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LA GRAMINOLA – NÚMERO 8 – 18 DE ENERO DE 2018


Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.

Ya sabes que la base de la revista es dar un pequeño repaso con las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas distintas secciones a cada cual más recomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro poster, a doble página en el centro desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Y recordad que siempre estaré abierto a cualquier crítica, consejo, sugerencia o petición que vosotros, Graminoleños, me hagáis.

 

NUESTRA PORTADA

 

La lista de “La Graminola” nos llega por primera vez sin ninguna novedad “electrónica o reggaetónica”. En esta ocasión música romántica, pop latino y una artista muy grande como es nuestra Vanesa Martín. Esperemos que se repita pronto.

 

 

 

En la sección de “Los Pioneros” rendimos un merecidísimo homenaje a Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper que fallecieron trágicamente en una fecha que se daría en llamar “El Día en el que Murió la Música.

 

 

 

La lista de los años 60 viene cargada de contrastes. Por un lado uno de los grupos asiduos como son The Beatles. Por otro un grupo que versionaba temas latinos a su manera como son The Sandpippers. Tenemos de todo.

 

 

La lista de los 70 presenta dos novedades. Con una de ellas aprovechamos para irnos de guateque. La otra es un momento histórico ya que el punk irrumpe en las listas graminoleñas por primera vez de la mano de los auténticos padres de la criatura. Para no perdérselo.

 

 

 

El álbum de la semana no es otra cosa que la segunda parte de la historia del mítico álbum de los 4 de Liverpool Abbey Road. Hoy cerramos capítulo de manera espectacular.

 

 

 

 

La lista ochentera llega con una única novedad, pero de lujo, ya que viene de la mano de uno de los grupos más emblemáticos de “La Movida Madrileña” y de mayor reconocimiento de nuestro país. Hablo de los inconfudibles Gabinete Caligari”

 

 

 

Dejaron su impronta en forma de música durante la década de los 90 y hoy vienen a visitarnos. Lighthouse Family colocan esta semana en la lista de aquellos tiempos una de las mas maravillosas canciones de su carrera como es “Raincloud”.

 

 

La sección en la que repasamos la actualidad musical que nos trajo el nuevo siglo deja bien claro que lo que se iba a llevar eran las colaboraciones entre artistas. En esta oportunidad son Eros Ramazzotti y Ricky Martin quienes unen sus fuerzas.

 

 

Hoy nos ponemos serios con la “otra música” y nos sumergimos en el mágico mundo de la música étnica. Francia, Sudameríca y Àfrica nos ponen a tono con la música con raíces que se hace por allí.

 

 

Como siempre cerramos con una gran contraportada. La novedad es un auténtico lujo pero lo que os recomiendo que no os perdáis es el tema en vivo. Es sublime. Por supuesto no pude faltar un sentido homenaje a la recientemente fallecida Dolores O’Riordan

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Deberíamos marcar el día 14 de enero de 2018 como un día muy especial, porque en él se estrenó la última lista de actualidad de “La Graminola” y aunque llega con nada más y nada menos que tres novedades, ninguna de ellas es de música electrónica ni reggaetón. Tampoco es que sea para tirar cohetes pero al menos ofrece música más variada. A ver si esto crea escuela.

Vamos a ir por el orden de mejor posición que creo que es lo correcto, por lo que para empezar vamos a viajar hasta Gran Bretaña desde donde nos llega uno de los muchos jóvenes cantantes que han ido surgiendo en los últimos tiempos. Están todos cortados por el mismo patrón y ofrecen una música bastante similar: melódica, mucha balada, romanticismo, abuso de los gorgoritos … El nombre muchas veces es lo de menos porque casi todos suenan igual, pero en esta ocasión se trata de Charlie Puth, uno de los asiduos de la lista últimamente.

En las próximas semanas está prevista la publicación de su segundo disco, que llevará el título de “Voicenotes”, y como uno de los adelantos nos llega “How Long”, una canción que ofrece más de los mismo y que ya forma parte de nuestra lista desde el pasado domingo. Veremos hasta donde llega.

La segunda entrada de la semana nos llega desde Colombia, pero que no se asuste nadie que se trata de música pop, con sus toques latinos de rigor, pero buen pop. Nos llega de la mano de uno de los grupos emergentes más de moda del momento que siempre ha sabido rodearse de grandes artistas para que colaboren en sus canciones y en esta ocasión vuelven a repetir el buen gusto a la hora de elegir.

Supongo que a estas alturas muchos os imaginaréis ya que me estoy refirendo a Morat, un grupo formado por cuatro amigos que se conocieron en el instituto y que desde su debut de la mano de Paulina Rubio no han parado de lograr éxito tras éxito. Después llegaría la colaboración con Álvaro Soler y en esta oportunidad el elegido ha sido su compatriota Juanes.

Morat han colocado una nueva canción en la lista del 14 de enero que llega con su habitual sonido. Música divertida y bailable, un pop muy sencillo en el que no falta el sonido del banjo que les da ese toque latino tan personal. Su título es “Besos en Guerra” y habrá que seguirlos muy de cerca hasta donde son capaces de llegar. Porque ya se sabe que estos grupos que entran arrollando en el panorama musical de actualidad muchas veces desaparecen a la misma velocidad. Daremos tiempo al tiempo para conocer su recorrido.

Para terminar con la tercera entrada en lista vamos a regresar a nuestro país, concretamente hasta Málaga, porque de allí es la artista que llega a continuación, una cantante y compositora muy especial que desde su debut en el año 2006 no ha parado de crecer y de progresar y ya es sinónimo de buena música. Su nombre: Vanesa Martín.

He de reconoceros que Vanesa es una de mis debilidades entre las artistas de actualidad. Seguramente será porque me recuerda mucho a otra cantante y compositora que en mis tiempos más mozos me tenía cautivado como era Mercedes Ferrer. Ambas siempre han mostrado tener carisma, talento y ser auténticos torbellinos encima de un escenario.

Precisamente con el escenario tiene que ver la canción con la que ha entrado en nuestra lista esta semana, que por cierto es la primera ocasión en la que lo consigue. Se trata de “Hábito de Ti”, un tema inédito que ha sido compuesto en exclusiva para promocionar el DVD que contiene una de sus actuaciones en la gira de presentación de su último álbum, “Munay”, con el que ha logrado el mayor éxito de su carrera … hasta el momento.

Una lista sin una entrada de reggaetón es una excepción, pero hay que disfrutarla. ¿Se repetirá en breve? La respuesta en siete días.

 

LOS PIONEROS

La sección de “Los Pioneros” del día de hoy es muy especial a la vez que de auténtico lujo. Vamos a darle todo el protagonismo a tres jóvenes músicos que tenían toda la vida por delante y que se han convertido en auténticos mitos del mundo del rock & roll, cuyo futuro se vería truncado con motivo de un desgraciado accidente de aviación.

El 3 de febrero de 1959, con un tiempo infernal, en medio de una tormenta de nieve el avión que traslada a Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens, pilotado por un joven e inexperto piloto de apenas 21 años, terminaba estrellándose tan sólo ocho minutos después de despegar llevándose por delante las vidas de tres artistas que estaban llamados a escribir muchas de las páginas más destacadas de la historia de la música. El triste suceso recibiría el nombre de “El Día en Que Murió La Música” y hoy quiero desde esta revista rendirle tributo a tres auténticos mitos del rock & roll.

 

BUDDY HOLLY / THAT’LL BE THE DAY

Los tres artistas estaban embarcados en una agotadora gira que había organizado precisamente Buddy Holly, quien tras su separación de su grupo de acompañamiento de siempre, The Crickets, se encontraba prácticamente en la bancarrota. Habitualmente los traslados se realizaban en un autobús, pero éste se había quedado sin calefacción por lo que Holly tomaría la decisión de alquilar una pequeña avioneta en la que él y un par de acompañantes pudieran trasladarse.

En un primer momento, su bajista Waylon Jennins iba a ser uno de los que se subiera al avión, pero éste finalmente le cedería su asiento a The Big Bopper que padecía un fuerte proceso gripal. Cuando Holly se encaminaba a embarcar en el avión se cruzó con Jennins y bromearía con él diciéndole: “espero que tu autobús se congele”, a lo que el bajista le contestaría en el mismo tono desenfadado: “espero que tu avión se estrelle”. Las palabras resultarían premonitorias y provocarían en Jennins una eterna sensación de culpabilidad.

El carisma y la genialidad de Holly le habían llevado a convertirse en fuente de inspiración de muchos otros artistas. El mismísimo Elvis Presley siempre comentó que uno de los grandes culpables de que se dedicase al rock & roll fue el malogrado cantante. Con apenas 22 años ya había cosechado grandísimos éxitos, pero si yo me tengo que quedar con uno sería este mítico “That Be’ll The Day”.

Cualquier muerte de un artista, más si cabe si se produce en plena juventud, es un auténtico drama y una gran pérdida, pero la desaparición de Holly nos privaría sin ningún lugar a dudas de un músico que habría estado a la altura de gente como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Chuck Berry y el resto de grandes monstruos de la historia del rock.

 

THE BIG BOPPER / CHANTILLY LACE

Jiles Richardson era el verdadero nombre de The Big Bopper, el más veterano de los tres músicos pero con solamente 28 años de edad. Su carrera había sido más fácil que la de sus dos jovencísimos acompañantes, ya que sus inicios llegarían en el mundo de la radio donde se haría muy popular por su manera de dirigir sus programas y de presentar las canciones de puro rock & roll que siempre pinchaba en su emisora.

Dado el tremendo carisma que poseía y la atracción que ejercía sobre su audiencia, pronto le llegaría el ofrecimiento para dar el salto al otro lado y convertirse en un verdadero ídolo interpretando sus propias canciones. De esta manera nacería el fenómeno Big Bopper cuyo mayor éxito y auténtica seña de identidad sería “Chantilly Lace”, su primer número uno que sonaba a todas horas en la emisora. Aquel grito inicial de “Hello baaaaaaaaby” se convertiría en uno de los sonidos de la historia del rock.

La fama le había desbordado y tenía pensado dejar a un lado su carrera de cantante durante una temporada y retomar sus tiempos de presentador radiofónico. La razón principal era la de disfrutar de ese bebé que estaba a punto de llegar ya que su mujer estaba embarazada. Desgraciadamente no podría llevar a cabo sus deseos.

 

RITCHIE VALENS / LA BAMBA

Ritchie Valens era el más joven de todos, solamente tenía 17 años, pero ya estaba demostrando que poseía un talento descomunal. Pese a su juventud su figura crecía día a día habiendo surgido prácticamente de la nada. Es uno de esos casos de artistas que nacen de manera inesperada dentro de una familia muy humilde, sin apenas medios para subsistir y que encuentra en el mundo de la música la salida a todas sus penurias. Lamentablamente, el fatal accidente daría al traste con su carrera como cantante y dejaría a su familia sumida en la más profunda depresión. Lo que pudo haber sido y finalmente no fue.

Californiano de nacimiento y de ascendencia mexicana, su verdadero nombre era Ricardo Valenzuela, pero si quería abrise camino en el mundo de la música tenía que “americanizar” más su nombre, escogiendo finalmente el de Ritchie Valens. Es muy difícil pasar a la historia de la música cuando se tienen solamente 17 años de edad, pero él sería capaz de hacerlo, porque una canción como “La Bamba” ha sido versionada hasta la saciedad y pasen los años que pasen siempre estará de actualidad.

Como os podéis imaginar muchos han sido los homenajes y reconocimientos que otros artistas han ido dedicando a estos tres personajes a lo largo de sus carreras, bien dedicándoles alguno de sus discos, bien haciendo mención a lo sucedido en alguna de sus canciones. Sin lugar a dudas, una de ellas, que sería grabada en el año 1971, se lleva la palma, por lo que creo que es un magnífico broche de oro para la sección de hoy acabar con esa composición.

Se trata de uno de los clásicos de la música de los 70 obra de ese monstruo que es Don McLean. Su famoso “American Pie” habla del nacimiento y la evolución del rock & roll hasta el momomento en que la compuso y su punto de partida es precisamente el triste acontecimiento. Para el bueno de Don, el día en que murió la música también fue el día en el que nació el rock & roll para todo el mundo. El merecido homenaje dura más de ocho minutos, pero ciertamente la situación requería recrearse en la suerte ese tiempo y más.

He de reconoceros que cuando más disfruto al escribir los distintos artículos que se incluyen en “La Graminola” es precisamente cuando hablo de nuestros queridos pioneros. Creo que la verdadera esencia de la música, de toda la música, está aquí. Tampoco me queda ninguna duda de que Holly, Bopper y Valens tienen gran parte de culpa de todo lo que ha ido viniendo detrás y que tanto tanto nos gusta.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Iniciamos ya el viaje en el tiempo a lo largo de las distintas listas de “La Graminola” y como siempre para empezar nos trasladamos hasta los años 60. En esta oportunidad lo hacemos concretamente al día 14 de enero de 1968, día que estrenábamos el nuevo ránking semanal que venía con dos novedades muy distintas entre sí. Vamos con la primera.

Desde Estados Unidos nos llegaría ese día el nuevo éxito de un grupo que en sus inicios se sumergería en la música folk-rock de aquel país sin tener demasiada trascendencia. Sin embargo, en el momento en que comenzaron a versionar canciones vinculadas a la música latina empezarían a calar hondo en el público. Su nombre: “The Sandpippers”.

Dos años atrás habían logrado su mayor éxito al versionar la tan popular “Guantanamera” y en esta oportunidad no se alejarían lo más mínimo de las tierras cubanas haciendo lo propio con una de las más famosas composiciones de Luis Aguilé. Ese 14 de enero de 1968 lograban colocar en la lista su segunda canción, “Cuando Salí de Cuba”, con la que permanecerían en lista durante 14 semanas alcanzando el puesto 20 como mejor posición.

La otra incorporación a la lista viene de la mano de auténticos “cinco estrellas”, por lo que os invito a todos a poneros de pie para recibir a los inconfundibles e inimitables The Beatles.

El enfrentamiento entre Lennon y McCartney era público y notorio y a estas alturas de su trayectoria juntos, el ambiente que rodeaba a los cuatro músicos de Liverpool estaba claramente enrarecido. Por este motivo no era de extrañar que cada nueva canción que componían siempre venía rodeada de una sospecha de pasarse factura mutuamente, aunque en la mayoría de las ocasiones la realidad era bastante distinta.

La canción en cuestión es “Hello Goodbye”, compuesta por McCartney, y dado que la letra va contradiciéndose continuamente, muchos vieron en ella una especie de crítica hacia Lennon, aunque ellos siempre lo desmintieron alegando que era una simple canción de amor y desamor. Con ella alcanzarían el número uno tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, una vez más, aunque en nuestra lista se conformarían con el número 4 como mejor posición durante las 38 semanas que permanecieron en ella.

Eso sí, ninguno de los dos dejaba de pasar una oportunidad para pasar factura de alguna forma al otro. Lennon manifestaría con el paso del tiempo que esa canción no acababa de convencerle y se hacía cruces de pensar que la cara B del sencillo incluía “I Am The Walrus”, curiosamente compuesta por él mismo. Genio y figura.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

Damos ahora el habitual salto en el tiempo de diez años para situarnos en el día 15 de enero de 1978, con el estreno de una nueva lista que presentaba dos notables novedades, una procedente de nuestro país y otra del Reino Unido. Empezaremos con la de por aquí pero advierto que la que procede de las islas británicas es el pistoletazo de salida de un movimiento musical que iba a revolucionar totalmente la década de los 80. Pero eso será a su debido tiempo.

En un primer momento, el grupo Laredo emprendió su andadura discográfica moviéndose en el terreno de la musica folk con tendencias pop que por aquella época había cosechado bastante éxito. Sin embargo, la música estaba cambiando y de algún modo ese estilo estaba empezando a plegar velas, por lo que sus primeros movimientos no tendrían la repercusión debida, al menos en España porque en Latinoamerica conseguirían cierta aceptación.

Lo curioso del caso es que el éxito cosechado por otros artistas les llevaría a imitarles y lograr por fin el espaldarazo que necesitaban. Ya han aparecido por aquí un par de canciones que enlazando temas de éxito de otras épocas terminaban por enganchar al público. Café Creme y su “Unlimited Citations” es uno de estos ejemplos pero el más claro y evidente es el “Rockollection” de Laurent Voulzy que esa semana todavía continuaba en el número uno.

Las pretensiones de Laredo no serían demasiado grandes y se centrarían en canciones que habían triunfado en la década de los 60 en nuestro país de los principales grupos españoles de aquella época. Por “El Último Guateque”, la verdad es que el título está muy bien escogido, pasarían Juan y Junior con “La Caza”, Los Sírex con “La Escoba”, Los Canarios con “Get On Your Knees” y Los Brincos con “Mejor”. La duda: ¿llegarán también al número uno como sus antecesores? Lo sabremos con el paso de las semanas.

Ya os aviso que el éxito que cosecharían sería extraordinario, pero cuando parecía que había grupo para rato solamente cosecharían un éxito más. Pero eso ya os lo contaré en unas semanas. Prometido queda.

Como os comentaba hace un momento, la otra entrada en la lista del día 15 de enero de 1978 está considerada como el auténtico himno del punk, que por aquella época daba sus primeros coletazos y amenazaba con provocar una auténtica revolución en el mundo de la música como así sería.

Pronunciar los nombres de Johnny Rotten, Steve Jones, Paul Cook Glen Matlock, Sid Vicious y el de su manager Malcolm McLaren es hablar de la historia de la música. Sex Pistols permanecería juntos únicamente tres años y únicamente publicarían un disco de estudio pero su fuerza, su manera de provocar y su música les convertirían en auténticas leyendas.

Su mayor éxito, su tema más emblemático y, además, el himno oficial del punk es la canción que entraría en lista ese día. hablo de “God Save The Queen”, una irreverente composición que ataca claramante a la Reina de Inglaterra y que fue censurada de manera brutal en el momento de su publicación. Muchas tiendas de discos se negarían a vender el disco pero el efecto que conseguirían, como suele suceder en estos casos, sería el contrario ya que su popularidad y su éxito serían descomunales.

Para que nos hagamos una idea de la censura que tuvieron que soportar baste con un detalle. La canción llegaría al número 2 de las listas de ventas en el Reino Unido y según parece no llegó al número uno porque desde amplios espectros de la política británica presionaron para que se “retocara” esa lista y no aparecieran en lo más alto que era el lugar que verdaderamente les correspondía. Lo que queda claro es que algo estaba cambiando en España porque aquí se vendió sin mayores incidentes y, como vemos, incluso formaría parte de la familia graminoleña.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Lo prometido es deuda. La semana pasada dedicábamos el póster central al que para muchos es el mejor disco de The Beatles, uno de sus discos más versátiles y originales que mostraría innumerables peculiaridades. El trabajo quedó a medias ya que dejábamos para hoy la parte más curiosa de este álbum, un medley de nueve canciones y de algo más de dieciséis minutos de duración que muestra muchas situaciones distintas.

Recordad que en aquella época lo que se llevaba eran los discos de vinilo con su cara A y su Cara B, pues bien, estas nueve canciones de las que nos vamos a ocupar en el día de hoy ocupaban esa cara B que está considerada como la mejor de la historia de la música. Yo no sé si será la mejor pero la más original y extraordinaria sin ningún lugar a dudas.

El medley se abre con “You Never Give Me Your Money”, una canción escrita por McCartney que habla de el estado cercano a la bancarrota en el que se encontraba “Apple Corps”, la empresa que habían creado para pagar menos impuestos y gestionar todos sus ingresos. Se trata de una canción en la que nos encontramos a un George Harrison más brillante y potente que nunca a la hora de tocar la guitarra, siendo él el verdadero protagonista de esta composición.

Si cuando la semana pasada abordamos la primera parte del disco nos encontramos con que el denominador común más claro era la originalidad y, en ocasiones, rareza de algunas de sus canciones, el medley del que nos ocupamos hoy redunda en estas características.

La segunda canción iba a titularse en un prinicipio “Here Comes the Sun King”, pero para evitar equivocaciones finalmente llevaría el nombre de “Sun King”. Estaría compuesta por Lennon y está repleta de originalidad en los apenas dos minutos que dura.

La fuente de inspiración sería “Albatross” de Fleetwood Mac que por aquella época habían abrazado el sonido de la psicodelia. Finalmente Lennon le daría un toque menos estridente a la par que original. Para empezar en este tema cantan tanto Lennon como McCartney como Harrison y su final roza el esperpento. Por un lado terminan cantando en una lengua extraña que es mezcla de inglés, italiano, español y portugúes y finaliza abruptamente, como si estuviese inacabada, para dar paso sin solución de continuidad a la siguiente composición. Ya os lo había dicho, cualquier parecido con lo hecho hasta entonces es pura coincidencia.

De los cuatro componentes del grupo, el que menos fe tuvo en este trabajo sin duda alguna fue Lennon. Como ya os he comentado en varias ocasiones, la decisión de disolverse estaba tomada y solamente faltaba escoger el momento, por lo que podía decirse que de alguna manera se estaban dejando llevar. De hecho, la aparición de “Abbey Road” tenía la intención en un primer momento de ser una especie de epílogo en su carrera juntos.

De ahí que en algunos momentos Lennon se mostrase demasiado crítico no tan solo con las composiciones que McCartney aportó al disco sino incluso con las suyas propias. Una de sus aportaciones sería “Mean Mr. Mustard”, una composición que creó durante la estancia del grupo en India y con la que no se sentiría demasiado satisfecho. Lo que sucede es que cuando alguién tiene el talento que el poseía, hasta cuando componen por componer logran grandes resultados.

Cualquier medley que se precie tiene como principal base argumental el equilibrio a la hora de escoger como enlazar las canciones que lo componen. Quiero decir que para que una serie de canciones unidas sin pausas logren sonar bien es muy importante escoger el orden en que van a ir apareciendo y en que momento de cada una de ellas se va a producir el correspondiente cambio. A ellos esta circunstancia no pareció preocuparles en exceso.

Puede parecer escuchando estas nueve canciones unidas sin solución de continuidad que las colocaron de manera totalmente aleatoria, pero eso no es cierto. Quisieron hacer algo distinto y lo consiguieron. Buscaron que cada nuevo corte fuese una sorpresa y en ocasiones rompiera totalmente con lo que acababa de sonar. Esta manera de crear su medley fue sin duda la clave de su gran éxito.

La mayoría de las canciones apenas superan el minuto de duración y siempre queda la sensación de quedarte con ganas de más. Da la sensación de que la canción no está completa y que te encantaría escucharla entera. Ésta era otra de las sensaciones que quisieron provocar: dejarnos siempre con ganas de más, como sucede con otra de las composiciones de Lennon, este “Polythene Pam”, otro de los momentos álgidos de esta colección de composiciones.

A diferencia de lo que sucedía con Lennon, McCartney sí que daba la impresión de poner todo su empeño en el que el disco fuese excepcional y lograra un gran éxito. Sus composiciones aportaron en esta ocasión mucho más que las de su compañero y en ellas puso mucho empeño en contar cosas que sucedía alrededor del grupo, vivencias propias. Podría decirse que mientras Lennon se tomó la grabación de “Abbey Road” como una obligación más, Paul lo vería como la oportunidad de hacer algo muy grande ahora que estaban tan cerca de arrojar la toalla.

En una de sus canciones, McCartney haría referencia a un suceso acontecido en sus propias carnes, cuando un grupo de fans entró por una ventana en su casa y se llevó algunas fotografías personales. Lo curioso del caso es que la cabecilla de esa “invasión”, terminaría siendo contratada por el grupo para trabajar en su corporación. Eran originales hasta decir basta. Eso sí, el buen rollito ayudaría a que pudiese recuperar la mayoría de esas fotos. Todos contentos.

La canción en cuestión llevaría el título de “She Came In Through The Bathroom Window” y muestra un sonido contundente muy similar al del resto de las aportaciones de Paul al disco.

La uniformidad que ha brillado por su ausencia hasta este momento aparece por fin en las tres últimas canciones del medley. Una parte simplemente excepcional, una auténtica genialidad, una especie de pequeña sinfonía de algo más de cinco minutos que puede considerarse como una de las mejores creaciones que fueran capaces de ofrecer en toda su carrera. Aunque solamente fuera por disfrutar de estas tres pequeñas composiciones unidas magistralmente, merecería la pena haber comprado el disco.

Analicemos brevemente estas tres maravillas:

La primera de las tres canciones es “Golden Slumbers” y McCartney se basaría para componerla en una canción de cuna que escuchaba cuando era niño. En ella contrasta de manera notable la dulzura y suavidad de la melodía con la gran intensidad y contundencia que Paul muestra en esta oportunidad con su voz.

A continuación llega otra auténtica genialidad ya que nos encontramos ante un momento nunca antes repetido y casi único. Se trata de “Carry That Weight” la única oportunidad que hemos tenido de escuchar la voz de los cuatro miembros de la banda cantando en una misma composición. Para quitarse el sombrero.

El cierre y momento culminante llega de la mano del tema titulado “The End”, aquí no se quebraron mucho la cabeza para elegir el título, una cancion impresionante, prácticamente instrumental y con arreglos orquestales que muestra un solo de batería de Ringo y a continuación un solo de guitarra de cada uno de los otros tres miembros del grupo, como si de un desafío se tratase. No podían haber elegido un final más espectacular.

No queda más que disfrutar de este excepcional trío de composiciones, en el que se incluye una magistral frase que lo resume todo: “Y al final, el amor que te llevas es equivalente al amor que das”.

Así es como debería haber acabado el disco, pero como todo él es una auténtica caja de sorpresas, todavía quedaría un brevísimo “número final” en forma de una canción que pasa por ser la más corta de toda la carrera de The Beatles con tan sólo 23 segundos de duración.

Esta breve composición lleva el título de “Her Majesty” y en un principio iba a ser el enlace entre los temas “Mean Mr. Mustard” y “Polythene Pam”, pero finalmente fue descartada esta posiblidad porque no les acababa de convencer. Sin embargo, la discográfica decidiría incluirla en el álbum en el último momento y al final del todo, por lo que se produce una pausa entre “The End” y esta última sorpresa que le da un efecto todavía más misterioso.

Esta canción está considerada como el primer “tema oculto” de la historia de la música, ya que su inclusión fue tan tardía que las portadas ya estaban fabricadas por lo que no aparece en los créditos de ninguna de ellas. Un disco único con un broche final también único.

Éste parecía que iba a ser su último disco juntos, pero después vendrían dos más a cada cual más genial: “Hey Jude” y “Let It Be”. Nunca sabremos si la estructura de “Abbey Road” habría sido la misma de saber que todavía iban a aguantar un año más juntos, pero de lo que no cabe duda es de que es un álbum digno de ocupar dos de nuestras páginas centrales como ha hecho en las dos últimas semanas. El listón se ha colocado muy alto pero os aseguro que lo que nos visitará en las próximas fechas en esta sección merecerá igualmente la pena.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Tras disfrutar de la espectacular página central de hoy, retomamos el viaje que hacemos a través de las listas y en el tiempo, para situarnos en la mágica década de los 80. Más concretamente en el día 17 de enero de 1988 momento en el cual estrenábamos nueva clasificación que presentaba una única novedad en forma de entrada, de la mano de uno de los grupos más importantes de la historia del pop español que se encontraba en su mejor momento.

Acababa de salir al mercado uno de los discos más emblemáticos de nuestra música y que iba a convertirse en un auténtico acontecimiento. Me estoy refiriendo al mítico “Camino Soria” de los inconfundibles Gabinete Caligari con Jaime Urrutia a la cabeza. Habían sido uno de los grupos abanderados de la movida madrileña y habían sabido evolucionar debidamente hasta convertirse en una de los bandas más destacadas del momento.

El primer sencillo en aparecer de este disco sería “La Sangre de tu Tristeza”, el que podía considerarse como la primera canción de su nueva y exitosa etapa. Sabían que se jugaban muchísimo y resultaron ganadores. Qué mejor puesta de largo que presentar el correspondiente videoclip en el también mítico programa televisivo “La Bola de Cristal”.

Ésta sería la única novedad que presentaría la lista graminoleña ese día, pero como podemos comprobar fue de auténtico lujo. “La Sangre de tu Tristeza” permanecería en lista 23 semanas alcanzando el top 12.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

El repaso a las novedades de la lista de los años 90 va a ser igual de breve que el que acabamos de darle a la de los 80, ya que no tendríamos más que una nueva canción que llevarnos a la boca en el ránking que estrenábamos el día 18 de enero de 1998. Eso sí, ya os advierto que es una canción de una calidad indiscutible.

Lighthouse Family habían irrumpido en el panorama musical internacional años atrás, convirtiéndose de inmediato en uno de los dúos más reconocidos en el Reino Unido. Sus composiciones de gran calidad, la manera de tocar el piano de Paul Tucker y, sobre todo, el carisma y la particularísima y acariciante voz de Tunde Baiyewu calarían claramente en el público.

Acababan de publicar su álbum “Postcards From Heaven” y como primer sencillo del mismo aparecería “Raincloud”, la canción que iba a suponer su debut en las listas graminoleñas y que tras 44 semanas en lista se quedaría al borde de llegar a lo más alto, teniendo que conformarse con el segundo puesto como mejor registro.

Sin duda alguna se encontraban en su mejor momento y durante un para de años más todavía disfrutarían de un gran prestigio. Sin embargo, fue tanta su exposición mediática, tantas sus actuaciones, tan grande su promoción que finalmente terminarían como vulgarmente se dice “quemándose”. Tras diez años juntos terminarían separándose y sus momementos de gloria se irían tan rápido como llegaron. Una pena porque su música era espectacular.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Acabamos el repaso semanal de nuestras listas más graminoleñas adentrándonos en la música de hace apenas diez años. Concretamente con la única novedad que iba a presentar la que estrenábamos el día 13 de enero de 2008, un dueto, entonces se llamaban así y no estaban tan extendidos, que permanecería con nosotros durante mucho, mucho tiempo.

Eros Ramazzotti acababa de publicar un recopliatorio de grandes éxitos titulado “E2” y como suele ser habitual en él se incluían algunos temas inéditos. El más destacado y elegido para promocionar el álbum sería una colaboración con el mismísimo Ricky Martin que se atrevería a cantar en italiano junto a Eros el tema “Non Siamo Soli”.

Por supuesto que no faltaría la versión en español tanto del álbum al completo como de esta canción en particular. En nuestro país llevaría el título de “No Estamos Solos” y permenecería en la lista durante nada más y nada menos que 57 semanas, alcanzando como mejor posición el puesto número cuatro. Además, esta canción es la última que Ramazzoti ha sido capaz de colocar en lista, suerte muy distinta a la de Martin que continúa siendo asiduo al ránking graminoleño.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Poco a poco nos vamos acercando al final y por ello nos adentramos en la sección más especial de “La Graminola”, la que siempre nos trae una música distinta y, al menos eso espero, muchos recuerdos. Hoy tiene un carácter muy distinto al habitual, más serio, de mayor calidad. Hoy vamos a deleitarnos con tres ejemplos de música étnica, de música con raíces, de la mano de tres grandísimos grupos que no son de los que más venden pero que merece la pena escuchar. Para empezar vámonos hasta Francia.

En el año 1972 iba a tomar forma en el país galo un grupo que iba a realizar música totalmente instrumental basándose en ritmos tradicionales y étnicos, bebiendo de las fuentes de distintas influencias, siendo la más marcada la de la música tradicional irlandesa, sin hacerle ascos al jazz, a la música clásica e incluso al rock. Su nombre: Gwendal.

De manera inmediata se convertirían en una referencia para muchos de los grupos que vendría después. De hecho, cualquiera de los grupos de heavy que incorporan en su música arreglos de música folk y similares, sin duda alguna Mago de Oz son el máximo exponente en nuestro páis, siempre han manifestado que beben de esa fuente que los franceses han sabido mostrarnos desde hace más de cuarenta años.

Su primer disco ya mostraría bien a las claras el esplendor de su gran talento. Su título sería “Iris Jig” y la canción que le da título alcanzaría un grandísimo éxito. Sin duda alguna nos encontramos ante una auténtica obra maestra.

Ni que decir tiene que Gwendal son una auténtica banda de culto y un fenómeno de masas en su país, pero el tirón que siempre han tenido en España ha sido también bastante notable. Baste con decir que el primer disco en directo que grabaron en su carrera en el año 1981 tuvo como escenario el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid. Este éxito entre el publico español sigue latente hoy en día, ya que los galos han sabido ir evolucionando en la instrumentalización de su música con el paso del tiempo. Son grandes, muy grandes.

Cambiamos radicalmente de registro y nos trasladamos ahora hasta tierras africanas, más concretamente hasta Sudáfrica, donde surgiría en el año 1960 un grupo coral que interpretaba su música utilizando como único instrumento sus propias voces y que se convertiría en uno de los abanderados por la lucha de la regeneración política de su país y por el fin del apartheid. Me estoy refiriendo a Ladysmith Black Mambazo.

Sin embargo, su repercusión internacional llegaría años más tarde, concretamente en el año 1986, cuando Paul Simon publicó su afamado y triunfal álbum “Graceland”, en el que daría la oportunidad a los sudafricanos de participar en varias de las canciones que en él se incluía y suponiendo el lanzamiento a nivel mundial de este grupo que calaría profundamente en el público de casi todo el mundo.

De hecho, algunas de las canciones fueron compuestas a medias por el propio Simon y el alma máter de los sudafricanos, Joseph Shabalala, dejándonos canciones espectaculares en las que el talento del norteamericano se veía arropado por la música tradicional zulú cantada a capella por un grupo de acompañamiento simplemente espectacular, dejándonos joyas como este “Diamonds on the Soles of Her Shoes”.

Para cerral la tan especial sección de “otras músicas” del día de hoy, vamos a volver a dar un grandísimo salto trasladándonos en esta oportunidad hasta el continente americano, más concretamente hasta Brasil, desde donde nos llega una preciosa y maravillosa historia de dos hermanos que casi sin proponérselo se convirtieron en un grupo de referencia de la música tradicional lationamericana. Sinceramente con la mágica historia que les rodea no me excplico que nadie haya sido capaz de rodar una película al respecto. Os lo cuento.

Mussapere y Herundy eran dos de los treinta hijos de uno de los caciques de una tribu indígena brasileña que vivía bastante apartada de la civilización. Corría la década de los años 30 cuando ambos se encontraron en la selva una guitarra olvidada por un grupo de exploradores blancos que habían pasado por allí. Ellos no habían visto en la vida un instrumento similar y tardaron unas cuantas semanas en darse cuenta de lo que podían hacer con ella, pero finalmente comprendieron que tocando sus cuerdas podían lograr sonidos bastante agradables.

De una manera inexplicable, ambos fueron capaces de aprender a tocar la guitarra de manera autodidacta, tomando la decisión de abandonar la tribu y encaminarse hasta la civilización buscando más respuestas y adentrarse más profundamente en el mundo de la música. Para ello se dirigieron a Río de Janeiro donde pronto llamaron la atención de los cazatalentos al darse cuenta del diamante en bruto que tenían ante sus ojos … y ante sus oídos. Tras la oportuna promoción iban a convertirse en uno de los dúos de música instrumental lationamericana más grandes de la historia.

Como véis la historia es una auténtica delicia, digna de una película o de un cuento de hadas. El dúo de hermanos brasileños tomaría el nombre artístico de Los Indios Tabajaras, ése era el nombre de su tribu, y durante muchos años lograron un grandísimo y rotundo éxito en toda Latinoamérica y en nuestro país. Su repertorio es gigantesco, pero yo me quedo con su versión de esa maravillosa canción que es “El Cóndor Pasa”.

No me canso de deciros que la música es algo muy especial que nos deja de manera inesperada historias tan mágicas y especiales como ésta. Hoy la sección de “También Es Música” ha dejado a un lado su habitual espíritu “erótico-festivo” y se ha puesto más serio, pero de lo que no me cabe ninguna duda es de que ha merecido la pena entrar en este territorio que a buen seguro protagonizará estas páginas en alguna ocasión más.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento de cerrar el número de “La Graminola” de hoy, y como siempre vamos a hacerlo con esa música que nos sigue llevando a otros tiempos y otros lugares y a alguna de las suculentas novedades que se cuecen actualmente en el panorama musical internacional. Es nuestro postre de cada semana, el que siempre nos deja un buen sabor de boca, aunque también un momento triste con la desaparición de una grandísima artista.

 

NOS HA DEJADO

 

El día 15 de enero se ha convertido en un día muy triste con la desparición de una cantante con mayúsculas: Dolores O’Riordan, la inconfundible voz de The Cranberries

 

Suele decirse cuando una persona desaparece de nuestras vidas eso de “siempre se van los mejores”, pero es que en casos como éste es simplemente la verdad pura y dura. Es difícil encontrar una vocalista tan maravillosa como ha sido la irlandesa Dolores O’Riordan, capaz de pasar en décimas de segundo de los graves a los agudos, de una voz suave y acariciante a otra contundente y arrebatadora.

Al frente de The Cranberries, junto a sus inseparables Feargal Lawler, Mike Hogan y Noel Hogan se convertiría en una de las bandas de referencia de los años 90, dejándonos una lista muy amplia de grandes éxitos y de canciones que se transformarían en auténticos himnos de esta década. Un grupo espectacular con una cantante espectacular.

Su vida siempre estuvo marcada por la tragedia y las dificultades. Cuando era muy niña su padre quedaría postrado en una silla de ruedas tras un accidente de tráfico y desde los ocho hasta los doce años sufriría abusos sexuales de una persona muy cercana a su entorno de la que nunca ha querido facilitar su identidad. Todas estas circunstancias la llevarían a padecer anorexia y en repetidas ocasiones ha caído en las garras de la depresión, intentando incluso quitarse la vida en una ocasión. Por si fuera poco, últimamente sufría fuertes dolores de espalda que la obligaban a suspender muchas de las actuaciones que tenía programadas en directo con motivo de la vuelta a la actividad del grupo después de varios años separados.

Sin duda alguna, su tema más representativo, el más conocido y el que es su auténtica seña de identidad es “Zombie”, una canción incluida en su segundo álbum, “No Need To Argue” publicado en el año 1994 y que habla del conflicto que vivía en aquella época Irlanda del Norte, más concretamente con un atentado del IRA que supuso la muerte de dos niños de corta edad. Una agria crítica, una maravillosa canción, una genial interpretación.

The Cranberries siempre han sido uno de mis grupos preferidos de la década de los 90 y por eso me voy a permitir obsequiaros con otra de sus canciones. Concretamente con la que a mí más me gusta y que considero una de las mejores composiciones de la música pop de esa época.

Se trata de una de las canciones incluídas en su álbum de debut, “Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?”, publicado en el año 1992 y que lo tiene absolutamente todo. Un inicio espectacular totalmente instrumental para dar paso después a la voz de Dolores más dulce que nunca y mostrar todos sus registros vocales con constantes inflexiones de voz. Se trata de “Dreams”, una canción mágica, una canción para soñar.

Nos dice adiós una artista de las grandes que nunca tuvo las cosas fáciles. De hecho la reunión del grupo de nuevo tras varios años separados estaba siendo también un auténtico infierno por sus constantes enfrentamientos con Noel Hogan. Todavía no ha trascendido las verdaderas causas de su muerte, aunque la policía ha descartado “causas extrañas”, pero habrá que permanecer atentos a las noticias que lleguen cuando se conozcan los resultados de la autopsia. De lo que no cabe ninguna duda es de que su música y, sobre todo, su manera de cantar ya se han convertido en irrepetibles.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

 

Que mejor canción para adornar el apartado que cada semana le dedicamos a la música en vivo que un auténtico himno que ensalza la música interpretada en directo. Además en un escenario tan espectacular como es la Ópera Estatal de Viena. La versión original es una maravilla, pero la que nos ofrecen en el día de hoy es una obra antológica.

 

He de reconoceros que cuando se me pasó por la cabeza este apartado de “La Graminola” en el que disfrutamos de magníficas versiones de grandes canciones interpretadas sobre un escenario en directo dudé bastanta a la hora de darle un título. Finalmente me decanté por el conocido de “Mejor en Directo”, pero por un momento pensé en denominarlo “Live is Life”, como la canción que viene a continuación, todo un clásico ochentero.

En el año 1985, un grupo austriaco llamado Opus logro un éxito de esos descomunales, gracias a una canción titulada “Live is Life” y que venía a rendir homenaje a la música en directo. Su melodía pegadiza y ese estribillo que invitaba al público a cantar lo de “na na na na na” les llevaría a los más alto de las listas de éxitos del mundo entero y se convertiría en una de esas canciones con las que pones a la gente en órbita en cualquier fiesta que se precie. Como ya digo, todo un clásico.

Más allá de este éxito, su trascendencia fuera de su Austria natal ha sido bastante poca, pero por aquellos lares si que se han mantenido en el candelero y son uno de los grupos mejor considerados en su país. En el año 2009, prácticamente 25 años después de triunfar con esta canción, publicaron un disco grabado en directo nada más y nada menos que en la Ópera Estatal de Viena, titulado “Tonight at the Opera” y en el que no podía faltar su famoso “Live is Life” que se vestiría de etiqueta con un espectacular acompañamiento orquestal. Merece la pena disfrutar de la canción de siempre, con un público más selecto de lo habitual pero entregado como el que más. Hoy os dejo una auténtica joyita.

 

EFEMÉRIDE

 

 

Tal día como hoy pero del año 1954 venía al mundo uno de los cantautores españoles más prolíficos y exitosos de siempre: José Luis Perales. Que levante la mano el que no haya cantado en alguna ocasión alguna de sus composiciones.

 

 

El 18 de enero de 1945 nacía en la localidad conquense de Castejón José Luis Perales, uno de los cantautores españoles más respetados y que más discos ha vendido en España y Latinoamérica. Hablar de él es hablar de prestigio. Hablar de él es hablar de la música en lengua española de los 70 y los 80.

Aunque sigue publicando discos regularmente, sus mayores logros fueron los cosechados en estas décadas que os menciono y últimamente ha desarrollado también su faceta como escritor. Su capacidad creativa está fuera de cualquier duda tanto por los éxitos logrados interpretados por él mismo como por grandes composiciones para otros artistas como el archiconocido “Porqué Te Vas” interpretado por Jeanette.

Para felicitarle debidamente por su 73 cumpleaños voy a marcharme al principio de los principios, al año 1973, momento en el cual publicaba su primer disco bajo el título de “Mis Canciones” y en el que se incluía la que iba a ser su puesta de largo en escena: “Cosas de Doña Asunción”.

 

NOVEDAD

 

Siempre se ha dicho que los viejos rockeros nunca mueren, y en el caso de Morrissey esa afirmación es una verdad como un templo. Acaba de publicar nuevo disco con las mismas ganas y las mismas fuerzas que siempre. Menos mal que nos siguen quedando los artistas de siempre para salir al rescate de la poca originalidad de la música de hoy en día.

 

La figura de Morrissey nunca ha dejado indiferente a nadie, y no solamente por su música. Su carácter indomable, por momentos insoportable, su involucración en temas sociales y políticos, nunca se ha mordido la lengua, y el haber sido el líder indiscutible de una de las mejores bandas de la historia del pop británico como fueron The Smiths, forman parte de su “historial académico” y le convierten en uno de esos artistas que está muy por encima del resto, en un auténtico referente.

Su nuevo trabajo lleva el título de “Low in High School” y nos muestra a un Morrissey más luchador y peleón que nunca, una vez superado un agresivo cáncer, y en el que despliega toda su fuerza tanto musical como letrista de siempre, con párrafos por momentos hirientes, por momentos melancólicos y suaves. Es un pedazo de disco, de lo mejorcito del año sin ningún lugar a dudas.

Cada nuevo disco es capaz de introducir algún pequeño avance que le hacen mantener una evolución lenta pero constante y en esta oportunidad no le hace ascos a utilizar sintetizadores de última generación. De lo que no cabe ninguna duda es de que su talento permanece intacto, ofreciéndonos canciones como “I Wish You Lonely”, un tema que invita a pensar que no todo está perdido en el mundo de la música de actualidad y que mientras sigan existiendo tipos como él capaces de hacer estas cosas, algún día la buena música volverá a reinar en el mundo.

Esto ha sido todo por hoy, Graminoleños.

Ya sabéis, nos vemos y nos escuchamos otra vez en siete días. Hasta entonces.

JUAN JOSÉ GOMARIZ

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LA GRAMINOLA – NÚMERO 6 – 4 DE ENERO DE 2018


LA GRAMINOLA. LA REVISTA QUE SE LEE Y SE ESCUCHA

Puedes seguirnos también desde FACEBOOK, donde os espero a todos con los brazos abiertos, en el siguiente enlace: LA GRAMINOLA. LA REVISTA MUSICAL QUE SE LEE Y SE ESCUCHA.

Ya sabéis que la base de la revista es dar un pequeño repaso a las novedades que presentaban las listas de éxitos que he ido confeccionando desde hace cincuenta años. Cada nuevo número empezamos por la lista actual de cada semana y a continuación seguimos viajando hasta las listas de hace 50, 40, 30, 20 y 10 años. Todos los éxitos de la música desde el año 1967 irán apareciendo por aquí.

Junto a las listas habrá distintas secciones a cada cual más ecomendable. En “Los Pioneros” rememoramos la música y los artistas que inspiraron a todos los que vinieron después. Nuestro póster, a doble página en el centro, desmenuza cada semana un disco que fue, es y será muy grande. En la sección “También es Música” le damos cabida a esas canciones y esos artistas que a su manera también han tenido protagonismo, en muchas ocasiones de manera inesperada. Y la contraportada es el colofón con noticias de actualidad musical, efemérides y música en directo.

Echándole un vistazo a la portada de cada día os podéis hacer una idea del contenido de la revista. Junto a cada fotografía hay un texto que contiene un link que te lleva directamente a la página en cuestión, pero yo os recomiendo ir por orden, ir leyendo desde el principio al final porque la música lo merece. Espero que todos estos cambios os gusten y, como siempre, estoy abierto a vuestras sugerencias y críticas. Un abrazo a todos los graminoleños. Ah, por cierto, feliz 2018 para todos.

 

NUESTRA PORTADA

 

 

Damos la bienvenida al 2018 con la primera lista graminoleña del año que viene con un tema de reggaetón y otro de música electrónica para bailar. Empezamos el nuevo año con las mismas pautas que han marcado el que acabamos de cerrar.

 

 

 

La sección que dedicamos a los pioneros viene hoy cargada de mucha nostalgia. Abordamos el jazz más asequible, el que emana del swing, y para ello disfrutaremos de la música de tres grandes orquestas frente a las cuales se encuentran tres auténticos monstruos de este estilo. Para no perdérsela bajo ningún concepto.

 

 

 

La página dedicada a los años 60 está protagonizada en exclusiva por un dúo de referencia para la música española de aquella época, Juan y Junior. Juntos seguían triunfando tras cerrar su etapa en Los Brincos.

 

 

La lista de los años 70 venía con un nuevo número uno debajo del brazo, de la mano de una canción que iba a crear una nueva manera de hacer música: el medley. Junto a ella una única entrada con una de las composiciones más sensuales de la historia de la música que llegaba a nuestro país con bastantes años de retraso. Imprescindibles ambas.

 

 

 

Nuestro póster de hoy, como simempre de lujo. En esta oportunidad protagonizado por el álbum definitivo en la carrera de Bryan Adams, esa joya publicada en el año 1984 y titulada “Reckless”.

 

 

 

 

No abandonamos en la siguiente página la época ochentera aunque bastante más avanzada. La lista de esa década nos presentaría las novedades del debut de un jovéncisimo británico que nos puso a bailar con su vozarrón y del Boss más meláncolico. Dos contrastes a cada cual mejor.

 

 

 

La sección dedicada a la lista de los años 90 por estas fechas está protagonizada en exclusiva por uno de los grupos más grandes de esa década: Oasis. Antes de acabar como el rosario de la aurora fueron capaces de incluir en nuestro ranking canciones tan espectaculares como este “Stand Bye Me”.

 

 

 

La lista del cambio de siglo nos da la oportunidad de disfrutar de dos mujeres espectaculares. Guapas y con unas voces maravillosas, cada una den su estilo. Mujeres al poder. El nuevo milenio hoy nos acaricia los oídos con Alicia Keys & Kylie Minogue.

 

 

 

La sección más divertida y variada, la de la otra manera de hacer música, tiene como estrellas indiscutibles a un dúo que hizo en su día las delicias de los más pequeños, Enrique & Ana. Junto a ellos un trío de grandísimos cantautores y un trío de auténticos cachondos. Tendréis que leer y escuchar para salir de dudas, pero fijo que una sonrisa (o dos) se os escapará, de eso no me queda ninguna duda.

 

 

 

Todo lo que empieza tiene que acabar y nuestra contraportada sirve para despedirnos pero solamente hasta dentro de siete días. Como siempre las últimas noticias, alguna efeméride y la mejor música en directo se hacen un hueco para cerrar capítulo.

 

 

 

LA LISTA DE LA GRAMINOLA

Comenzamos la revista de hoy como siempre con la lista de actualidad, con la que contiene las canciones que más suenan en las radios de nuestro país. Es lo que hay. Ya os he dicho muchas veces que el reggaetón y la música electrónica lo llenan todo casi al cien por cien y las dos novedades que presenta la lista que se renovó el pasado 31 de diciembre muestran bien a las claras esta circunstancia. Así pues, vamos hoy con un ritmo latino y otro dance para iniciar el nuevo año.

Además, como no puede ser de otra manera, cada una de las dos canciones cuenta con más de un artista al frente de ellas, las habituales colaboraciones. Vamos, lo de chupar del mismo bote dos o, como en el primero de los casos, tres cantantes. Lo sé, soy muy repetitivo, pero es que no me gusta lo más mínimo. Para mí esto no es otra cosa que una falta total y rotunda de inspiración.

La entrada latina de la semana viene de la mano de Bad Bunny, un joven portorriqueño que se dio a conocer a través de una maqueta mientras trabajaba de empaquetador en un supermercado. Poco a poco se ha ido abriendo paso en el mundo de la música latina y en esta ocasión nos ofrece “Sensualidad”, una canción con el ritmo de siempre en la que cuenta con la participación del norteamericano Prince Royce y de uno de los artistas más prolíficos en estos menesteres de los últimos tiempos como es el colombiano J Balvin. No ofrecen nada nuevo, ya os lo digo yo, pero ahí está su éxito.

La segunda entrada de la semana viene desde noruega de la mano de uno de los disk jockeys que más de moda están en la actualidad y que mayor éxito está cosechando. Me estoy refiriendo a Kygo, quien por su manera de producir y componer sus creaciones marca claramente su territorio diferenciándose un tanto de lo que hacen otros artistas que se mueven en el mismo estilo.

En esta ocasión nos ofrece “Stargazing”, una canción en la que cuenta con la aportación vocal de Justin Jesso, y en la que marca las pautas habituales de sus temas: un inicio relajado como si de una típica balada se tratase, para romper finalmente con su sonido metálico y electrónico para ponernos a bailar. Si os soy sincero, de entre las dos novedades yo me quedo con esta última.

 

LOS PIONEROS

La sección de hoy dedicada a esos artistas que fueron fundamentales en la historia de la música para que otros se inspiraran en ellos va hoy de orquestas. Viajamos hasta los años 40, época dorada del swing, un derivado muy bailable del jazz, que causaría furor en aquellos años. Orquestas en ocasiones con vocalista y en ocasiones sin él. Agarraos que vienen curvas, que viene buen ritmo o, mejor dicho, que viene mucho swing.

GLENN MILLER / IN THE MOOD

Puede parecer mentira que una orquesta sea capaz de ponernos a bailar de una manera tan contundente pero esa situación se produjo en los años 40 gracias al swing. Para ello hizo falta en primer lugar que los artistas vinculados al jazz evolucionaran hacia ritmos un poco más sencillos y animosos y, sobre todo, que se rodearan de buenos músicos de orquesta. Evidentemente, si tú ya tienes tu propia orquesta, como era el caso de Glenn Miller, tienes bastante terreno ganado.

Miller está considerado como el auténtico rey del swing y su música obtuvo un éxito desproporcionado para los tiempos que corrían, ya que su momento de mayor esplendor transcurrió en la época en que tuvo lugar la Segunda Guerra Mundial. A pesar de esos momentos complicados, su legado fue espectacular.

Como no puede ser de otra manera, el rey del swing tiene el mérito de haber creado el auténtico himno del swing. Una canción con una magia maravillosa y que desde su primera nota invita a bailar a todo el que la escucha. Me estoy refiriendo a “In The Mood”, en España era conocida como “En Forma”, y si la escucháis muy detenidamente no está tan alejada del rock & roll que estaba empezando a asomar. Glenn Miller, un auténtico pionero.

Lamentablemente, a la edad de 40 años Miller desaparecería en un trágico accidente de aviación. Era el año 1944 y París acababa de ser tomada por las tropas aliadas. En ese momento fue requerido para que viajase hasta la capital francesa para ofrecer una actuación en directo en conmemoración del acontecimiento. El avión se estrellaría en alta mar y su cuerpo, el del piloto y el de un tercer acompañante nunca fueron recuperados. Una desaparición cargada de misterio ya que al parecer el piloto iba a ser objeto de un consejo de guerra en cuanto el aparato aterrizase y las conjeturas que se han ido realizando sobre el suceso han sido siempre muy variadas. De lo que no cabe ninguna duda es que ese día la música se quedó huérfana de un grandísimo artista y pionero.

 

DUKE ELLINGTON / TAKE THE “A” TRAIN

Vamos ahora de otro de los temas emblemáticos del swing y de otro de los grandísimos monstruos del jazz, el majestuoso señor Duke Ellington, con su inimitable manera de tocar el piano y acompañado siempre de los mejores músicos de la época en su “Big Band”, que así es como se llamaban las orquestas que ofrecían este tipo de música.

Se trata de una composición que data del año 1939 y lleva el título de “Take the “A” Train”, otro de los grandes himnos del swing cuyo título se fundamenta en que por aquel entonces se acababa de inaugurar la línea “A” del metro de Nueva York que atravesaba la ciudad de punta a punta. Así que tomemos todos ese tren de la línea A, siempre a todo ritmo.

Para que nos hagamos una idea de lo que supone esta canción para la “Big Band” de Duke Ellington, baste con decir que se convirtió en su auténtica sintonía. Era muy habitual que estas orquestas iniciaran todas y cada una de sus actuaciones en vivo, por aquel entonces todas, con la misma melodía que se convertía en su sintonía. Este tren de la línea “A” lo sería durante todo su recorrido.

Para cerrar la sección de hoy dedicada a los pioneros, vamos con la canción con la que podría decirse que comenzó todo, aunque el éxito definitivo lo lograría de la mano de la versión que realizaría otro de los grandes artistas del jazz.

 

BENNY GOODMAN / SING, SING, SING (WITH A SWING)

En el año 1936, el trompetista Louis Prima compuso esta canción que se convertiría en todo un acontecimiento. Él sería el primero en darle al jazz ese aire más dulce, atractivo, bailable … en definitiva, ese aire más swing. Podría decirse que ahí empezaría todo.

Las grandes orquestas del momento se veían obligadas a grabar las versiones de sus canciones con una duración siempre inferior a los cuatro minutos para poder incluirlas en los sencillos de vinilo de aquella época. Sin embargo, un año después, en el año 1937, otro de los grandes del jazz como era el clarinetista Benny Goodman y su orquesta rompería los moldes al editar su versión particular de esta maravillosa “Sing, Sing, Sing (With a Swing)”.

Su versión sería simplemente magistral y se iría a los nueve minutos, por lo que sería la primera vez en la historia de la música en la que un disco llevaba tanto en la cara A como en la cara B la misma canción pero dividida en dos partes. A partir de aquí llegarían las imitaciones y la época dorada del swing. El comienzo de la canción con el sonido de los bombos a todo trapo pone los pelos de punta  y lo que viene a continuación … también.

El jazz siempre estuvo considerado en sus comienzos como una música hecha por negros para negros y no apta para todos los paladares. Si embargo, con la aparición de estas “Big Bands” y la llegada del swing, los músicos blancos empezaron a adentrarse de lleno en este estilo dejándonos momentos inolvidables como los que acabamos de disfrutar y acercando el jazz a toda clase de público. Auténticos pioneros cinco estrellas.

 

LISTA DE LOS AÑOS 60

Iniciamos el repaso a las listas de éxitos de otras épocas con el habitual viaje que realizamos cada semana alos años 60, aunque en esta ocasión la que estrenábamos el último día del año 1967 vino sin ninguna novedad que llevarnos a los oídos. Daba la impresión de que todos nuestros artistas favoritos estaban más pendientes de celebrar el año nuevo que de otra cosa, pero tranquilos que no os voy a dejar sin al menos un tema que triunfaba aquel año.

Antonio Morales y Juan Pardo eran dos jóvenes músicos que habían compartido su carrera musical desde siempre, unidos por su gran amistad. Primero en Los Pekenikes y después en Los Brincos habían escrito páginas muy interesantes de la historia de la música pop española. En el año 1967 decidirían abandonar este último grupo y continuar su carrera juntos con el dúo que dieron en llamar “Juan y Junior”.

El primer sencillo de esta nueva etapa iba a convertirse en su primer gran éxito e iba a triunfar a lo grande también en nuestra lista particular. Se trata de “La Caza”, canción con la que llegarían a permanecer en el número uno de la lista de “La Graminola” durante 9 semanas. “Yo sé que me quieres cazar laralaralarala”.

Su éxito fue bastante grande pero únicamente permanecerían juntos dos años más. A partir del año 1969 cada uno emprendería su carrera como solistas siendo Juan el que cosecharía más éxito. Parece ser que el desencadenante sería la relación sentimental que Junior comenzaría con Rocío Dúrcal, gran amor también de su compañero, que acabaría en un largo matrimonio.

 

LISTA DE LOS AÑOS 70

El primer día del año 1977 estrenábamos nueva lista graminoleña y para celebrarlo por todo lo alto venía con la principal novedad del cambio en el primer puesto de la clasificación. Tras 4 semanas ocupando lo más alto, Al Stewart y su “Year Of The Cat” bajaba hasta la segunda posición, cediendo el liderato a un artistas francés, totalmente desconocido fuera de su país hasta ese momento, que iba a cosechar un espectacular éxito a nivel mundial con una canción muy especial.

Laurent Voulzy era un cantautor francés que había adquirido cierta popularidad y algo de éxito en tierras francesas, pero sin acabar de tener ese gran éxito que le diera el espaldarazo definitivo. Éste iba a llegarle de la manera más inesperada, con una canción que incluía una serie de grandes éxitos de la década de los 60 que entrelazados debidamente y unidos por una especie de interludio que iba narrando la historia de una mujer que recordaba su juventud iba a convertirse en uno de los grandes acontecimientos musicales del año 1978 en toda Europa.

Sería bastante habitual a partir de este instante la aparición de canciones de este tipo, una colección de grandes títulos bien del mismo artista, bien de artistas distintos, debidamente entrelazados que en la mayoría de las ocasiones obtendrían gran éxito. Se acababa de producir la llegada de los famosos “popurrís” o “medleys”.

La canción en cuestión llevaba el título de “Rockollection” e incluía los estribillos de las canciones “The Locomotion” de Little Eva, “A Hard Day’s Night” de The Beatles, “I Get Around” de The Beach Boys, “Gloria” de Them, “Satisfaction” de The Rolling Stones, “Mr. Tambourine Man” de The Byrds, “Massachusetts” de Bee Gees, “Mellow Yellow” de Donovan y “California Dreamin” de Mamas & The Papas. Una canción de once minutos de duración que estrenaría el número uno en nuestra lista aquel 1 de enero de 1978.

Lo curioso del caso es que la primera lista graminoleña del año 1977 nos traería otra novedad, procedente también de Francia, en forma de entrada que eclipsaría de algún modo al número uno que acabamos de disfrutar. Y es que la canción que se estrenó el primer día de ese año era una especie de liberación y de resarcimiento hacia los dos intérpretes de la misma. Me explico porque dicho así es un poco lioso.

Corría el año 1969 cuando una joven actriz inglesa llamada Jane Birkin se trasladaba a vivir a París donde conocía al compositor y director de cine Serge Gainsbourg con el que contraería matrimonio. En aquel momento grabarían una canción compuesta hace tiempo por Serge, con una letra con un marcado contenido sexual y una susurrante voz de Jane que por momentos se convertía en provocadora. Por supuesto que me estoy refiriendo a la mítica “Je T’aime … Moi Non Plus”.

Como no podía ser de otra manera, dados los tiempos que corrían, la canción fue censurada en muchos países, entre ellos el nuestro, lo que la convertiría todavía más en una especie de composición de culto. Con la llegada de los nuevos tiempos y la democracia a España, en el año 1978, casi diez años después, sería publicada como es debido y alcanzaría la notoriedad que en su momento le había sido robada. Una entrada en lista sensual, provocadora y justa.

Para que nos hagamos una idea de la apuesta tan arriesgada que fue esta canción, aunque al final resultase ganadora, baste decir que en un primer momento Gainsbourg la grabaría con Brigitte Bardot, pero ésta cuando escuchó el resultado final pensó que podía perjudicar claramente a su carrera como actriz y le prohibió que la publicara. No sabemos si la Bardot terminaría arrepentida de tomar esta decisión, pero lo cierto es que supondría el lanzamiento definitivo como artista de Jane Birkin.

Como podemos ver, iniciábamos el año 1978 con aires muy franceses. En siete días más música de los 70.

 

EL ÁLBUM DE LA SEMANA

Llegamos ya a la mitad de nuestro recorrido en la semana de hoy con ese momento tan esperado por muchos de vosotros. Vamos a desmenuzar y a disfrutar de la música de uno de esos discos de obligada escucha al menos una vez cada dos meses. Para ello viajamos hasta Canadá y adentrarnos en la música de Bryan Adams y su disco definitivo: “Reckless”, publicado en el año 1984.

Siempre he dicho que para gustos, colores y que poner la etiqueta del “mejor” a un disco o a un artista es muy subjetivo y relativo. Lo que para algunos puede parecer una genialidad, para otros puede resultar más terrenal. Sin embargo hay ocasiones en las que prácticamente hay unanimidad y el álbum de la semana del número de “La Graminola” de hoy es una de esas ocasiones.

Hubo un tiempo en el que la música de Bryan Adams se acercaba muchísimo al heavy metal que triunfaba en los 80. Para mí esa ha sido su mejor época y en la que mejor música fue capaz de ofrecer. Eso sí, que nadie piense que lo hecho a partir de entonces no era muy bueno también, pero sí que es cierto que cuanto menos era algo de intensidad más baja. Podría decirse que “Reckless” es un disco que sin estar hecho por un artista vinculado totalmente al rock duro encantaba a los seguidores de este estilo. A ellos y a otros muchos.

Todas las canciones del disco fueron compuetas por el propio Adams y su inseparable Jim Vallance, y muestran un ritmo y un rock demoledor desde el primer momento. El álbum se abre con “One Night Love Affair”, con la guitarra mostrando el camino desde la primera nota y anunciando lo que iba a venir a continuación: puro rock & roll de los 80.

Éste era ya el cuarto disco que Adams publicaba, y aunque su popularidad había ido creciendo paso a paso según fue publicando los tres anteriores, él sabía que necesitaba un disco redondo, uno de esos que llamara la atención de verdad para convertirse en uno de los rockeros más importantes del momento. Vaya si iba a conseguirlo.

Quien piense que fue tarea fácil está muy equivocado. En esta oportunidad nos encontraríamos con un Adams perfeccionista que quería que todo sonara como él imaginaba en su cabeza. De hecho, la grabación del disco se interrumpiría durante algunas semanas habida cuenta de que lo que tenía terminado en ese instante no acababa de convencerle, obsesionado con publicar un disco único.

El álbum cosecharía un éxito total, convirtiéndose con el paso del tiempo en uno de los clásicos de la historia del rock de los 80. La canción escogida para ser publicada como primer sencillo sería “Run to You” que marcaría bien a las claras las pautas que iba a seguir el disco al completo, ya que iba a convertirse en el primer número uno en Estados Unidos de la carrera de Adams. Curiosamente éste fue el último tema que se grabaría en el estudio por lo que eso de “los últimos serán los primeros” se confirma aquí a rajatabla.

Hasta seis sencillos se publicarían de este disco a cada cual más exitoso. Son claros clásicos tanto de la música de los 80 como de la propia carrera de Adams. Es difícil encontrar un salto tan grande en la historia de la música como el que el canadiense daría con “Reckless”. Creo que poco a poco iréis entendiendo porqué es un disco simplemente imprescindible.

Otro de los sencillos que llegaría al número uno en Estados Unidos y sería la primera canción de su carrera que pegaría con fuerza en Europa sería “Somebody”, una de esas canciones cuyo estribillo se te queda clavado a la primera escucha y que en cuanto tienes oportunidad cantas, berreas y gritas una y otra vez. ¿Véis como es un disco imprescindible?

Ni que decir tiene que todos y cada uno de los sencillos que se fueron publicando obtendría un éxito apabullante, pero no es menos cierto que el resto de las canciones del álbum tienen calidad suficiente como para obtener su merecido reconocimiento.

Sin ir más lejos, “She’s Only Happy When She’s Dancing” se convertiría en uno de los temas favoritos del público en los conciertos, gracias a su tremenda intensidad y a la manera en la que Adams y su grupo la interpretaban. Imposible parar gente quieta y tranquila.

Como cualquier buen disco de rock que se precie no podía faltar una balada de esas que te pone los pelos como escarpias y que se convirte en un auténtico himno casi de inmediato. La que se incluye en  “Reckless” tiene su historia y estuvo muy cerca de no ser incluida en el disco. Una simple casualidad sería la culpable de que finalmente fuera de la partida y se convirtiera en otro de los grandes clásicos de la carrera de Bryan Adams.

Una vez finalizada la composición de esta canción, el resultado no acabó de convencer demasiado a Adams y se planteó muy claramente la posiblidad de prescindir de ella. A pesar de todo decidiría grabarla aunque cada vez cobraba más peso su descarte. El día que se iba a proceder a dicha grabación contaría con el imprevisto de que el batería Mickey Curry tenía un compromiso adquirido para realizar una serie de conciertos con Hall & Oates, por lo que no iba a poder estar presente en la misma. Todo eran problemas.

En sustitución de Curry, Adams contaría con Steve Smith, el por aquel entonces batería de Journey, que al escuchar la composición le recomendaría unas pequeñas modificaciones dándole un aire un tanto más cercano a la música que hacía con su grupo. Estos arreglos darían como resultado una de las mejores baladas de la carrera del canadiense, la mágica “Heaven”.

No sería ésta la única colaboración que incluiría este tema, ya que para los coros el canadiense iba a permitirse el lujo de contar con la inconmensurable voz de Lou Gramm, vocalista de Foreigner. Además, “Heaven” sería el tema central de la película “A Night in Heaven”, protagonizada por Christopher Atkins y Lesley Ann Warren. Como vemos, de descarte a pieza fundamental, las vueltas que puede dar la grabación de una canción …

Ya que estamos hablando de colaboraciones especiales, dentro del disco hay otra que merece el calificativo de “esencial”, tanto por la artista con la que se marca un memorable dueto como por la canción en sí. Si juntamos el talento y la contundencia de Adams con la personalidad y la intensidad de Tina Turner está claro que el resultado no puede ser más que extraordinario.

Estoy hablando de “It’s Only Love” puro y auténtico rock & roll en el que la complicidad y la compenetración entre ambos artistas fue total. Adams siempre ha comentado que éste fue uno de los momentos en los que más ha disfrutado en su carrera. Además la canción no tiene desperdicio. Un riff de guitarra maravilloso al principio para romper de inmediato y dar paso a las voces de ambos. En dos palabras im-presionante.

Fue tan especial la conexión que se produjo entre ambos artistas que al final de la gira de presentación del disco, ambos iniciarían una serie de conciertos por Europa juntos, dejando momentos estelares como el que acabamos de ver. Es lo que pasa cuando dos auténticos monstruos de la música se ponen a trabajar juntos.

Los que no conozcan toda la carrera de Bryan Adams o los que simplemente se hayan centrado en sus últimos años, bastante dulcificados en cuanto a estilo todo hay que decirlo, os estaréis sorprendiendo un poco por lo que estáis escuchando. Pues agarraos que vienen curvas con el siguiente tema.

Como ya os digo, en esta etapa de su carrera, en sus primeros tiempos, su sonido se acercaba mucho al del heavy metal. No hay más que ver como artistas pertenecientes a Journey o Foreigner colaboraban con él sin mayor problema. Pues bien, una de las canciones incluidas en “Reckless” la habría firmado cualquiera de las bandas de rock duro que triunfaban por aquella época. Cumple todos los cánones de cualquier buen tema de rock potente. Se trata de “Kids Wanna Rock” y creo que no hay mejor muestra que escucharla con los amplificadores a todo volumen.

Los que conozcáis bien el disco a buen seguro que estaréis echando de menos una de sus canciones más destacadas y representativas. He querido dejarla para el final para cerrar nuestro póster de hoy a lo grande y porque es mi canción favorita de Bryan Adams. Una de esas canciones que te hace vibrar y bailar nada más escuchar las primeras notas.

“Summer of 69” es uno de los grandes clásicos de la carrera de Adams y una de sus mejores canciones de siempre. Un rock un tanto más suave que el que muestran el resto de las canciones del disco pero que atrapa a todo el que la escucha.

Siempre se especuló con qué era lo que significaba para Adams el año 1969, más si cabe viendo el videoclip de esta canción en la que hay partes en color, que corresponden al momento en que se grabó, año 1984, y partes en blanco y negro que corresponden al año 1969. Él mismo se encargaría de desvelarlo en una entrevista en el año 2004. El número no hace referencia al año 1969, momento en el cual solamente contaba con diez años de edad. Se trata de un juego de carácter sexual con esa famosa postura que … no digo más que estamos en horario infantil, vosotros ya sabéis. No cabe duda de que se encontraba en su etapa más cañera y rebelde.

Aquí se cierra la página central de “La Graminola” de hoy. A buen seguro que habréis disfrutado todos de ella. La semana que viene volverá con otro de esos discos imprescindibles. Hasta entonces.

 

LISTA DE LOS AÑOS 80

Nos adentramos ya en la mágica década de los 80, ya sabéis que es mi preferida y la de muchísimos otros, para dar la bienvenida a las dos novedades que presentaba la lista que se estrenaba el 3 de enero de 1988. Dos grandes canciones, dos clásicos de la década. Vamos a por ellas.

A finales del año 1987 irrumpía en el panorama musical internacional un joven y desconocido británico que iba a convertirse en una de las revelaciones del momento. Su imagen, su música y, sobre todo, su tono de voz iban a cautivar a miles de fans, ya que el estilo musical en el que se movía y su voz poco habitual para este tipo de composiciones iban a crear un contraste que le llevaría al éxito de manera fulgurante.

El primer larga duración de Rick Astley iba a llevar el título de “Whenever You Need Somebody” y su sonido iba a moverse en los terrenos del pop hecho para bailar, algo que no es de extrañar ya que sus productores iban a ser los aclamados Stock, Aitken & Waterman que por aquella época copaban gran parte del mercado musical. El éxito pues, estaba garantizado.

El sencillo de presentación sería “Never Gonna Give You Up” y se convertiría en un grandísimo éxito, estrenándose en la primera lista graminoleña del año 1988. Su planta, alto, guapo, estiloso, y su voz, de auténtico barítono, se convirtieron en algo muy especial que le harían triunfar durante cuatro años, dejándonos unos cuantos temas de esos para recordar.

Se especuló mucho en su momento sobre si era él el que realmente cantaba o simplemente era la imagen de un artista prefabricado, aunque pronto pudo comprobarse que su vozarrón era tal y como mostraba en sus discos. Durante sus cuatro años de éxito lograría un par de números uno en nuestra lista, pero con este primer sencillo tendría que conformarse con el top 3 tras 40 semanas de permanencia.

Con la misma rapidez con la que se encumbró terminaría desapareciendo de la circulación. Sería otro de los muchos artistas que acabarían devorados por la llegada de la década de los 90.

La otra novedad de aquella primera semana del año 1988 viene de la mano de un artista al que hay que recibir puestos en pie. El gran Bruce Springsteen, el mítico “Boss”. Aunque todo hay que decirlo que lo haría no con su mejor disco ni con sus mejores canciones, pero siempre será él y su gran música.

Acababa de publicar su álbum “Tunnel Of Love” y esa semana colocaba en la lista su primer sencillo, la melancólica “Brilliant Disguise”.

El disco en general y esta canción en particular mostraban bien a las claras cual era el estado de ánimo de Springsteen por aquel entonces. Acaba de separarse de su esposa, Julianne Phillips, y no se encontraba en su mejor momento, algo que repercutiría también en una menor aceptación de su nuevo disco.

La canción habla de que por mucho que uno se ponga una máscara brillante, los problemas y los estados de ánimo estan ahí debajo, algo que él conocía de primera mano. Por si fuera poco, el videoclip se rodaría en blanco y negro, dándole un aire todavía más sombrío y triste a la composición. Springsteen siempre ha sido así, sus canciones han reflejado sus distintos estados de ánimo a lo largo de su vida. Ese ánimo no creo que mejorara de inmediato viendo la aceptación por parte del público y las críticas hacia el disco que no fueron tan buenas como estaba acostumbrado, lo que también se reflejaría en nuestra lista ya que únicamente permanecería en ella durante 16 semanas, alcanzando un discreto puesto 26.

 

LISTA DE LOS AÑOS 90

Avanzamos diez años en el tiempo y nos ocupamos ahora de la lista que estrenábamos el día 4 de enero de 1998, que presentaría una única nueva entrada de la mano de uno de los grupos más aclamados y magnificados de la década de los 90, conocidos en igual medida por la calidad de su música como por los polémicos enfrentamientos entre sus miembros y sus polémicas declaraciones. Estoy hablando de Oasis.

Los hermanos Ian y Noel Gallagher han protagonizado casi más páginas de sucesos que de música, pero sus discos y sus canciones ocupan un lugar destacadísimo en la música de los 90. No es posible entender el cambió que mostró la música en aquella época sin conocer todo lo que ellos fueron capaces de ofrecer.

A finales del año 1997 publicaban su tercer disco bajo el título de “Be Here Now”, sobre el que había gran expectación después de los dos magníficos discos que habían ofrecido con anterioridad. En un primer momento las ventas de este último trabajo serían espectaculares, pero pronto se vería que su calidad había bajado levemente.

Como contraste a este disco no demasiado bien recibido por los críticos especializados aparecería como sencillo la que está considerada como una de las mejores composiciones de su carrera, este “Stand By Me” que permanecería en lista durante 29 semanas alcanzando el top 10.

Fuera como fuese, su música siempre ha estado por encima de sus polémicas y enfrentamientos. Fueron grandes, muy grandes y cualquier oportundiad de disfrutar de ellos hay que aprovecharla.

 

LISTA DEL NUEVO MILENIO

Cerramos el repaso que le damos cada semana a las distintas listas de éxitos cambiando de año, de década, de siglo y de milenio ya que saltamos hasta el 30 de diciembre de 2007 para disfrutar de la música de dos espectaculares mujeres, a la par que grandes artistas, con las dos canciones que entrarían en el hit glaminoleño ese mismo día.

Para empezar nos vamos hasta Australia para disfrutar de un momento emotivo de la mano de una de las cantantes de mayor éxito por aquel entonces. Me estoy refiriendo a Kylie Minogue a quien dos años atrás se le había diagnosticado un cáncer de mama. Afortunadamente, en el año 2007 volveríamos a tener noticias suyas una vez restablecida totalmente de su enfermedad, con la aparición en el mercado de su nuevo trabajo titulado “X”.

Cuando tuvo que parar por sus dolencias, Kylie estaba en el mejor momento de toda su carrera por lo que comprobar que tras dos años de pelea no había perdido ni un ápice de su manera de interpetar fue toda una satisfacción. El primer sencillo de ese nuevo álbum nos mostraría a una Kylie muy distinta, con un peinado y una pose a lo Marilyn y, sobre todo, con un sonido más contundente y cañero de lo habitual.

El título de esta canción es “2 Hearts” y a mí personalmente me encanta. Nos acompañaría durante 12 semanas y alcanzaría el top 24.

La otra entrada de la semana es una auténtico lujo, tanto por la canción en sí como por la grandísima artista que la protagoniza. Una de las mejores cantantes de la actualidad, poseedora de una espectacular voz, como es Alicia Keys. Si buscamos calidad, en sus discos la encontraremos a raudales.

Las comparaciones siempre se ha dicho que son odiosas, pero en algunas ocasiones se hacen inevitables. Siempre se habló de ella como la nueva Withney Houston, aunque en mi modesto entender está un poco por debajo de ella en cuanto a potencia vocal. Pese a esta manifestación creo que su voz en impresionante y capaz de llegar a cualquier registro que se proponga, dulce por momentos, intensa cuando hace falta.

En el año 2007 publicaba su tercer disco titulado “As I Am”, en el cual se incluía la canción que se estrenaba en la lista del 30 de diciembre. “No One” fue una de las canciones más destacadas de ese año y en nuestro país obtuvo una gran acogida ya que llegaría a encaramarse al número uno de la lista graminoleña en la que permanecería durante 48 semanas.

Cerramos aquí pues el repaso que cada semana le damos a las listas de distintas décadas. Dentro de una semana volveremos a viajar en el tiempo rescatando grandes canciones. Ahora a divertirnos un poco … más.

 

TAMBIÉN ES MÚSICA

Vamos ya con la sección que nos trae cada semana música de “otros planetas”. Esas canciones o esos artistas que adquirieron su popularidad gracias a ser originales, dirigirse a un público más joven o simplemente haciendo parecer música algunas cosas que se alejaban de ella. Hoy vamos con tres temas y tres grupos bastante peculiares que tuvieron su momento de gloria gracias a la televisión. Abrid las orejas y los ojos para conocer su historia y parte de su legado.

Corría el año 1977 cuando el inigualable José María Íñigo triunfaba en televisión gracias a su programa “Estudio Abierto”, en el que el humor, las entrevistas y las actuaciones musicales se entremezclaban para dejarnos momentos verdaderamente memorables. Uno de ellos iba a llegar de la mano de un joven cantante que intentaba abrirse camino en el mundo de la música que iba a venir acompañado de una niña de tan sólo ocho años con el objeto de realizar juntos una peculiar coreografía. Poco podían imaginarse en ese momento en lo que iban a convertirse.

El cantante apenas superaba los 20 años y atendía al nombre de Enrique del Pozo. La casa discográfica que apostó por el le veían un gran potencial y se volcaron desde el primer momento en su promoción. La primera canción que interpretó en el programa televisivo llevaba el título de “Esto es Amor” y a alguien se le ocurrió que causaría más impacto si aparecía acompañado de una niña que bailase con él. La escogida sería una pequeña de ocho años de edad llamada Ana Anguita. Sin quererlo, acababa de tomar cuerpo uno de los mayores acontecimientos musicales para niños de la historia de nuestra música.

La actuación cosecharía un tremendo éxito. La imagen de Enrique y el desparpajo con el que se movía la pequeña Ana conquistarían de inmediato al público y al día siguiente no se hablaba de otra cosa. Fue en ese instante cuando la discográfica se daría cuenta de que formando pareja e interpretando canciones hechas para niños el filón estaba asegurado. Acababan de nacer Enrique y Ana.

Así pues la carrera de Enrique se redirigiría desde ese momento al público infantil y junto a su pequeña bailarina iban a convertirse en poco menos que un fenómeno de masas para los niños españoles. En el año 1983 terminarían su aventura juntos. Ana había crecido hasta convertirse en una adolescente y su voz ya no era la de antes, mientras que Enrique tenía ganas de retomar su inicial proyecto de hacer música en solitario para adultos, algo que le duraría bastante poco porque terminaría convirtiéndose en un personaje mediático y polémico del mundo del corazón para desaparecer posteriormente de la circulación. Eso sí, como suele decirse, que les quiten lo bailao.

Vamos ahora con tres jóvenes cantantes que en el año 1981 iban a seguir más o menos los mismos pasos, esto es, aparición en televisión cuando no eran demasiado conocidos, impacto generalizado sobre el público y adquisición inmediata de gran popularidad y lanzamiento de sus carreras, sobre todo de uno de ellos.

Ese año se emitía por televisión un programa llamado “Si Yo Fuera Presidente”, dirigido y presentado por el siempre provocador Fernando García Tola. Una noche fue a un local madrileño llamado “La Mandrágora” a ver la actuación de tres jóvenes cantautores que estaban empezando a adquirir cierta popularidad gracias a sus interpretaciones musicales en directo repletas de humor e ironía. Quedaría encantado con ellos y ni corto ni perezoso los llevaría una noche a su programa para que actuaran en él en directo.

El éxito sería rotundo gracias a que cada uno de ellos llevaba el peso de su correspondiente faceta. Javier era el encargado de la sátira, la crítica ácida, la hironía. Alberto era el especialista en boleros. Joaquín mostraba bien a las claras el talento, la sensibilidad y apoyaba a Javier con su gran sentido del humor. Por si alguno no ha caído todavía, ellos eran Javier Krahe, Joaquín Sabina y Alberto Pérez.

He buscado algún vídeo con imágenes de la actuación televisiva pero no ha habido manera de encontrarlo. De cualquier marnera con este “Marieta” ya nos hacemos una idea de lo que estos tres muchachos eran capaces de hacer. Su presencia en televisión les ofrecería la oportunidad de publicar un disco grabado en directo bajo el título de “La Mandrágora” en el que se incluía una joya como “Pongamos Que Hablo de Madrid”. Estaba claro que Sabina ya apuntaba maneras.

Para cerrar la sección dedicada a “las otras músicas” de esta semana vamos con otro trío que también lograría gran popularidad gracias a la televisión. Vienen desde Barcelona y aunque durante la mayor parte de su carrera cantaron en catalán, sería en el año 1983 cuando publicarían un disco por primera vez en español con el que lograrían un rotundo éxito.

Estos tres caballeros atendían a los nombres de Josep María Mainat, Toni Cruz y Miquel Ángel Pascual y artísticamente eran conocidos como La Trinca. Las letras de sus canciones estaban cargadas de humor e ironía y cuando en el año 1983 publicaron ese primer disco en castellano titulado “Quesquesé Se Merdé” obtendrían gran éxito fuera de Cataluña donde ya eran muy populares.

Su carta de presentación en estos nuevos menesteres lingüísticos sería “El Barón de Bidé”, uno de sus temas mas conocidos y representativos. Su impacto sería tan fulgurante que poco después conducirían un programa en TVE llamado “Tariro Tariro” en el que alternaban actuaciones musicales con sketchs humorísticos.

Como puede comprobarse el dicho de una imagen vale más que mil palabras algunas veces se cumple en lo relativo a la promoción de los artistas. La televisión puede cambiar la trayectoria de cualquiera de ellos pero al final lo que siempre queda es su música.

 

LA ÚLTIMA DE LA GRAMINOLA

Llega el momento de cerrar la revista de hoy con la lujosa contraportada que nos trae siempre secciones espectaculares. Una página de sentimientos encontrados. Por un lado pena porque esto se acaba pero por otro felicidad porque en siete días volvemos con más música. Vamos pues con el epílogo.

Fe de erratas: En esta misma sección, la semana pasada cometí el error de mencionar que la canción “Enter Sandman” es de Motorhead y fue versionada por Metallica, cuando la realidad es que sucedió totalmente al contrario. Pido disculpas. A este respecto quiero deciros que os agradezco que me comentéis los errores que pueda cometer. No soy perfecto ni lo pretendo. Esta publicación no me reporta nada económicamente, no vivo de esto, simplemente lo hago porque me gusta la música y no presumo de ser el más listo ni el que más sabe. Desgraciadamente hay gente que siempre va dando clases magistrales y poniendo calificativos a los que como humanos nos equivocamos. Como alguno dice no debo tener mucha idea de “metal”, pero voy a seguir disfrutando de la música pese a que algunos se pasen la vida repartiendo estrellas como si fuesen los Dioses del Olimpo Musical. Hay formas correctas de hacer y decir las cosas y otras no tanto.

SE RECUPERA

 

 

Tras darnos un gran susto, el flamante último ganador del Festival de Eurovisión se recuperá tras haber sido sometido a una operación de transparte de corazón. Desde aquí le mandamos un fuerte abrazo a Salvador Sobral.

 

 

Hay cantantes que son sinónimo de lucha y superación y el portugués Salvador Sobral es uno de esos casos. Muy vinculado a nuestro páis al haber vivido durante mucho tiempo en Palma de Mallorca, acaba de demostrarnos que detrás de cada artista hay siempre una persona con sus miserias y sus alegrías. Su historia parece que acaba con un final feliz.

Su primera incursión en el mundo musical se produciría en el año 2009 cuando participaría en la versión portuguesa del concurso “American Idol” que allí se denominó “Idol”. El jurado portugués no debió de estar demasiado inspirado ya que no pasaría del séptimo puesto. Estaba claro que su ojo clínico dejaba mucho que desear. Tras esta pequeña decepción se trasladaría a Palma de Mallorca y empezaría a cantar en algunos pequeños recintos adentrándose cada vez más en la música de jazz.

Ya de vuelta a su país lo volvería a intentar con la participación a principios de este mismo año en el “Festival RTP da Cançao”, con una canción compuesta por su hermana. En esta oportunidad las cosas serían bastante distintas y lograría alzarse con la victoria final en el festival lo que le daría la oportunidad de representar a Portugal en el Festival de Eurovisión en el mes de mayo.

La canción en cuestión lleva el título de “Amar Pelos Dois” y con ella lograría alzarse con el primer puesto eurovisivo, batiendo todos los registros de puntación de la historia del festival. Durante los ensayos ya tuvo algunos problemas de salud motivados por una grave dolencia cardíaca. Afortunadamente hace unos días, tras varias semanas hospitalizado en la UCI, ha recibido un trasplante de corazón del que se está recuperando satisfactoriamente, después de algún que otro retroceso por problemas de rechazo. A buen seguro que muy pronto le volvemos a ver sobre un escenario.

 

MEJOR EN DIRECTO

 

 

Uno de los mayores exponentes del rock español es sin duda alguna Miguel Ríos. Con la grabación de su mítico “Rock & Ríos” tocaría techo en su carrera, dejándonos uno de los momentos más importantes de la música de nuestro país.

 

 

El año 1982 fue un gran año para la música en español y además fue un grandísimo año para el rock español. Sin duda alguna, el “Rock & Ríos” de Miguel Ríos ayudaría mucho a que se produjese esta situación. Tras sus inicios de carrera allá por los años 60 con una música melódica, daría un salto cualitativo importante convirtiéndose en uno de los rockeros más populares de la música española.

Con la grabación de este disco asumiría algunos riesgos. Era la primera vez en la historia de nuestra música que se grababa un disco en directo el mismo día que se estrenaba la gira promocional. Esto significa que no hubo ensayos de ningún tipo y que se publicó tal como salió, con sus fallos y sus defectos, algo que le dotaría si cabe de una magia muy especial. Ni que decir tiene que su éxito fue total.

El inició del concierto era una auténtica incógnica y la verdad es que no defraudaría a nadie. La canción que lo abrió era un tema inédito que de manera inmediata se convirtió en un auténtico himno y una composición perfectamente indicada para comenzar cualquier gira posterior. Estoy hablando de “Bienvenidos”. Ya sabéis, pues: “A los hijos del rock and roll … bienvenidos”.

 

EFEMÉRIDE

 

Hoy aprovechamos la coyuntura para felicitar en su cumpleaños a un cantante muy interesante, de un grupo muy interesante que nos dejaría varias canciones muy interesantes: Mark Hollis al frente de Talk Talk.

 

 

Tal día como hoy del año 1955 venía al mundo Mark Hollis, quien lideraría durante la década de los 80 a uno de los grupos que mejores críticas recibiría y que mayor consideración tendría entre los especialistas de la época, aunque sus ventas no fueran descomunales. Ojo, vendían bien pero no tenían la etiqueta de grandes figuras.

Al frente de Talk Talk sería el responsable de unas cuantas canciones que te vienen muy a menudo a la memoria. Fueron considerados siempre como integrantes de la “New Wave”, pero lo cierto es que su música tenía mucho más que la del resto de grupos vinculados a este estilo, era indudablemente más experimental.

Su mejor momento les llegaría en el año 1984 con la publicación de su segundo disco, titulado “It’s My Life”, en el que se incluía mi canción preferida. Se trata de un tema con un inicio misterioso y en un tono muy bajo que va in-crescendo con la peculiar voz de Hollis para dejarnos un momento intenso en el momento de llegar al estribillo. Su título es “Such a Shame” y me parece una auténtica genialidad.

 

NOVEDAD

 

 

Con la autenticidad de siempre, el veterano rockero madrileño tiene nuevo disco en el mercado. En “Escalde y Trinchera” ofrece más de lo mismo. ¿Para qué va a cambiar si así sigue siendo el más grande?

 

 

Los años no pasan por Rosendo … y tampoco por su música. Da gusto escuchar cada nuevo disco que publica ya que es de los pocos artistas españoles (yo diría que el único) que sigue sonando como sonaba hace más de 30 años y sigue manteniendo a sus seguidores de siempre y conquistando a nuevo público. Si en lugar de español fuera norteamericano estaría considerado como un mito. Y en verdad lo es.

Yo soy madrileño y de Carabanchel, aunque desde que me casé ya no vivo allí. Para quien no conozca Madrid os diré que este barrio es uno de los de más tradición y solera y en él ha vivido toda su vida el bueno de Rosendo. Era muy habitual cruzármelo por la calle con ese aire desgarbado y pasota y muy frecuente verle presenciar los sábados por la mañana partidos de baloncesto de chavales que jugaban en el Colegio Haiti cuyo patio está enfrente de la que fue mi casa durante 31 años. Rockero y cercano ¿qué más se puede pedir?

Hace apenas un par de meses publicaba su último disco bajo el título de “De Escalde y Trinchera”, en el que ofrece su sonido de siempre, guitarra, rock y mucha crítica en sus letras. La canción más destacada del álbum, por lo menos la que a mí personalmente más me gusta, es “Cúrame de Espanto” y en ella arremete contra todos esos listos que se aprovecharon de los años gloriosos económicos que luegon desencadenaron la tremenda crisis de la que todavía estamos intentado salir. Rosendo en estado puro.

“La Graminola” de hoy llega a su fin. La primera revista de este recién estrenado año 2018 ha venido cargada de buena música y no me queda más que desearos a todos un feliz y maravilloso nuevo año. Que se cumplan todos vuestros deseos (por lo menos que nos quedemos como estamos) y que disfrutemos de buena música durante 365 días. A esto último intentaré ayudaros.

Hasta el próximo jueves, Graminoleños

JUAN JOSÉ GOMARIZ