros de las fuerzas armadas que han desarrollado su labor durante diferentes conflictos bélicos, en especial a los caídos durante la Primera Guerra Mundial. Un evento bastante arraigado en los países anglosajones que podría decirse que a partir de este momento tiene su propia banda sonora con esta espectacular canción obra de la canadiense. ​

Con este sonido tan épico y espectacular cerramos el número de “La Graminola” de esta semana. Eso sí, en siete día volvemos con más música, con más historias, con más joyas.

Hasta entonces, Graminoleños.

JUAN JOSÉ GOMARIZ